SEMINARIO DE TANGO EN RECONQUISTA
12, 13 y 14 de febrero
Carolina Bonaventura & Francisco Forquera
Cronograma
Viernes 12
(Biblioteca Municipal Gral. Manuel Obligado)
18:00hs a 20:00hs – Ensayos Mala Junta – Mariposita de San Telmo
21:00hs a 22:15hs – Tango Salón todo nivel
Sábado 13
(Reconquista Tenis Club)
15:00hs a 16:00hs – Milonga todo nivel
16:00hs a 17:15hs – Tango Salón todo nivel
17:30hs a 19:30hs – Ensayo Mala Junta – Mariposita de San Telmo
22:00hs. NOCHE DE TANGO
Exhibición de CAROLINA BONAVENTURA Y FRANCISCO FORQUERA.
Actuarán además: Raúl Pelusa Mohando – Lucrecia Delarosa y Pablo Manassero con Mala Junta – Ballet Yeroki – Federico Rivas – Beto Ramua, entre otros.
Domingo 14
(Reconquista Tenis Club)
15:00hs a 16:15hs – Tango Escenario
16:15hs a 17:45hs – Técnica para Hombres y Técnica para Mujeres
18:00hs a 20:00hs – Ensayo Mala Junta – Mariposita de San Telmo
Valores
1 clase: $60 - pareja: $100
2 clases: $100 - pareja: $180
4 clases: $160 - pareja: $300
8 clases: $180 - pareja: $340
Aclaración:
1. Los seminarios están pensados para todas las personas y sin límites de edad ni conocimiento. El que no sabe nada y como el que es alumno avanzado pueden asistir perfectamente.
2. Solo los espacios de Ensayos son exclusivos para los integrantes de Mala Junta.
NOCHE DE TANGO
Sábado 13 – Comienza a las 22hs. – la tarjeta incluye:
Recepción con bocaditos y tragos, luego distintas clases de Empanadas. Sin Bebidas, las cuales podrán comprarse en el lugar. Con el servicio garantizado de Sandro Servicios de Fiestas.-
Más de 6 números artísticos y la exhibición de nivel internacional de Carolina y Francisco antes de su gira mundial con Mestizaje Tango.
Pista de baile con tangos, milongas y mucho más… para que pasemos una noche inolvidable.
Valor de la Tarjeta $40.
Podes adquirirlas en:
LA MAGA DISQUERIA – RECONQUISTA TENIS CLUB – ABUELA ELDINA
O al Cel: 03482 – 15.646549
pabloman10@hotmail.com ó pabloylucreciatango@hotmail.com
Organiza: MALA JUNTA Escuela de Tango
ASOCIACIÓN SANTAFESINA DE ESCRITORES
ASOCIACIÓN SANTAFESINA DE ESCRITORES
Entre Ríos 2 703. 1º P. Dto.: A (3 000) Santa Fe. Rca. Argentina.
E-mail: asdesf@hotmail.com asdesf@yahoo.com.ar
La ASOCIACIÓN SANTAFESINA DE ESCRITORES invita a Ud./s. a la conmemoración del “DÍA INTERNACIONAL DE LA MUJER”. Se realizará en el Foro Cultural Universitario, sito en 9 de Julio 2 150 de esta ciudad, el 07 de marzo del cte. año a las 21, con el auspicio de la Secretaría de Cultura de la U.N.L.
Se recordará a las escritoras latinoamericanas: Sor Juana Inés de la Cruz, Delmira Agustini, Gabriela Mistral, Juana de Ibarbourou y Alfonsina Storni.
Participarán en los comentarios literarios: Estrella Quinteros y Belkys Larcher de Tejeda; en el recitado de poemas Myriam Morcillo y Patricia Fiorano; en arpa: Patricia Nin y en plástica: Gabriela Eberhardt. Idea original: Myriam Morcillo.
Se apreciará/n su/s valiosa/s presencia/s:
Zunilda Gaite.
Sectretaria General de la A.S.D.E.
Actividad en el Museo Municipal de Artes Visuales
Actividad cultural en la ciudad.
JUE 11 – 21.00hs
Ciclo: Danza en la Playa
Con la presentación de Alicia Ortíz y la compañía de Danza Jazz Fluxus, integrada por bailarines de Paraná y Santa Fe.
Lugar:
Parador II – Espigón II – Costanera Oeste
Castelli y Alte. Brown.
Entrada:
Libre y gratuita.
JUE 11 – 21.30hs
Teatro: “Justo en lo mejor de mi vida”
Del grupo Modus Vivendi, dirigido por Oscar Barotto.
Lugar:
Teatro Municipal “1º de Mayo” – Sala Marechal
San Martín 2020
Entrada:
$15 generales, $10 con descuento para estudiantes, jubilados, empleados municipales y socios de la AATM.
VIE 12 – 20.00hs
Inauguración de la muestra “Huellas y Legado”
Con curaduría de Pyli Urfer, la exposición reúne una colección de grabados del Museo Municipal de Artes Visuales. La muestra abre la temporada 2010 del espacio de arte.
Lugar:
Museo Municipal de Artes Visuales “Sor Josefa Díaz y Clucellas”
San Martín 2068
Entrada:
Libre y gratuita.
VIE 12 a DOM 14 – 20.00hs
Carnavales entre Todos
Este fin de semana la fiesta del Rey Momo se hará presente en Alto Verde, Yapeyú y Costanera Este.
Más información: www.santafeciudad.gov.ar/agenda
Entrada:
Alto Verde y Yapeyú: Libre y gratuita. Costanera Este: $10, menores de 12 años gratis.
VIE 12 a DOM 14 – 20.30hs
Música: Festival del Agua y el Canto
Continúa el ciclo de música folclórica Festival de Festivales con el Festival del Agua y el Canto.
Lugar:
Centro de Educación Física (CEF) Nº 29
Las Heras y Av. Galicia
Entrada:
$15 generales, menores de 12 años gratis.
VIE 12 – 21.00hs
Milonga a cielo abierto
Milonga abierta al público para disfrutar y bailar con la música del DJ de Tango Sebastián Benvenutti en la explanada del recuperado e histórico edificio.
Lugar:
Estación Belgrano
Boulevard Gálvez 1050
Entrada:
Libre y gratuita.
VIE 12 – 22.00hs
Ciclo en Marechal. Teatro de Humor. Obra: “Difícil que el Chancho Chifle” (Santa Fe – Paraná)
Obra del trío humorístico “Difícil que el Chancho Chifle” que da continuidad a “Teatro de Humor”, el primero de los Ciclos en Marechal de 2010.
Lugar:
Teatro Municipal “1º de Mayo” – Sala Marechal
San Martín 2020
Entrada:
$12 generales y $10 con descuento para estudiantes, jubilados, empleados municipales y socios de la AATM.
VIE 12 – 22.00hs
Reviví el Carnaval de Regatas
Carnavales en el Club Regatas para revivir la alegría en la noche de la ciudad.
Lugar:
Club Regatas
Entrada:
Sector VIP: $140 Preferenciales: $80
SáB 13 – 19.00hs
Música: Rock en la Playa
Actuarán las bandas locales Gastro y Germen.
Lugar:
Parador II – Espigón II – Costanera Oeste
Castelli y Alte. Brown.
Entrada:
Libre y gratuita.
SáB 13 – 19.00hs
Ciclo: “Mateada y Chamamé en el Parque”
Reprogramado por lluvia. Ciclo para compartir relatos, mates y lo más destacado del chamamé de la región. Además, se realizarán partidas de truco y de loba. Por la noche, se presentarán Renacer Chamamecero, Mauricio Ponce y su conjunto, Los Prisioneros del Chamamé y músicos invitados.
Lugar:
Anfiteatro “Juan de Garay”
Parque del Sur – Av. Presidente Illia y San Jerónimo
Entrada:
$8.
SáB 13 – 17.30hs
Música: Juan Carlos “El Gitano”
El cantante de música tropical presentará su nuevo disco “A usted, señora”. Además, actuarán Julián y su Banda, Nadia, tu fiel amante y otros grupos invitados.
Lugar:
Anfiteatro del Parque Juan de Garay
Paraguay y Junín
Entrada:
Libre y gratuita.
Foto de la actividad
DOM 14 – 19.00hs
Música en el Río
Se presentarán las bandas locales de rock Badú, Única Actitud y Clakson. Más información en www.musicsounds.com.ar
Lugar:
Faro de la Costanera Este
Entrada:
Libre y gratuita.
DOM 14 – 20.00hs
Música: Tropicales en el Parque
Con la presentación de Los Llamadores, La Contra, Diosnel y su Banda y Chanchi y el Grupo Cali. Además, participará de la velada Marcos Castelló, como invitado especial para compartir el escenario.
Lugar:
Anfiteatro “Juan de Garay”
Parque del Sur – Av. Presidente Illia y San Jerónimo
Entrada:
$10 generales. Menores de 10 años, con DNI, gratis.
SAB 13 – 22.00 y DOM 14 – 21.30
Teatro: “Somos tres, ¡no molestar!”
Una pareja en problemas; una pareja que necesita un cambio; una pareja a punto de explotar es el marco que da pie a “Somos tres, ¡no molestar!”. La obra fue escrita por Mariela Cerruto, que también actúa junto a Claudio “Chicho” Casco y Ricardo González, dirigidos por Sergio Cangiano.
Lugar:
Teatro Municipal “1º de Mayo” – Sala Marechal
San Martín 2020
Entrada:
$25 generales, $20 jubilados.
SáB 27 – 11.00 a 17.00hs
Adelanto: Seminario de Teatro de Humor
En el marco de Teatro de Humor, el primero de los Ciclos en Marechal. A cargo de Raúl Kreig, el seminario abordará el teatro de humor como materia de estudio, ampliando perspectivas, horizontes, estrategias y técnicas.
Lugar:
Teatro Municipal “1º de Mayo” – Sala Marechal
San Martín 2020
Entrada:
$50 asistentes.
Talleres de comunicacion con Platino.
Este año, bajo un formato más dinámico y práctico, la propuesta de los talleres “Cómo Hablar en Público”, retoma el objetivo principal de desarrollar tus capacidades comunicativas.
Ejes de C.H.E.P.
1. La comunicación y el expositor: Particularidades. Situaciones comunicativas. Manejo de auditorios. La palabra.
2. Pasos para la elaboración de un discurso: Tipos de discursos, figuras retóricas. La memoria.
3. El expositor, su presentación personal y sus recursos: El cuerpo: la voz, la postura y los gestos. Protocolos. La mirada. El uso de material de apoyo (Filminas, PPT, Flash, entre otros).
Más info
Días optativos: Martes 9, 16, 23 y 30 de marzo | Jueves 11, 18, 25 de marzo y 1 de abril.
Lugar: Estudio Rouge. Balcarce 974. Santa Fe.
Horarios: 20 a 22 horas.
Cupo: Limitado.
Precio por los 4 encuentros: $ 150 profesionales | $ 120 para estudiantes.
Para más información, podés ingresar al blog del Taller C.H.E.P. http://tallerchep.wordpress.com o comunicarte al 0342 4551751 de lunes a viernes de 9 a 17 horas.
Te esperamos!!
Platino Comunicación
Balcarce 974
0342 4551751
CASA SOMA, NUEVO EVENTO
Talleres con Raúl Kreig
LOS COROS EN JORNADAS
VIII ASAMBLEA ANUAL ORDINARIA, y
IX JORNADAS DE CAPACITACIÓN NACIONAL PARA DIRECTORES DE CORO
19 al 21 de febrero de 2010
Santa Fe de la Vera Cruz
Organizan ADICORA y ADICOFE
CRONOGRAMA DE ACTIVIDADES
Viernes 19
- 09.00 a 11.00
Reunión del CD de ADICORA
- 11.00 a 12.00
Reunión del CD de ADCORA y autoridades ADICOFE (*)
- 14.00 a 16.00
Plenario de autoridades de filiales (*)
NOTA: * Estas actividades están organizadas exclusivamente para los
miembros del CD y autoridades de filiales.
- 15.30
Acreditación a las jornadas
- 16.00 a 17.30
Taller 1 (LA PARTITURA DEL CUERPO) y 2 (COMUNICACIÓN Y LIDERAZGO) en simultáneo (el total de participantes se divide en dos partes) Los detalles de los talleres se pueden consultar en http://boletinadicora.blogspot.com/
- 17.30 a 18.30
Pausa y sesión de lectura de partituras
- 18.30 a 20.00
Taller 1 y 2 en simultáneo (cambian los grupos de la primera parte)
- 20.00
Concierto
Sábado 20
- 08.00
Acreditación
Asamblea ordinaria (Primera Parte) inicio.
(Sin quórum, una hora de aplazamiento, según estatuto).
Tratamiento exclusivo de los puntos previstos en el Orden del Día
Desarrollo
- 10.45
Receso Asamblea / café
- 11.00
Continuación Asamblea ordinaria
Tratamiento exclusivo de los puntos previstos en el Orden del Día
- 13.00
Cuarto Intermedio asamblea Ordinaria hasta Domingo 21 de febrero – 9 horas
Almuerzo de camaradería y tiempo libre
- 14.30 a 16.00
Taller 1 (continuación)
- 16.00 a 17.00
Pausa y sesión de lectura de partituras
- 17.00 a 18.30
Taller 2 (continuación)
- 18.30
Concierto
- 21.30
Cena de camaradería (el lugar y el costo se envían en próximo correo)
Domingo 20
- 09.00
Continuación Asamblea ordinaria
- 10.45
Votación y cese de actividades
- 11.00
Continuación de Asamblea ordinaria y cierre.
- 13.00
Entrega de certificaciones.
INSCRIPCIÓN
Para confirmar participación en Asamblea, simplemente, enviar un mail
a secretaria_adicora@yahoo.com.ar
Es de vital importancia la presencia de todos quienes integramos esta
Asociación, ya que de este modo podemos compartir, discutir, acordar,
disentir y trabajar para seguir construyendo.
Les recordamos que pueden sugerir temas para incorporar hasta el día
20 de enero, y que es posible hacerlo a través de las autoridades de
sus fililales o directamente al Consejo, a las siguientes direcciones:
adicora@adicora.org.ar, o secretaria_adicora@yahoo.com.ar.
Convocatoria a jornadas
Ficha de inscripción:
Apellido y nombre:………………………………………………………………………………………………..
DNI:…………………………………………………………………………………………………………………….
Dirección:…………………………………………Localidad:…………………………………………………..
Teléfono:…………………………………………..(agregar prefijo)
E-mail:…………………………………………………………………………………………………………………
Socio de ADICORA – ADICOFE: SI – NO (MARCAR SEGÚN CORRESPONDA)
Marcar según corresponda: Director de coro – Asistente de dirección
-Estudiante de música – Maestro de música – coreuta
En el caso de ser director:
Nombre del coro que
dirige…………………………………………………………………………………..
Ciudad a la que pertenece el
coro:………………………………………………………………………….
E-mail del coro (si lo
tuviere):……………………………………………………………………………….
Confirmar participación 1 semana antes de las jornadas adjuntando
ficha de inscripción vía mail a adicofe@yahoo.com.ar
Valor de las jornadas: $50 (estudiantes); $130 (no socios directores);
sin cargo (directores ADICORA – ADICOFE con cuota 2009 al día )
Forma de pago:
Depósito en CAJA DE AHORRO de§ ADICOFE : Nuevo Banco de Santa Fe –
Nro.99723/03 Suc. 500 – CUIT 30-70759581-3 / CBU
3300500125000099723038
En forma personal:§ comunicarse al 0342 – 156 – 153 122 (Alfonso Paz)
para concretar el pago.
En todos los casos solicitamos que comuniquen vía mail a
adicofe@yahoo.com.ar o telefónicamente cuando hayan efectuado el pago
Gonzalo Villalba
Secretario de Prensa y RRPP
ADICORA
www.adicora.org.ar
Convocatoria para los talleres de “Luz Invencible”
El 5, 6 y 7 de febrero se desarrollará una nueva instancia de estos talleres preparatorios para la megaproducción con la que Santa Fe celebrará el Bicentenario de la Nación Argentina. El Gobierno de la Ciudad convoca a bailarines, cantantes y actores a participar de la reedición de los talleres de pre-montaje de “Luz Invencible”. Se trata de la superproducción musical con la que Santa Fe el Bicentenario de la Nación Argentina.
Se trata de un espectáculo coreográfico-ecuestre con el que nuestra ciudad conmemorará la trascendente fecha patria, a partir de nuestra propia idiosincrasia, historia e identidad. Los talleres se concretarán el viernes 5, sábado 6 y domingo 7 de febrero en la Sala Mayor del Teatro Municipal “1º de Mayo”. Esta es la segunda instancia de un proceso que culminará con la selección del elenco de “Luz Invencible”.
Vale destacar que el director general de la puesta es el reconocido Héctor Berra y los coreógrafos son Mabel Pimentel y Oscar Murillo. Objetivos Los primeros talleres se llevaron a cabo en diciembre y participaron cerca de 150 personas. En este espacio se trabajará el pre-montaje de la megaproducción: se seleccionarán actores, cantantes y bailarines para participar de la obra. En las jornadas se trabajará la introducción al concepto para la realización de un espectáculo coreográfico- ecuestre, con un libro original, basado en algunos sucesos, ambientes y circunstancias fundamentales en la historia de Santa Fe.
Además, se desarrollarán técnicas y se transmitirán conceptos que aplicarán los creadores para la puesta en escena: explicación sobre este formato, inédito hasta hace poco en la Argentina; la historia del circo criollo y las representaciones en las misiones Jesuíticas, como antecedentes que precedieron a la realización de “Opera Pampa” en Buenos Aires. (Siglos XX, XVII, XXI respectivamente). Se abordarán las representaciones teatrales, que son el punto de partida para el concepto de la danza teatro, la necesidad de la introducción al ballet (curso de teoría sinóptica) en los recursos, el manejo de personajes, la interrelación con cantantes y jinetes, el desarrollo en un espacio físico no habitual para el artista, a cielo abierto; con elementos de utilería no convencionales y el compartir con animales el espacio escénico; son algunos de los criterios a incorporar para el objetivo del proyecto. También serán temas de las jornadas de taller las formas Pre-Clásicas de la Danza (Louis Horst), que han permitido descubrir y fundamentar cómo la influencia y formas de las danzas europeas traídas durante la conquista, la colonia, y por los inmigrantes de diferentes etnias que poblaron Santa Fe, tallaron decididamente en las particularidades del hombre en esta región; hasta en su cultura de trabajo.
Finalmente, se abordarán ritmos y pasos que identifican y se proyectan a las variadas formas que a principio del siglo XIX existían en las provincias, la representación de esta historia deberá recuperar para darle identidad y credibilidad a la obra. Recordemos que los talleres están destinados a bailarines, actores y cantantes con posean conocimientos en cualquier tipo de danzas (folklórica, clásica o contemporánea) y en zapateo (preferentemente folklórico y/o flamenco).
Inscripciones Para ampliar esta información e inscribirse a los talleres es necesario dirigirse a la Secretaría de Cultura del Gobierno de la ciudad, ubicada en San Martín 2076 -PA- (4571885/86). -.- Condensado Ópera: “Luz Invencible”. Convocatoria: Talleres de Danza Teatro. Objetivo: Seleccionar bailarines, cantantes y actores para el pre-montaje de la mega producción. Director general: Héctor Berra. Coreógrafos: Mabel Pimentel y Oscar Murillo. Talleres febrero: Viernes 5 (9 a 13 horas y de 18 a 21 horas). Sábado 6 (de 9 a 14 horas y de 18 a 21 horas). Domingo 7 (de 10 a 13 horas). Lugar: Sala Mayor del Teatro Municipal “1º de Mayo” (San Martín 2020). Convoca: Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad.
Teatro de Humor en el primer “Ciclos en Marechal”
En febrero comenzará la temporada 2010 de “Ciclos en Marechal”. La primera propuesta del año es “Teatro de Humor”. Las obras subirán a escena todos los viernes de febrero desde las 22 horas. La programación incluye grupos cómicos de Santa Fe, Paraná y Buenos Aires.
VIE 5/02. 22.00 “Sinfoniatra” (Buenos Aires).
Obra del grupo Ridiculum Vitae (humorismo musicado). Dirigida por Gustavo Vallejos, la compañía teatral presenta esta propuesta en la que reina un humor peculiar, fresco y sutil, donde la música y el absurdo se entremezclan en una serie de delirantes historias, plagadas de gasgs directos o textos con dobles lecturas. La manipulación del lenguaje forma parte esencial en el estilo del humor de Ridiculum: las palabras son el punto de partida de muchas de las situaciones que ponen en escena.
VIE 12/02. “Difícil que el Chancho Chifle” (Santa Fe – Paraná)
Obra del trío “Difícil que el Chancho Chifle”. El grupo trabaja el humor desde el ingenio. La propuesta artística se compone de diferentes sketchs, personajes y situaciones a partir de la cual presentan una visión paródica de la realidad. En el show prevalecen los gags y la interacción con el público.
VIE 19/02. “El Maravilloso Show de los Tocomochos” (Paraná)
Obra del grupo paranaense “Tocomochos” que se basa en una sucesión de números humorísticos, hilados a modo de varieté. Un espectáculo hecho de continuidad e invitados. Esta estructura amplia y desarticulada permite ir renovando, intercalando, superponiendo los distintos números y personajes. El espectáculo, desarrollado desde una estructura amplia y desarticulada permite renovar, intercalar y superponer distintos números y personajes. Una construcción de un espacio de encuentro, en el que se mezclan la festividad y el teatro, la diversión, el arte y el entretenimiento, materializado en un café concert.
VIE 26/02. “Sola y desvelada” (Buenos Aires)
Obra escrita y protagonizada por Ximena Banús que pondrá fin al ciclo. En la puesta en escena Banús crea y da vida a cuatro maravillosos personajes que aparecen frente al espectador. Las imágenes de un televisor dan cuenta de la ciudad y su cotidiano, pendulan entre universos privados y públicos, funcionando como un poético hilo conductor que nos lleva de un personaje a otro; una francesa despechada comienza relatando una historia que deviene en escalofriante confesión, una psicóloga de dudoso proceder presenta su libro y firma ejemplares a la salida; una ex diva del cine nacional es descubierta en la intimidad de su hogar; y una locutora de FM, cálida como una bola de fraile, ameniza su audición con mensajes, poesía y canciones.
SAB 27/2. Seminario de Teatro de Humor, a cargo de Raúl Kreig. Horario: 11 a 17 horas. Inscripciones en la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad (San Martín 2076 -PA-; tels: (0342) 4571885/6/7)
Concepto
Los “Ciclos en Marechal” son un espacio desarrollado por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad que apunta a que los santafesinos accedamos a obras de excelencia en los diferentes géneros, articulándolas con seminarios y talleres de cada una de las temáticas. Es una invitación a nuestros artistas, al público especializado y a los vecinos en general a darse cita todos los meses para disfrutar de las propuestas, teniendo la posibilidad de disfrutar de obras de gran nivel, confrontar estilos, lenguajes, puntos de vista como así también estimular la generación de nuevos públicos. La programación 2010 será la siguiente: febrero, Teatro de Humor; abril, Unipersonales; junio, Teatro de Ciudades; agosto, Danza de Ciudades; septiembre, Óperas Primas; noviembre, Teatro Político. Los ciclos se desarrollarán los viernes de cada mes.
Corina Bolzico muestra en Esperanza.
“Como hablar en público”-Talleres de capacitación
Para profesionales y estudiantes de todas las disciplinas Platino Comunicación te invita a los talleres “Cómo Hablar en Público” que tienen como objetivo brindarte las herramientas necesarias para que desarrolles comunicaciones más efectivas en tu ámbito laboral y académico.
En el año 2008, Platino Comunicación organizó en la ciudad de Santa Fe los “Talleres de Oratoria” que se realizaron durante los meses de febrero, marzo, abril, mayo y junio. Más de setenta asistentes participaron de estos encuentros.
Este año, bajo un formato más dinámico y práctico, la propuesta de los talleres “Cómo Hablar en Público”, retoma el objetivo principal de desarrollar tus capacidades comunicativas. Ejes de C.H.E.P. 1. La comunicación y el expositor: Particularidades. Situaciones comunicativas.
Manejo de auditorios. La palabra. 2. Pasos para la elaboración de un discurso: Tipos de discursos, figuras retóricas. La memoria. 3. El expositor, su presentación personal y sus recursos: El cuerpo: la voz, la postura y los gestos. Protocolos. La mirada. El uso de material de apoyo (Filminas, PPT, Flash, entre otros).
Más info Días optativos: Martes 9, 16, 23 y 30 de marzo | Jueves 11, 18, 25 de marzo y 1 de abril. Lugar: Estudio Rouge. Balcarce 974. Santa Fe. Horarios: 20 a 22 horas. Cupo: Limitado. Precio por los 4 encuentros: $ 150 profesionales | $ 120 para estudiantes. Para más información, podés ingresar al blog del Taller C.H.E.P. o comunicarte al 0342 4551751 de lunes a viernes de 9 a 17 horas. Te esperamos!! Platino Comunicación Balcarce 974 0342 4551751
CICLOS EN LA MARECHAL
“Teatro de Humor” en el primer “Ciclos en Marechal”
En febrero comenzará la temporada 2010 de “Ciclos en Marechal”. La primera propuesta del año es “Teatro de Humor”. Las obras subirán a escena todos los viernes de febrero desde las 22 horas. La programación incluye grupos cómicos de Santa Fe, Paraná y Buenos Aires.
VIE 5/02. 22.00 “Sinfoniatra” (Buenos Aires).
Obra del grupo Ridiculum Vitae (humorismo musicado). Dirigida por Gustavo Vallejos, la compañía teatral presenta esta propuesta en la que reina un humor peculiar, fresco y sutil, donde la música y el absurdo se entremezclan en una serie de delirantes historias, plagadas de gasgs directos o textos con dobles lecturas. La manipulación del lenguaje forma parte esencial en el estilo del humor de Ridiculum: las palabras son el punto de partida de muchas de las situaciones que ponen en escena.
VIE 12/02. “Difícil que el Chancho Chifle” (Santa Fe – Paraná)
Obra del trío “Difícil que el Chancho Chifle”. El grupo trabaja el humor desde el ingenio. La propuesta artística se compone de diferentes sketchs, personajes y situaciones a partir de la cual presentan una visión paródica de la realidad. En el show prevalecen los gags y la interacción con el público.
VIE 19/02. “El Maravilloso Show de los Tocomochos” (Paraná)
Obra del grupo paranaense “Tocomochos” que se basa en una sucesión de números humorísticos, hilados a modo de varieté. Un espectáculo hecho de continuidad e invitados. Esta estructura amplia y desarticulada permite ir renovando, intercalando, superponiendo los distintos números y personajes. El espectáculo, desarrollado desde una estructura amplia y desarticulada permite renovar, intercalar y superponer distintos números y personajes. Una construcción de un espacio de encuentro, en el que se mezclan la festividad y el teatro, la diversión, el arte y el entretenimiento, materializado en un café concert.
VIE 26/02. “Sola y desvelada” (Buenos Aires)
Obra escrita y protagonizada por Ximena Banús que pondrá fin al ciclo. En la puesta en escena Banús crea y da vida a cuatro maravillosos personajes que aparecen frente al espectador. Las imágenes de un televisor dan cuenta de la ciudad y su cotidiano, pendulan entre universos privados y públicos, funcionando como un poético hilo conductor que nos lleva de un personaje a otro; una francesa despechada comienza relatando una historia que deviene en escalofriante confesión, una psicóloga de dudoso proceder presenta su libro y firma ejemplares a la salida; una ex diva del cine nacional es descubierta en la intimidad de su hogar; y una locutora de FM, cálida como una bola de fraile, ameniza su audición con mensajes, poesía y canciones.
SAB 27/2. Seminario de Teatro de Humor, a cargo de Raúl Kreig. Horario: 11 a 17 horas. Inscripciones en la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad (San Martín 2076 -PA-; tels: (0342) 4571885/6/7)
Concepto
Los “Ciclos en Marechal” son un espacio desarrollado por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad que apunta a que los santafesinos accedamos a obras de excelencia en los diferentes géneros, articulándolas con seminarios y talleres de cada una de las temáticas. Es una invitación a nuestros artistas, al público especializado y a los vecinos en general a darse cita todos los meses para disfrutar de las propuestas, teniendo la posibilidad de disfrutar de obras de gran nivel, confrontar estilos, lenguajes, puntos de vista como así también estimular la generación de nuevos públicos. La programación 2010 será la siguiente: febrero, Teatro de Humor; abril, Unipersonales; junio, Teatro de Ciudades; agosto, Danza de Ciudades; septiembre, Óperas Primas; noviembre, Teatro Político. Los ciclos se desarrollarán los viernes de cada mes.
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Condensado
Ciclos en Marechal
Ciclo: “Teatro de Humor”.
Lugar: Teatro Municipal “1º de Mayo” – Sala Marechal, San Martín 2020
Hora: 22.
Entrada: $12 generales y $10 con descuento para estudiantes, jubilados, empleados municipales y socios de la AATM.
Organiza: Secretaria de Cultura del Gobierno de la Ciudad.
Stock de obras en la Gallery de Aleu
Nuestros artesanos en la plaza Pueyrredón
Como todos los domingos por la tarde, se desarrolla en la plaza Pueyrredón de nuestra ciudad,la feria popular de artesanías.
Numerosos stands y una diversidad de piezas puede apreciarse en todo el recorrido, correctamente iluminado y con el césped recién cortado. Los stands tienen un cobertor de friselina en distintos colores, que van del rojo al negro, dando un bello colorido a nuestra plaza de Boulevard.
Enfrente, la Galería de Guillermo Aleu luce por estos días de Enero con la muestradel Grupo Germina Campos, una obra de arte en todo sentido.
Cosas lindas de Santa Fe, que tratamos de retratar en fotos…
TRASTIENDAS EN AG-ARTE
San Javier: Un nuevo mural, se integra a su fisonomía.

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Un nuevo mural -auspiciado por Fundación Centro- se integra a la fisonomía urbana de la ciudad de San Javier. Elisa Aquatti junto a Alfonsina Rabellino, terminaron días pasados de pintar la obra, que en calle Santa Fe puede ser apreciada por todo el público y transeúntes.
Inspirada en el arte binario y con colores primarios en su mayoría, la obra sigue la tendencia de otros murales pintados por las autoras. Vamos a decir que en San Javier,este tipo de experiencias no se dan y han caído muy bien en la comunidad.
Al finalizar el mural, las autoras tuvieron la oportunidad de dejar su impronta en dos motocicletas, cuyos propietarios felices pasaron a ser dueños de una obra de arte: un dibujo pintado en su carrocería.
El arte y la comunidad con estos hechos, se integran y fusionan sin dogmas ni adjetivaciones. Los vecinos disfrutan de una puesta en escena gratuita,el barrio gana en color, la dinámica ciudadana da cabida a expresiones que motorizan el interés popular.
El arte, ese potente vector de nuestra zona y artistas, en cada evento que realiza Fundación Centro, está presente.
click aqui para ver el album de fotos
El pintor encuadrado en el realismo, Luis Gervasoni, y su muestra en “la Ribera”
El pintor santafesino Luis Gervasoni, exponente del realismo santafesino, presenta por estos dias su muestra en el Shopping “la ribera” , ubicado en el ex puerto local.
Luis, exhibe en esta oportunidad sus acrílicos y óleos en distintos formatos, tanto con naturalezas muertas, bodegones,como de prósperos empresarios de nuestra ciudad, bajo la magia de su pincel.
Sin duda, una oportunidad más de llegar a la gente de nuestra ciudad, desde ese mágico lugar ubicado en Alem y 27 de Febrero, de nuestra ciudad…
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Darwin: “de los fósiles a las boleadoras”-en el Museo Municipal de la peatonal santafesina
Días pasados, inauguró en la peatonal Santafesina, la muestra “DARWIN, la Re -Evolución entre fósiles y boleadoras”. Compuesta por obras de distinto tipo y formatos, sobre variados soportes, podemos encontrar desde alusiones temáticas realizadas por Abel Monasterolo en vinilos -ya expuestas en el MAC tiempo atras-, hasta obras del maestro Elgotas que se integran al montaje.
La exhibición pretende motorizar una reflexión sobre la aparición de la obra “El Origen de las Especies”, las condiciones que hicieron posible su existencia y la suerte de los protagonistas menos recordados de la tripulación del HMS Beagle.
…surgió hace aproximadamente 200.000 años, pero hace apenas un siglo y medio comenzamos a tomar conciencia plena de nuestra historia natural y de nuestro parentesco con todos los seres vivos.”La (R) Evolución de Darwin” es una muestra sobre un viaje: son los recuerdos de un joven naturalista sorprendido por el gran parecido entre las mulitas y los gliptodontes; un representante de la «civilización» inglesa que comparte unos mates con los gauchos y se espanta por la guerra contra el indio, pero que siente un profundo desprecio por los fueguinos; un abolicionista que discute con el capitán Fitzroy sobre la esclavitud y un geólogo que puede imaginarse el levantamiento de la Cordillera de Los Andes y, además, comprobarlo.
…Charles Darwin publicó “El Origen de las Especies” y, a partir de ese momento, cada vez que nos miramos en el espejo aparece un simio. Todas las especies que pueblan, y alguna vez poblaron la Tierra, de pronto tenían una historia: una narración propia y compartida esperando a ser descubierta y debatida…
La muestra puede ser visitada en Enero, de 17 a 21 horas en el céntrico museo de calle San Martín 2076 de la ciudad de Santa Fe.
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“Todos los colores transmiten tabúes, códigos y prejuicios”
PARIS.? Michel Pastoureau es el único historiador del mundo capaz de contar con lujo de detalles las glorias y los eclipses, las pasiones y las ambigüedades de los colores.
Antropólogo, paleógrafo y medievalista, este francés fuera de lo común, nacido en París en 1947, ha dedicado su vida a estudiar la historia de la simbología occidental. Sus objetos de laboratorio preferidos son la heráldica, los animales y los colores. Está considerado la mayor autoridad mundial en la materia.
Director de cátedra en la Escuela Práctica de Altos Estudios, Pastoureau ha escrito una decena de libros. Azul, historia de un color; Negro, historia de un color, y Diccionario simbólico de los colores denuestro tiempo vendieron decenas de miles de ejemplares y conquistaron a especialistas y neófitos por su originalidad. Para el autor, es fácil de comprender: "Los colores no son anodinos. Cada uno conduce sentidos ocultos, códigos, tabúes, prejuicios a los que obedecemos sin saberlo y que pesan en nuestra vida cotidiana, nuestro lenguaje y hasta nuestra imaginación", precisó a LA NACION en París.
Su aporte se enriquecerá a medida que aparezcan las tres obras que tiene en preparación: una historia del verde, un libro sobre el cuervo y otro sobre el "incolor".
-Usted afirma que el azul es el color preferido de los occidentales.
-Desde que comenzaron las encuestas de opinión, por 1890, el azul es efectivamente el color preferido en Occidente, en todas partes, y sin diferencia de género. Naturalmente, esto no es así en otras culturas: los japoneses, por ejemplo, prefieren el rojo.
-Pero no siempre fue así?
-No. Durante mucho tiempo, el azul fue un color marginado. Está ausente de las pinturas rupestres neolíticas. En la antigüedad ni siquiera era considerado como un color. Sólo el rojo, el blanco y el negro tenían ese estatus.
-¿Por qué ese desamor?
-Una de las razones principales es que el azul es muy difícil de fabricar. Para los romanos era el color de los bárbaros, del extranjero. Los pueblos del Norte, como los germánicos, usaban el azul. Por entonces, los ojos azules en una mujer eran signo de mala vida. Para los hombres era una marca de ridículo. Cuando las lenguas románicas forjaron sus lenguajes sobre los colores, tuvieron que ir a buscarlos al germánico ( blau ) y al árabe ( azraq ). En griego antiguo, las palabras que lo designan son imprecisas: hay confusión entre el gris, el azul y el verde. En la Biblia tampoco existe el azul.
-Siendo que, en la actualidad, para los católicos, el azul es el color de la virgen María.
-Los textos bíblicos en hebreo, arameo y griego antiguo utilizaban pocas palabras para los colores. Hubo que esperar las traducciones en latín para que aparecieran. Donde el hebreo dice "rico", el latín traduce "rojo". Por "sucio", el latín dirá "gris" o "negro". A comienzos de la Edad Media, los textos litúrgicos católicos siguieron ignorando el azul. Todo cambió en el siglo XII porque, justamente, el Dios de los cristianos se transformó en un Dios de la luz. Y la luz es azul. Por primera vez en Occidente los cielos se pintan de azul. Antes eran negros, rojos, blancos o dorados.
-Y en ese momento aparece además el culto marial?
-Así es. Y como la Virgen habita los cielos?A partir del siglo XII se la viste con un manto azul.
-En su libro Azul... , usted afirma que hay además otra razón para ese cambio.
-En esa época, Occidente entró en un frenesí de clasificación. Había que ordenar, jerarquizar, sobre todo a los hombres: darles signos exteriores de identidad, códigos de reconocimiento social.
-¿Ese es el momento en que aparecen los blasones?
-Así es. También aparecieron los apellidos y las insignias de función. Con los tres colores tradicionales (blanco, negro y rojo), las combinaciones eran muy limitadas. Ese el momento en que el azul se transformó en cierto modo en el contrario del rojo. Y poco a poco se volverá el color preferido de Occidente.
-¿Cuál es la razón?
-Es un color consensual.
-¿Por eso todas las organizaciones internacionales lo han escogido para sus emblemas?
-Así es. Naciones Unidas, la Unión Europea? Aunque, en este caso, hay una segunda razón. Los fundadores de la UE -en su gran mayoría católicos- escogieron el color de la bandera como una evocación del manto de María, mientras que las estrellas simbolizan la corona de la Virgen.
-Ya que el azul es el color del consenso, ¿podríamos decir que el rojo es un auténtico color?
-Hablar del "color rojo" es casi un pleonasmo. Incluso en algunos idiomas, como en el español, su nombre significa tanto "rojo" como "coloreado", pero también "bello". En el sistema de simbolismos de la antigüedad, que giraba entre tres ejes, el blanco representaba en "incolor", el negro lo sucio y el rojo era el color, el único digno de ese nombre.
-¿Y por qué?
-Desde la antigüedad, se admiraba el rojo, al que se le confiaban los atributos del poder, es decir, en el terreno de la religión y la guerra. El dios Marte, los centuriones romanos, ciertos sacerdotes, se vestían de rojo. Ese color se impuso porque evoca dos elementos omnipresentes en la historia de la humanidad: la sangre y el fuego.
-La antigüedad siempre tuvo debilidad por el negro.
-Era el color de la fertilidad. Se lo asociaba al negro de la tierra. Incluso, se admiraba a ciertos animales de ese color. Por ejemplo, el cuervo, que en la Roma antigua era utilizado para la adivinación. Aún no existía el nexo entre el negro y la muerte o el pecado. Fue el cristianismo que lo creó.
-Los colores tienen importancia en política: el negro viste a los fascistas y a los anarquistas?
-También en este terreno hay evoluciones. En Francia, el azul fue primero el color de los republicanos, que se oponían al blanco de los monárquicos y al negro del partido clerical. Sin embargo, poco a poco, el azul se fue corriendo hacia el centro, dejándose desbordar a su izquierda por el rojo, que primero fue socialista y, después, comunista.
-En otras palabras, fue empujado hacia la derecha.
-Después de la Primera Guerra Mundial, el azul se volvió conservador. Y todavía lo es.
EL PERSONAJE
MICHEL PASTOUREAU
Antrópologo y medievalista
Origen: nació en París en 1947
Docencia: es director de cátedra en la Escuela de Altos Estudios de París
Libros publicados: Diccionario simbólico de los colores de nuestro tiempo ; Azul. Historia de un color; Negro. Historia de un color
Delirios de grandeza científica.
El físico Matías Alinovi recupera en Historia universal de la infamia científica, seis casos reales de estafas cometidas desde la ciencia a la ciencia misma. Lejos de esgrimir una denuncia, el texto logra retratar la mayor locura de los científicos "locos": las convicciones personales, las pasiones investigativas, el compromiso con la intimidad.
Jorge Luis Borges, 1935, Historia universal de la infamia. Fuga narrativa, imaginación e historias sintéticas. Así, con semejante fórmula científica, construye Borges ese Borges mundial que funda la literatura argentina. Y que discute con la mayor de las doxas concebidas por la teoría literaria (y por el Río de La Plata en los años 30): el realismo. Borges sabía que a la ciencia se le responde, siempre, con ciencia. Para ella, la disconformidad tiene carácter de refutación. La insatisfacción, en cambio, de tecnología.
"Yo quería escribir un libro sobre Borges en el que no apareciera la palabra Borges, pero decir Borges es como decir Perón, es decirlo todo" dice Matías Alinovi. Por eso, mejor dejar al autor de Ficciones tranquilo con su dogma antirealista, y contar que Alinovi asume la disconformidad propia de los acuerdos científicos y, en lugar de avanzar por la vía de los inventos, retrocede hasta el estadio de los fraudes. Las seis historias de Historia universal de la infamia científica (imposturas y estafas en nombre de la ciencia) editadas por Siglo XXI Editores en 2009, reasignan características esenciales de la actividad científica: atrevimiento, improvisación, certeza individual. Gracias a Foucault, Alinovi trabaja menos desde una crítica epistemológica que desde la noción misma de episteme: la política del capricho y la obstinación bastan y sobran. Es en tiempos de ciencia revisitada y estrategias múltiples de popularización disciplinar que la aparición de esta infamia interrumpe un continuum de publicaciones "para principiantes": las imposturas narradas acercan algo que no es "ciencia al alcance neurológico de todos". Es, más bien, el relato de seis casos de individualismo exacerbado: el paleontólogo de Piltdown, el fronterizo Ritcher, el constructor Bessler, "nuestro" Florentino Ameghino, Paul Kammerer y Vishwa Jit Gupta despliegan lo que en Borges eran glosas y en Foucault, advertencias. Si hay un compromiso personal y silencioso con la osadía, no hay trampas. Alinovi escribió un ensayo sobre la intimidad, la peor locura de cualquier científico loco.
De acuerdo con el prólogo, en el que el autor sostiene que el factor "complejidad" sitúa a la literatura bien cerca de la ciencia – "los fraudes fueron lo más literario que encontré" dice durante la charla, confesando su deseo de huir de la ciencia, y poder al mismo tiempo hablarle a ella en un lenguaje que conoce - Historia... pormenoriza cada empresa con una modalidad narrativa presente, sí, en otros lanzamientos editoriales de divulgación: tono periodístico y tono académico en dosis justas. Y en general, necesarias. Una decisión que, no obstante, dilata hasta un límite inoportuno alguna de esas historias. En ciertos casos, menos hubiera sido mejor: el hombre de Piltdown, sin ir más lejos, carga con la difícil función de abrir el libro. Los detalles de sus conquistas, marchas y contramarchas terminan siendo excesivos. En otros capítulos, el texto gana en sentencias, apartándose de la crónica escalonada que tan poca relación conceptual guarda con la irónica universalidad del título. No obstante, la finitud de la labor científica siempre queda sobreexpuesta. Los de Alinovi son héroes románticos obnubilados por un ideal de progreso tan coincidente con los tiempos modernos en los que les tocó estafar, que resulta difícil no interesarse por su tozudo afán. Tan románticos y divergentes como otros que sí lograron elevar sus teorías al cielo de los paradigmas. Cuestión de suerte.
Por ejemplo, la mala, argentinísima, emblemática suerte de esa "obnubilación teórica", dice Alinovi, que exasperó hasta el límite de la desorientación a Florentino Ameghino, quien tan sólo se propuso nivelar la paleontología local con el resto de las paleontologías nacionales y sostener que la humanidad era nuestra. Con el método alcanza, porque más tarde, la comunidad mundial estaría de acuerdo en afirmar que el origen del hombre es, en realidad, africano. Y a ningún paleontólogo africano se le había ocurrido eso. Para pertenecer, la ciencia sólo demanda (no es poco, en realidad) método. Es decir: una cuestión de fe.
Mentiras recobradas. Inteligencia y percepción. Historia universal de la infamia científica, o de algunas pasiones encendidas. Porque la ciencia a veces falla por exceso de amor.
“Los santafesinos no somos corderos”
Los santafesinos no somos corderos
Los santafesinos tienen miedo, están desprotegidos. Tienen miedo los padres cuando sus hijos van a la escuela, esperando que regresen sanos y salvos, con las zapatillas o la bicicleta que tanto les costó comprar. Tiene miedo quien, con el esfuerzo de su trabajo, compró un auto y cuando para en la esquina del semáforo el chico se le acerca a limpiarle el vidrio. Tienen miedo los vecinos que sin sentencia están presos por las rejas de sus casas y que no asumen que no existe la solución individual.
Por Oscar Ariel Martínez*
En el mismo momento unos señores se reúnen, piensan, diseñan. El objetivo es: "Tenemos que volver al poder". Como si la ciudadanía los extrañara.
Los padres se reúnen en la mesa, piensan y sufren. La mitad de ellos están preocupados por cómo podrán hacer estudiar a sus hijos. Les han confirmado que recibirán un subsidio para que al menos sus hijos tengan un futuro y tendrán que hacer dos cosas: mandarlos a la escuela y cuidarles la salud. Muchos de estos padres han perdido el rumbo, perdieron el trabajo, y ello no parece demasiado difícil de explicar en una provincia que tiene el mayor índice de desocupación del país, a pesar de su riqueza reconocida por el mundo.
Sin embargo, los dispensarios sólo están abiertos de lunes a viernes, y únicamente de mañana. Lo saben porque el abuelo, que aún conserva la foto del hombre que le enseñó que la dignidad existe, cuando tiene que tomarse la presión o hacerse la nebulización, padece y no tiene adónde ir. Porque para concurrir al hospital tiene el problema que el taxi o el remís no quiere entrar a su "casita".
Ellos saben que su futuro será difícil. No obstante se ilusionan, en sus momentos de lucidez ?que últimamente son pocos?, con la posibilidad de que sus hijos y nietos tengan un destino mejor. Sin embargo, luego se enteran que la provincia no tiene suficientes bancos en las escuelas para que todos los niños puedan asistir a educarse, a convertirse en hombres libres.
El resto de los padres, que pueden hacer estudiar a sus hijos, saben que ya ni un título universitario les permitirá garantizarles un futuro. Para conseguir un trabajo tendrán que esperar ser amigo de Juan o Pedro. Ven que los días de clase cada vez son menos, que ya no se corrigen los errores de ortografía y que ha desaparecido el guardapolvo que nos enseñaba que la igualdad era un valor y que la educación era progreso.
Viven en la provincia invencible pero a veces ?equivocadamente? no pueden evitar transmitirle las frustraciones a los jóvenes, como tampoco pueden evitar trasladar esa rara sensación de no creer en nada ni en nadie, y esa preocupante y desacertada convicción de que la solución es individual.
Mientras tanto otros señores se reúnen convencidos que están transformando la provincia. Es más: ya están pensando en seguir transformándola unos años más; diciendo que estamos mejor. La verdad ellos no se equivocan, efectivamente ellos están mejor.
Los presidentes de comunas e intendentes agonizan con presupuestos magros. Ellos son los que día a día tienen que dar respuesta a los vecinos y no pueden hacerse los distraídos. La seguridad es su responsabilidad. Es suya la responsabilidad de evitar inundaciones. No pueden abstraerse de la situación económica de sus lugares, y asisten a duras penas a los más desprotegidos. Deben proteger sus economías regionales. Se caen los ingenios de Las Toscas y Villa Ocampo, algunas empresas lácteas están profundamente endeudadas y el cobro de impuestos es cada vez más dificultoso.
Esos dirigentes son a quienes sus comunidades le dieron el rol de liderar, pero sin embargo tienen miedo. Poco a poco se han convertido en mendigos. Mendigan a la provincia, una provincia que hace lo que critica, no garantizando una distribución federal de los recursos. También mendigan para que los dirigentes a los que tantas veces han acompañado, no los abandonen. Sin embargo ya se han dado cuenta que la lealtad en Santa Fe es una avenida de una mano y que el sistema funciona así: lo de ellos es de ellos y lo suyo es de todos.
Pero además mendigan que algún delegado de turno le dé una limosna a cambio de vender su nombre en alguna solicitada, mientras tanto sus comunidades piden a gritos soluciones a una provincia que podría brindarlas,siempre que existiera sentido común.
Al mismo tiempo los lobos se reúnen. Ya están, por un lado, los que están y van a querer seguir estando. Por el otro está el oficial y el muleto de la vieja escudería que aún cuando parezcan peleados todos saben que pertenecen a un equipo, que aunque hoy no despierte algarabía, funcionó durante mucho tiempo.
Mientras tanto los docentes, policías y empleados públicos esperan que alguno se dé cuenta que el almacén y la farmacia no saben de equilibrio fiscal. Mientras tanto los productores que padecen la sequía no están en condiciones de pagar impuestos, y por consiguiente ya no les preocupa mucho que se los aumenten.
En el mismo instante decenas de miles de niños y jóvenes carecen de educación, de deporte, de capacitación para el empleo y de cultura. Pero lamentablemente hasta hoy a nadie se le ocurrió pensar en las escuelas hogar, las escuela "doble jornada" y la "escuela de aprendices", que funcionaron en una etapa donde el hombre era respetado y en especial eran respetados los niños. Una etapa donde los niños eran los privilegiados, que finalmente permitían que los excluidos fueran incluidos, y que todos en definitiva quedáramos incluidos en un proyecto nacional, donde estábamos convencidos que para un argentino no existía nada mejor que otro argentino.
Al mismo tiempo, dirigentes jóvenes de espíritu -es decir, que no tienen la mente marchita ni el corazón doblegado-, cavilan. Ellos son empresarios, profesionales, trabajadores, líderes locales. Ellos perciben, ellos intuyen que algo ha cambiado. Por ello se preguntan si será cierto que la alternativa para Santa Fe sea conformarse con el presente que no da respuesta o volver a un pasado lleno de fracasos y frustraciones.
Que los lobos aúllen no es problema pero que los corderos le hagan coro sólo indica una cosa: que son corderos. Los santafesinos no los somos. En nuestras entrañas están las enseñanzas que nos brindara el Brigadier López, quien con espíritu libertario nos dijo que teníamos entidad y que ella debía ser respetada, que merecíamos ser una provincia y que entre todas las provincias seríamos la provincia invencible. Si ese hombre, con seis mil almas detrás de una bandera, pudo construir una provincia, por qué no podremos nosotros llevar a la misma provincia adelante. Por algo somos Cien por Ciento Santafesinos.
Oscar Martinez-Presidente Fundacion Centro
Querer controlar los medios es querer controlar la gente”
El fenómeno de los nuevos compositores argentinos
Por Pablo Gianera
De la Redacción de LA NACION
Un músico radicado en Francia contó en una ocasión que, al enterarse de a qué se dedicaba él, una amiga de su mujer comentó: "No sabía que todavía había compositores". La observación se crispa, y se vuelve un poco cómica, en la palabra "todavía". Realmente, para muchos, la figura del compositor es, como los goliardos o los trovadores, una formación histórica: algo que existió una vez y no volvió a repetirse. Seguramente, más arduo habría resultado para ella imaginarse el gentilicio "argentino" pegado al sustantivo "compositor".
Podría reproducirse otro diálogo, oído al pasar después de un concierto. En el hall de la sala, cerca del pasillo que llevaba a los baños, un hombre abordó inoportunamente al compositor cuyas obras acababan de tocarse: "¿Cómo se llama esta música que usted hace? Le pregunto porque ya escuché muchas cosas parecidas". "Mire, se llama música de hoy", respondió, ya fastidiado, el compositor. La frase del curioso impertinente revelaba el reconocimiento de un aire de familia en la llamada música contemporánea (eso que la acerca más a un estilo que a un período), pero fracasaba en la detección de cierta condición fragmentaria que exhibe la composición en Argentina: allí donde no parece haber más que desemejanzas, el oyente ocasional encontraba similitudes. Quien, por ejemplo, haya ido hace pocas semanas al último concierto de becarios del Taller Melos/Gandini habrá advertido la fragmentación y el contraste: en un extremo, la evocación casi mahleriana de V, la pieza de Francisco Varela; en el otro, la discontinuidad de Sin puerta ni ventana, de Roberto Azaretto.
"Los chicos quieren estar muy a la page. Entonces usan técnicas extendidas y esas cosas. Por otro lado, no hay que olvidarse de que vivieron intensamente la etapa del rock. Lo que no siguen, por suerte, es la onda comercial tipo Golijov. Van a algo más duro Pero creo que esta generación es mejor que la intermedia. Miran la música desde un lugar distinto del lugar desde el cual la miraba nuestra generación. La intención es parecida, porque nosotros también tratábamos de ser de vanguardia; finalmente nos escapamos de eso. Lo que se ve poco es la creación a partir de una necesidad íntima. Hay una desconfianza hacia la expresividad. Y una conquista de los compositores de mi generación fue justamente el reconocimiento de la subjetividad; tratar de que la obra fuera personal", explica Gerardo Gandini, figura decisiva, junto con Francisco Kröpfl y Mariano Etkin, cada uno de ellos con su poética particular, en la formación de buena parte de los compositores de hasta cincuenta años. A los nombres de esos maestros habría que agregar los de Marta Lambertini, Carmelo Saitta y Julio Viera.
Gandini tuvo además durante años ciclos en la Fundación San Telmo y en el Goethe-Institut. "Yo programaba la música que me gustaba. Por ejemplo, la de Luis Mucillo. Cuando, en la primera época del Goethe, toqué su obra Tres Sonetos de Petrarca, Mucillo, que tenía poco más de veinte años, vivía afuera; y yo dije que iba a repetir lo que dijo Schumann cuando escuchó la primera obra de Chopin: ´Sáquense el sombrero, señores; he aquí un genio´. Los compositores se dividen en dos clases: los que se dedican solamente a escribir música y a esperar que otros se la toquen, y los que escriben música y además organizan conciertos para tocar su música y la de otros. Entre estos últimos incluyo a Juan Carlos Paz y a Alberto Ginastera. Para los compositores más jóvenes, como para nosotros, la pregunta por el público no aparece. Componen, por ejemplo, para la Compañía Oblicua. Ahí tenés a Marcelo Delgado, su instrumento es la Oblicua. Él es un compositor que arma un grupo y toca la música de los demás y también la propia."
Cuenta Delgado: "Cuando fundé la Oblicua, en 2004, lo hice convencido de la necesidad de que volviera a existir un grupo estable, a semejanza de la Sinfonietta Omega, que había creado Gandini en los años 90. Estaba seguro de que, si demostraba que era posible trabajar con continuidad, otros grupos iban a ir apareciendo; el tiempo probó la validez del planteo: hoy existen cuatro o cinco ensambles que tocan un repertorio del que casi nadie en las instituciones oficiales se hace cargo. En 2009, estrenamos obras de veintidós compositores locales. Pero la Oblicua funciona casi sin financiamiento". A la Compañía Oblicua, deberían sumarse otras agrupaciones: el Quinteto Sonorama, el Ensamble Süden y el Ensamble Tropi, integrado por alumnos del Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla y dirigido por la pianista Haydée Schvartz. También se destaca la tarea del director y compositor Santiago Santero y algunos ciclos, como el de instrumentos solos que el violonchelista Martín Devoto organiza en el Centro Cultural de España en Buenos Aires; "Músicas en singular", en la Bibliteca Nacional; los conciertos en el Centro Nacional de Música, que programa el compositor Juan Ortiz de Zárate; el festival internacional de la Fundación Encuentros que dirige Alicia Terzian, además de la actividad oficial del CETC, el Teatro San Martín y el Tacec (el centro de experimentación del Teatro Argentino), donde Marcos Franciosi estrenará este año su ópera experimental El gran Teatro de Oklahoma.
Cuando se perdió el pudor
En octubre de 1997, se celebró en Santa Fe la Tercera Reunión de Arte Contemporáneo. El musicólogo Omar Corrado presentó allí una aguda y muy discutida ponencia que tituló "Del pudor y otros recatos", recogida luego en el n°60 de la revista Punto de Vista. Sería injusto condensar en pocas líneas el amplio paisaje teórico que presentaba Corrado. Baste señalar algunas de sus conclusiones sobre la generación de compositores que tienen ahora más de cincuenta años: una contención respecto de los extremos; la voluntad de no abandonar la serie estética, la autonomía formal de lo artístico, resistente a revelarse como texto social; precaución ante la inflación sentimental; desinterés por dialogar con materiales provenientes de los géneros populares.
Diez años más tarde, otro musicólogo, Pablo Fessel, compiló Nuevas poéticas en la música contemporánea argentina. Escritos de compositores, volumen fundamental editado por la Biblioteca Nacional. En esas páginas, el panorama que presentan los compositores más jóvenes es bastante diferente. En primer lugar por lo que uno de ellos, Pablo Ortiz, define como "generación diaspórica", en alusión a los compositores argentinos de extramuros. Así, entre los más jóvenes, Martín Matalón, Oscar Strasnoy y Luis Naón viven y componen en Francia; Osvaldo Golijov, Juan Pampín, Marcelo Toledo y Ortiz, en Estados Unidos; Juan María Solare, en Alemania; Erik Oña, en Suiza. Hay asimismo una diáspora interior, en los casos de Juan Pablo Simoniello y Adrián Rússovich, instalados respectivamente en Río Negro y en San Juan. El censo es sin duda incompleto, pero no por eso menos significativo. Por lo demás, a excepción de, en su momento, Mauricio Kagel y, ahora, Osvaldo Golijov -no casualmente los dos únicos argentinos, además de Piazzolla, que el crítico del New Yorker Alex Ross menciona en su libro El ruido eterno [ver aparte]-, pocos compositores consiguieron instalarse espectacularmente en el exterior, aun cuando a Fabián Panisello, radicado en España, Pierre Boulez le haya estrenado el año pasado la obra Aksaks en el Festival de Donaueschingen.
Los motivos del exilio son tan diversos como los individuos implicados. "No huí de la dictadura porque no fui directamente perseguido, pero mataron a un hermano mío meses antes del golpe. Nunca se supo exactamente quién lo había hecho pero era gente ligada a la Triple A y las mafias sindicales de La Plata. Ahí terminó mi adolescencia", explica Naón. En esa época, estudiaba con Roberto Caamaño en la Universidad Católica Argentina. "Tenía la impresión de que acá la cosa atrasaba un poco. Pero si hay algo argentino es la idea: ´Todo esto es una mierda; yo soy mucho mejor´. Yo no estaba exento de eso." El caso de Pampín, que trabaja en Seattle y estudió en Lyon, es un poco diferente. "Si bien había tomado clases de análisis con Kröpfl, yo me fui sobre todo a estudiar -explica-. Mi formación estaba empezando, pero acá ya me habían marcado mucho los conciertos que había escuchado, por ejemplo, en el Centro Cultural Recoleta. Gandini también ha difundido mucha música. Él fue el único que tocó, y muy bien, músicas de todas las estéticas. Ahora, ¿qué sería un compositor argentino? Me parece que el libro Nuevas poéticas... desmiente un poco esa idea. En Francia, donde la cultura es una política de estado, se generan caminos estéticos y personajes que marcan algo innegablemente francés. La marca argentina es el eclecticismo, la multiplicidad, la deriva. Personalmente, no me siento un compositor argentino, pero tampoco francés ni norteamericano."
Lo político aparece, con distintos grados de evidencia, en Tango del desamparo (1987), de Naón, en OÍD (2003), serie de variaciones sobre el Himno Nacional en la versión para piano de Juan Pedro Esnaola, de Pampín [ver aparte], y en cierto modo también en la instalación sonora Mayo, los sonidos de la plaza (2003) de Martín Liut, e incluso en Movimientos (2000), su pieza radiofónica en colaboración con Abel Gilbert. Justamente, lo político y la contaminación con los géneros populares son dos de las novedades que introducen algunos de los compositores nacidos en las décadas de 1950 y 1960. "Salvo casos muy particulares, todo compositor nacido a partir de 1950 pasó su adolescencia atravesado por la cultura musical popular en un sentido amplio", observa Liut. "Sin embargo, hasta bien entrados los años 80, la influencia de las músicas populares era objeto de sospecha. Después, muchos empezamos a mirar nuestras discotecas: ahí convivían Ligeti y Salgán, Emerson Lake & Palmer y Webern. En mi caso, se trató de reunir lo que estaba haciendo en forma escindida: mientras estudiaba composición ´culta´ tenía un trío de música popular con el que tocaba tango. Hasta que un día, el marimbista Angel Frette me lanzó el desafío de escribir algo para él, pero porque había escuchado a mi trío."
"Citaría dos casos -confirma Naón-. El de Matalón y el mío. Yo tocaba guitarra eléctrica en la secundaria, y él batería. Yo tenía una doble formación: por un lado, el rock, a través del cual componía y me expresaba; por otro, estudiaba piano, y antes canté en el coro del Teatro Argentino. Esas experiencias me llevaron a ser compositor. Hay trazos que todavía están presentes en mi música: el fraseo de la voz y una cierta expresión ligada a la improvisación en la guitarra. Me doy cuenta de eso después de una vuelta de más de 15 años." Los grados de explicitación de lo popular son variables. En una obra como Quodlibet, de Strasnoy, los materiales de la canción popular -de Charly García a Sandro- están deliberadamente al desnudo. Por el contrario, en Cancionero regional, de Delgado, lo popular aparece mucho más filtrado, según su idea del compositor como "contrabandista", que "lleva cosas de un lado al otro de la frontera que separa la llamada música popular de la otra (¿clásica? ¿culta? ¿académica?)".
Nacionalidad
Suele entenderse la música y la poética de Kagel como un correlato de las ideas de Borges acerca de la nacionalidad enunciadas en su ensayo "El escritor argentino y la tradición": el derecho a reivindicar toda la tradición occidental, la libertad respecto de los pensamientos hegemónicos, la imparcialidad en la elección de los materiales.
Efectiva o aparente, esa libertad contiene también sus restricciones, entre otras, la falta de financiamiento y encargos estatales. "Componer supone desde el inicio un acto de libertad y de restricción", explica la compositora María Cecilia Villanueva. "La libertad consiste en la permanente toma de decisiones sobre la realidad sonora por construir (la obra) mediante el recorte de las infinitas posibilidades que aparecen en el primer momento. Otro tipo de recorte pero restrictivo, que viene de afuera de la obra, es la reducida disponibilidad de algunas instrumentaciones, para no mencionar las poderosas cuestiones económicas y organizativas involucradas en la ejecución pública de la obra. Ese condicionamiento de la oferta instrumental influye, per se, en mayor o menor medida en el imaginario sonoro del compositor, que debe buscar el difícil e inestable equilibrio entre lo imaginado y lo posible."
Podría recordarse aquí una observación de Etkin, maestro de Villanueva en la Universidad Nacional de La Plata, en las notas al disco Latitud Sur, de la Compañía Oblicua, según la cual no conviene suponer que la música argentina es más europea que otras músicas latinoamericanas ni tampoco que es una manifestación del mito del buen salvaje. ¿Qué es entonces un compositor argentino? Y, sobre todo, ¿existe tal cosa?
Según Pampín, "hay algunos compositores que siguen una cierta tradición argentina ligada a lo vernáculo, como Gabriel Senanes. Es una especie de vertiente más oficial. Y después hay otras líneas que tienen más que ver con la formación argentina, compositores que estudiaron con Etkin o con Kröpfl y en cuyas obras aparece esa marca. Se nota allí la interpretación de una vanguardia internacional de una manera nacional. Esa música me suena muy argentina. Y también cierta austeridad en la manera de componer".
Más en línea con Borges que con Kagel, observa Mucillo: "No creo que en mi caso específico el acto de componer hoy en la Argentina o en cualquier otro país modifique particularmente las cosas. Esto se debe en parte al hecho de haberme dedicado desde hace bastante tiempo a elaborar lo que considero, con algo de resignación, un estilo personal, al que he tratado de dar continuidad a pesar de los cambios y evoluciones de mi lenguaje; se debe también a la condición de exilio y de perpetuo residir en el extranjero, que me parece en el fondo inherente a todos los seres humanos. En la Antigüedad solía compararse al hombre con un árbol invertido, cuyas raíces crecen en el cielo mientras que la copa se inclina hacia la tierra; Novalis decía que estamos siempre de retorno a casa, pero evidentemente no se refería a la casa de los recuerdos donde con menor o mayor felicidad transcurrió nuestra infancia. Es razonable dudar de la existencia de semejante patria celeste: ello no torna menos apremiante su nostalgia".
La inclusión del bandoneón en algunas de sus obras convirtió a Naón en víctima del malentendido y de la demanda extranjera de color local. "Los que están acá y los que estamos afuera nos apropiamos de cosas con mayor facilidad. La película que se hacían afuera era que yo venía del tango. Y la verdad es que yo no sé de dónde vengo, pero seguro que no del tango. Mi papá escuchaba tango, pero mi mamá cantaba Fauré y Debussy. Así que huí para otro lado. Entiendo que, en cambio, alguien como Golijov no huyó. Llegó a un compromiso en el que la cosa funcionaba súper bien y dijo: aquí me quedo. No es un juicio de valor." Notablemente, las posibilidades del bandoneón le fueron reveladas a Naón por Guy Reibel, su profesor de electroacústica en Francia.
"La de la música argentina es una historia que tiene una problemática común a las demás artes de nuestro país, pero también sus particularidades", observa Liut. "Entre otras, lo particularmente potente que ha sido el paradigma de la música absoluta en nuestra música y aquel comentario de Corrado sobre los ´pudores y recatos´ de nuestra producción musical. Estas dos últimas condiciones han sido superadas en esta década. Compositores que exploran lo que se llama ´arte sonoro´, y el cruce con músicas populares lo demuestran. La superación de los pudores y recatos tiene en Oscar Edelstein un referente para mí, en la idea de no tenerles miedo a la desmesura y el error. Algo en común con otros compositores es haber salido de la institución arte hacia espacios no convencionales, como la intervención sonora de espacios públicos. Aquí surgen nombres como los de Gabriel Paiuk o Miguel Galperín."
Más allá de esa afirmación, domina un espíritu poco gregario, o por lo menos una sutil desconfianza sobre la existencia de afinidades: "Es difícil decirlo y tampoco es algo que me preocupe demasiado -dice Villanueva-. Muchas veces no se es consciente de las relaciones que se puedan establecer entre la obra propia y las músicas de otros compositores contemporáneos o del pasado. Es un fenómeno dinámico y cambiante".
Mucillo es más radical: "Creo que cada compositor está comprometido en su búsqueda y que las diferencias impresionan mucho más que las similitudes. Algunos de los más jóvenes se vuelven hacia el tango o el folklore, ya sea por gusto personal o tratando así de afirmar una hipotética identidad nacional. Hablando como compositor húngaro, [György] Kurtág señalaba que la música de Bela Bartók había significado algo así como el descubrimiento de su lengua materna, y supongo que ése habrá sido el caso de muchos de sus compatriotas. Pienso que nada comparable podría afirmarse en la Argentina, pero que la ausencia de un antepasado emblemático en cuyas aguas abrevar nos libra a una suerte de feliz diversidad en la que cada compositor ensayará y realizará su propia manera (inescrutable, quizá) de ser argentino, sin que esto implique forzosamente el recurso a un telurismo folklórico más o menos ancestral".
Pero la inexistencia de comunidades no supone necesariamente una desventaja. "No veo un rasgo común a todos. Sería empobrecedor que así fuera -dice Delgado-. Creo en una perspectiva crítica acerca de la música que nos llega desde las grandes usinas productoras (europeas, básicamente), usando de ellas lo que nos sirva para generar lenguajes propios. Entre nosotros, la clonación ha sido una práctica bastante habitual en las últimas décadas. Todos estamos un poco aburridos de algunas cosas que venimos escribiendo y escuchando, y nos cuesta aceptarlo. Hay un respeto nostálgico por esas tradiciones y un temor a salir de ellas, como quien abandona un territorio conocido y no sabe dónde pisar. Mi respuesta sería: hay que pisar precisamente allí."
La situación de la música contemporánea muestra un aire de familia con la de la poesía: circulación lateral, independencia, minorías fervorosas. Pero ambas, música y poesía, se conectan también de otra manera más profunda que la de las meras condiciones de recepción. Desde siempre, en la poesía se reveló, cifrado pero vívidamente, el estado de una lengua, y en ocasiones también su futuro. Es posible que en la pura configuración de una música incondicionada por las demandas del mercado nos esperen revelaciones semejantes. Tal vez haya sonidos que esperan ser atendidos.
Corina Bolzico: exponente de Arte co – crealista
...arte ciencia vida hombre universo
las obras de arte co - crealista tienen una lógica propia, nacen desde un enigma
estético - poético que se circunscribe desde la génesis de la que emanan.
El artista es solo un medio, un co - creador de una energía que trasciende a
sus limitaciones físicas y temporales en pro de un carácter perenne y eterno.
LA ULTIMA EVOLUCION DEL ARTE
Los críticos reflexionan sobre el cierre de una era de rótulos y cánones que imponían límites a la producción artística. En el nuevo e impensado cruce de tendencias y lenguajes Madonna resulta un ícono. Ella, en sí misma, es una expresión multimedia que condensa la moda, la danza, la fotografía, la escultura, la música, el video y la pintura. Escriben Daniel Molina, Graciela Speranza, Julio Sánchez, Rodrigo Alonso y Alicia de Arteaga
Por Daniel Molina
Para LA NACION - Buenos Aires, 2009
Después de la muerte de Michael Jackson, la única artista universal que queda en pie es Madonna. Jackson fue el último representante de una época en la que brillaron Jimi Hendrix, James Joyce, Alfred Hitchcock y Pablo Picasso. Desde los comienzos de la Revolución Industrial hasta fines del siglo XX, los artistas tenían el control total (o, al menos, decisivo) sobre la obra que producían. De ahí que se valorizaran la originalidad, la "profundidad" o la perfección artesanal, asociadas a las prácticas individuales (y que eran una herencia de los gremios artesanales de la Edad Media). En las obras actuales -producto de la colaboración, basadas en la cita de otros artistas, con soportes que no requieren destrezas manuales- esos valores no tienen ningún sentido.
No hay un límite para el arte, porque traspasar los límites es lo que le da sustento: por eso hay tanta dispersión, tantos formatos, tantos estilos. Salvo Madonna, no hay otros artistas que definan la época como hace 40 años lo hicieron los Beatles. Hoy, Jeff Koons, Damien Hirst, Takashi Murakami o Maurizio Cattelan (por nombrar a las más grandes figuras de las artes contemporáneas) no son soles únicos alrededor de los cuales giran los planetas, sino estrellas frías, perdidas en la inmensidad brillante de la oscura noche del sentido. Cada uno de ellos ilumina una isla, pero no es capaz de irradiar su luz al conjunto del gigantesco archipiélago de la vida contemporánea.
Madonna es la última artista universal porque en ella se operó como en casi nadie más la gran transformación: de "oruga" analógica a "mariposa" digital. Ya no es la materialidad de su voz (y su diálogo con la tradición de la canción popular) la que sostiene su obra, sino que ahora el eje de su trabajo está puesto en el enorme proceso de producción. La Madonna actual no es una persona (que canta o que baila), es la imagen final que surge de una compleja maquinaria que estimula nuestros sentidos.
La mayoría de los artistas que comenzaron sus carreras al mismo tiempo que ella (Michael Jackson, Bruce Springsteen o incluso Prince) siguen produciendo tal como se lo hacía en los años ochenta: no saben o no quieren explorar los territorios que les permiten las nuevas posibilidades técnicas (a pesar de que las usan en forma básica). Por el contrario, Madonna hace más de una década que dejó de ser la excepcional cantante de sus comienzos (como en Like a Virgin ) para convertirse en una plataforma multimedia en sí misma. Esa operación surgió en 1998 cuando lanzó su álbum Ray of Light (que produjo en colaboración con William Orbit, Patrick Leonard y Marius De Vries). Desde entonces mezcla sonidos, imágenes y culturas en una especie de batidora digital que todo lo reprocesa. Y lo hace de tal forma que surgen de allí obras (canciones, videos, performances y actuaciones en vivo) que no se parecen a ninguno de los componentes, pero que tienen algo de cada uno.
La Madonna actual es una antena atenta a todo lo nuevo que sucede en el mundo: toma el pop francés (del grupo Air) y lo "remixa" con el hip hop de Los Ángeles; se inspira en la música disco británica y la mezcla con un relectura de los aires latinos de Nueva York. Y así hasta el infinito. Por eso su música y sus imágenes están más cerca de las producciones de los jóvenes (Franz Ferdinand, The Killers o Architecture in Helsinki) que de las canciones de Cindy Lauper. La Madonna digital es una esponja que todo lo absorbe y todo lo reprocesa, y también es una de las artistas más parodiadas, "remixadas", citadas. Es una catarata que desencadena otras obras que la citan y la transforman en otra cosa, como hace, por ejemplo, Terremoto de Alcorcón en su video Times goes by con Loli en el cual -con una estética trash y camp - parodia el video Hung Up .
Una obra ahora nos importa según su potencia viral: su capacidad de citar y de ser citada, de "contagiar", de ser transformada. Roland Barthes (un crítico central de la época analógica) sostenía que la literatura de goce era la que motivaba a escribir una nueva obra. Esa idea es central en la producción estética actual, en todos los campos. Demuestra, además, que son las audiencias las que están tomando el control del proceso, y que se está borrando la separación entre consumidor (o receptor) y productor. En el eslogan "Hágalo usted mismo" (que une la ideología optimista de la revista Mecánica Popular con destellos del ideario vanguardista de comienzos del siglo XX) se condensa buena parte del ideario artístico contemporáneo: ahora, realmente, cualquiera podría ser artista.
Un buen ejemplo de la incesante producción de sentido a partir del "remixado" y cita de obras es la cadena de transformaciones que lanzó el video Single Ladies , de Beyoncé. El video original fue parodiado en un skecht del programa televisivo Saturday Night Live , con la participación de Justin Timberlake y Paul Rudd. Luego se popularizó en la Red un video en el que un bebé canadiense bailaba al ver la coreografía de Beyoncé Y luego JoeNATIONtv -un irreverente artista de la imitación- realizó una parodia muy elaborada del inocente bebé (En otra de sus muchas transformaciones (hay miles en la Web), la coreografía del video de Beyoncé fue el tema central del capítulo cuatro de la serie Glee (que en la Argentina está emitiendo Fox los jueves a las 22): gracias a él, un adolescente gay, marginado en su colegio, logra ingresar al equipo de fútbol, convertirse en una estrella del deporte y animarse a hablar de su homosexualidad con su padre.
Mezclar es la consigna de la época: ahora es imposible que haya algo que pueda denominarse "arte puro". Por eso, en este clima de gozosa impureza abunda lo trash . Las fotografías de adolescentes que mostró Carlos Herrera en la FotoGalería del Rojas y en Zabaleta Lab ponen en evidencia el mundo de las pasiones pequeñas y de la piel cotidiana. Es un realismo mínimo, de afectos latentes, el que se retrata a través de rostros en crudo y escenas sin otro artificio que el punto de vista. Es el triunfo de lo que el nazismo llamó "arte degenerado", pero a la enésima potencia: sin género, sin soporte privilegiado, sin sometimiento a los lugares comunes de "lo artístico".
El arte que amplía los límites puede tener la mirada tierna y, a la vez, el clima acechante de las máquinas utópicas y los seres de cuento de hadas que Cristian Turdera mostró en la galería Sapo. En un mundo que valora lo gigantesco, Turdera es un gran artista que pasa inadvertido -como muchos dibujantes e "ilustradores"- porque hace pequeñas cosas maravillosas (como sus increíbles libros para niños, que son obras maestras de la alegría).
Que el arte esté constantemente ampliando sus fronteras significa también que los creadores más innovadores apuestan a participar en otros circuitos, como las muestras curadas por los propios artistas (de Cristina Schiavi a Elba Bairon o Juan Tessi) en la "galería" circunstancial Mark Morgan Perez Garage
Existen otros circuitos también en el mundo digital, con las posibilidades que Internet pone al alcance de cualquiera: los videos que exploran el más allá de los límites hoy están en YouTube y no en las salas de los museos (que se han quedado con el videoarte). Esta aparición de nuevos espacios para el arte cuestiona el papel de los museos y de los centros culturales: ¿qué futuro les espera?
La cultura digital tampoco es propicia para el surgimiento de estrellas globales sino para la multiplicación de luminarias fugaces, con radios de acción más limitados y cuya influencia puede ser intensa aun a costa de quedar encerrada en comunidades acotadas. La lógica del mundo digital, a la vez que brinda a todos la posibilidad de hacer arte e interactuar con muchos otros, pone límites imprecisos pero férreos a la expansión infinita. Por eso no hay artistas globales que sean incuestionables para la audiencia planetaria. Salvo Madonna, quizá la última de su especie.
Hija del final de la era analógica, Madonna encarnó como nadie la posibilidad de transformación que caracteriza nuestro presente. Hay en ella una furia por ser otra que recorre toda su obra (recordemos: en cada show presenta un nuevo look ; en cada video, un nuevo disfraz). Sobrevivió al cambio de época porque fue capaz de incorporar lo que iba apareciendo y lo integró con tal sabiduría que les dio a las tendencias fugaces la solidez de lo clásico. Pero paga un precio muy caro por ser el ícono de nuestra época: no es una persona sino una imagen. En realidad, ni siquiera es una imagen fija, sino un vértigo tornasolado: en cada aparición nos hace creer que ya la conocemos y que es, a la vez, un mensaje que nos envía el futuro.
LUIS CAZES, PRODUCTOR INDEPENDIENTE DE CINE, VISITO A OSCAR MARTINEZ
ESTUDIANTES POCO GLOBALIZADOS
Un nuevo informe sobre los extranjeros que estudian en las universidades estadounidenses sugiere que la brecha entre los países en vías de desarrollo está aumentando: mientras las naciones asiáticas envían cada vez más estudiantes a algunas de las mejores universidades del mundo, los países latinoamericanos se quedan cada vez más atrás.
Confirmando una tendencia que podría tener repercusiones políticas y económicas en las próximas décadas, China y la India envían el doble de estudiantes a las universidades estadounidenses que todos los países sudamericanos juntos, según el informe del Instituto de Educación Internacional (IEI).
Lo que es aún más llamativo es que Corea del Sur envía cinco veces más estudiantes a las universidades estadounidenses que México. Y Vietnam, país gobernado por el Partido Comunista, con una población que no llega a la mitad de la de Brasil, manda más del doble de estudiantes a las universidades estadounidenses que Brasil.
He aquí algunos de los datos incluidos en el informe:
En total, el número de estudiantes internacionales en las universidades de Estados Unidos creció un 8% este año, para alcanzar la cifra récord de 671.616 estudiantes.
Los países que envían más estudiantes son la India, con 103.000 estudiantes (un 9% más que el año pasado); China, con 98.000 estudiantes (un 21% más que el año pasado), y Corea del Sur, con 75.000 estudiantes (9% más).
En comparación, el número de estudiantes de México fue de 15.000, lo mismo del año pasado; el de Brasil, 8700 (un 16% más que el año pasado); el de Colombia, 7000 (un 5% más); el de Venezuela, 4600 (un 5% más); el de la Argentina 2400 (una disminución del 6%) y el de Chile 2000 (un 16% más).
El número total de estudiantes de todos los países asiáticos creció en más de un 9%, mientras que el número total de estudiantes latinoamericanos aumentó un 5%. El número de estudiantes europeos se amplió en un 4,5%.
Al frente del ranking
¿Por qué son importantes estas cifras? Porque cualquiera que fuere nuestra opinión sobre el futuro de Estados Unidos como superpotencia, los dos rankings más importantes sobre las mejores universidades del mundo -el del Suplemento de Educación Superior de The Times , de Londres, y el de la Universidad Jiai Tong de Shanghai- coinciden en que las universidades estadounidenses siguen siendo mejores que las del resto del mundo.
El ranking de 2009 de la Universidad de Shanghai está encabezado por Harvard y 8 de los 10 primeros puestos están ocupados por instituciones estadounidenses.
Independientemente de la rapidez con que la economía estadounidense emerja de la actual recesión, pocos expertos dudan de que la globalización educativa ayuda a los países. Los extranjeros que estudien en las mejores universidades del mundo -ya sean de Estados Unidos o de Europa- adquirirán conocimientos y contactos internacionales que permitirán a sus países insertarse mucho mejor en el mundo.
"Particularmente en China, pero también en otras partes de Asia, los estudiantes consideran que la educación estadounidense les da conocimientos y credenciales que les serán de gran utilidad en sus carreras", dijo Peggy Blumenthal, del IEI. "Este fenómeno no parece darse en la misma medida en América latina."
Además, a diferencia de los latinoamericanos, casi todos los estudiantes asiáticos en las universidades estadounidenses cursan carreras de posgrado en ciencia y tecnología, según me dijo Blumenthal.
Mi opinión: las últimas cifras deberían preocupar a los gobiernos latinoamericanos. Los países asiáticos no sólo envían cada vez más estudiantes a Estados Unidos, sino que también invitan a más universidades estadounidenses, europeas y australianas a establecerse en sus propios territorios.
Mientras China tiene más de 170 universidades extranjeras autorizadas a otorgar diplomas en el país y la India, 61, muchos países latinoamericanos prohíben a instituciones extranjeras dar diplomas y limitan sus contactos con ellas a intercambios estudiantiles.
La internacionalización de la educación debería ser una política de Estado para todos los países, incluso para Estados Unidos, que se beneficiaría mucho con tener más universidades extranjeras. Si los países no envían estudiantes a universidades extranjeras, deberían tratar de que más universidades extranjeras vengan a ellos.
LA NACION - ANDRES OPPENHEIMER
EL SENTIDO DE LA VIDA-MUESTRA EN EL MUSEO LOPEZ CLARO.
Isabel Baranelli, Vanesa Carli, luz de ciudad, Isabel Molinas
ARTE ACTUAL -Escribe M.Inés Destéfano
Intento escribir un breve texto acerca del arte en la actualidad santafesina.
Practicamente no existen asociaciones de artistas en Santa Fe, me refiero a grandes asociaciones que defiendan los derechos de los artistas y donde se pueda dialogar en torno a la pràctica del arte. Existen una pequeña organizaciòn denominada Asociaciòn de Artistas Plàsticos Santafesinos, que cuenta con un bello espacio adquirido por la Instituciòn y con Salones para artistas que en la actualidad son abiertos, tambièn hay pequeños grupos independientes, los ahora de moda grupos colectivos y grupos de gestiòn cultural. Los egresados de la Escuela Provincial de Artes Visuales Profesor Juan Mantovani, no estàn organizados en Asociaciòn Profesional alguna mas que la Asociaciòn del Magisterio de Santa Fe en caso que se dediquen a la docencia.
Las pràcticas artìsticas en la mayorìa de los casos se realizan en la soledad de los talleres particulares, en otros casos a partir de acciones pùblicas conjuntas. Los egresados de la Escuela Provincial se eternizan en la Instituciòn educativa al carecer de talleres particulares para trabajar, retornando a la misma para hacer cursos extracurriculares y asì trabajar en grupos dirigidos por algùn artista de turno.
Las producciones artìsticas se exponen en àmbitos pùblicos y privados que en la mayorìa de los casos el artista debe gestionar. Los productos de arte se venden en espacios pùblicos generalmente a bajo precio, y en espacios privados a valor real pero debiendo el artista soportar las erogaciones de alquiler de sala, impresiòn de catàlogos y vernissage.
Estudiar, producir y mostrar arte se torna caro, y no estàn establecidos los canales de distribuciòn de los productos, con esto se concluye que esta pràctica constituye actividad de mujeres casadas con hombres pudientes, jubiladas y jubilados, jòvenes solventados por sus padres, y en ùltima instancia los docentes de artes visuales en espacios particulares y en la Escuela de Artes Visuales, hacer arte no es un trabajo redituable, constituye una actividad catàrtica en la mayorìa de los casos, no comprometida con las implicancias y la funciòn del arte contemporàneo.
Entrar a los salones locales es fàcil, pareciera que se cumple el lema contemporàneo de apertura y espacio para todas las voces, no es tan fàcil entrar al Salòn Nacional de Santa Fe para un artista local, y es imposible el ingreso a otros Salones Nacionales, en donde la competencia es muy grande, y artistas menos pudientes tienen que competir con otros que invierten mas en su producciòn, estos salones son cerrados para las voces locales. Pràcticamente no hay crìtica en la ciudad y la que existe no siempre alienta a los artistas, no tenemos facultades que formen crìticos. El artista egresado de las Escuelas sabe que deberà compartir lo que hay con sus colegas por cuestiones èticas, pero hay muchos autodidactas que tienen en mira el ingreso a la competencia arrolladora que se logra sometièndose a la acciòn de los jurados y los crìticos de arte.
La Instituciòn arte està conformada por Museos: Museo de Arte Contemporàneo de la Universidad Nacional del Litoral, Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodrìguez y Museo Municipal de Artes Visuales Sor Josefa Dìaz y Clucellas, Escuela Provincial de Artes Visuales Profesor Juan Mantovani y Liceo Municipal Antonio Fuentes del Arco, Salas Privadas y Galerìas de Arte Privadas, Crìtica en los Medios Masivos, Investigadores en Arte Contemporàneo, Jurados de Salones y Bienales y lo mas importante que es por quienes existe la Instituciòn Arte: los Artistas y sus producciones.
Un apartado especial merecen los grupos de gestiòn cultural, a travèz de la presentaciòn de proyectos obtienen becas y subsidios del estado, y luego invitan a los artistas a participar de sus proyectos, esto demanda trabajo y dinero en proyectos que no son propios, y esa inversiòn no es recompensada mas que con simples menciones en los diarios o en la red acerca del trabajo realizado; lo mismo pasa cuando los organismos estatales invitan a los artistas a participar en sus proyectos, el participante no persibe remuneraciòn alguna por su trabajo y ni siquiera la inversiòn en materiales empleados es reintegrada, la obra en general vuelve al artista quien encuentra el problema de no saber dònde ubicar tantas producciones plàsticas fabricadas en su vida. En ocaciones se abren casas de artistas, sobre todo la de los de mayor trayectoria, donde se exponen todas las producciones del autor y en algunos casos se imparten talleres ocacionales para vecinos interesados, volviendose asì a concluir que el artista vive de la docencia, oficial o particular.
La fabricaciòn de objetos de arte es cara, y preparar estos objetos para ser mostrados publicamente es igualmente onerosa. Los niños artistas son fàcilmente detectables por sus maestros, pero cuesta mucho formarlos, cuesta dècadas, es inevitable dejar de reconocer que en el ambiente hay muchos que no tienen el don de ser artistas desde niños, y han encontrado un estilo de vida acercàndose a los cìrculos del arte.
El pùblico en general no concurre a las muestras de arte y a los museos, en estos ambientes siempre se ven las mismas caras, el ciudadano medio no entiende que es el arte, y prefiere otro tipo de objetos para rodearse en su vida mas ìntima, no estàn formados los estilos de vida a partir de la formaciòn estètica, los bienes de consumo masivo como electrònicos u objetos kitsch son preferidos a los bienes de estilo mas refinado.
Los estilos de vida se encuentran contaminados por este tipo de objetos (electrònicos, kitsch), incluso entre los mismos artistas, cuando se rescatan objetos del pasado la gente en general incluyendo los artistas prefieren reciclar y no restaurar, la chatarra se axhibe como arte y los materiales propios del arte incluso los mas nobles como el barro y la arcilla son despreciados.
Las instituciones educativas sabemos que sufren un estado de abandono extremo, de esto no escapa la escuela de artes, en donde los talleres estàn desprovistos hasta de lo mas mìnimo como por ejemplo mesas y sillas, trabajamos con mesas rotas o improvisadas con tablones, los dirigentes ante el abandono y la ignorancia de la verdadera situaciòn que atravesamos los artistas, toman actitudes de rescate inadecuadas, como por ejemplo poner puertas de vidrio en las arcadas de acceso a las galerìas de un edificio de fines de siglo diecinueve que necesita restaurarse, limpiarse de cachibaches y chatarra, equiparse con solo pocos muebles dignos, espaciarse, protegerse.
Despuès del año 2001 los docentes artistas son molestados permamentemente con correspondencia ofreciendo salas, proyectos colaborativos, proyectos de autogestiòn, salones, concursos, cursos de perfeccionamiento, cursos de especializaciòn, Licenciaturas y postìtulos, si el artista participa debe invertir tiempo y trabajo, o tiempo y estudio, y debe pagar. En las instituciones educativas no siempre se respeta la trayectoria del docente artista, en donde encontramos casos en los que se han llegado a niveles altos de erudicciòn que no son aprovechados, y aùn peor, que son desconocidos al punto que los profesionales terminan haciendose cargo de la limpieza de los salones, o del servicio de refrigerio en los cursos, o del servicio de cadeterìa, ademàs de desempeñar las tareas pedagògicas pertinentes.
ARTE EN BONDI
En el marco de la Trienal de Chile, el artista argentino Cristian Segura exhibe una selección de sus obras audiovisuales en los circuitos cerrados de televisión de ómnibus públicos de media y larga distancia de Chile, durante el viaje entre ciudades.
Se trata de un proyecto artístico dinámico y descentrado, que se desplaza por todo el país en un ámbito de exhibición no convencional, reflexionando sobre los museos y los límites institucionales del arte.
En limpio: videoarte en bondis, videoarte que se desplaza por carreteras.
El proyecto comenzó el 13 de octubre con la empresa Pullman Carmelita, en sus viajes diarios Santiago – Iquique / Iquique – Santiago, mas sus paradas intermedias en Tocopilla, Antofagasta, Chañaral, Copiapo, La Serena, Coquimbo, Ovalle, Los Vilos, La ligua y La Calera.
Próximamente se sumarán otras empresas y otros destinos y la experiencia durará hasta el 5 de diciembre.
De esto vienen los videos que se pueden apreciar en los buses:
Video 1
Colección Mercedes Santamaria.
4,22 minutos. 2009.
¿Qué mira y qué comenta el público de un museo cuando está frente a un cuadro? Este video lo revela mediante una cámara escondida sobre un paisaje del pintor Jean Baptiste Camille Corot, perteneciente a la Colección Mercedes Santamarina del Museo de Bellas Artes de Tandil, Argentina.
Video 2
Patinar en el MACBA, Museu d´ Art Contemporani de Barcelona.
2,55 minutos. 2008.
Skating en Barcelona
La arquitectura contemporánea suele incluir espacios que no poseen una utilidad específica. Los skaters se han apropiado de uno de esos espacios en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Pero la policía debe hacer cumplir la ordenanza que dispone “fomentar y garantizar la convivencia ciudadana en el espacio público de Barcelona”. Así, el museo se transforma en un ámbito de conflicto.
Video 3
Corro en el Museo.
0,42 minutos. 2007.
Utilizando el recurso de la cámara en mano, el artista Cristian Segura realiza una rápida visita al Museo de Bellas Artes de Tandil, Argentina, a la manera de un acto vandálico. La serenidad y la actitud contemplativa asociadas habitualmente con el museo se transforman aquí en lo contrario: velocidad y confusión.
Video 4
Restitución Temporal.
2 minutos. 2006.
En 2005, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires vendió tres pinturas y una escultura pertenecientes a su colección, para pagar 2.4 millones de dólares de impuestos por la importación de las obras de su patrimonio. Entre ellas, L’ Eau (1939), del chileno Roberto Matta. Aquí, el artista Cristian Segura la restituye fugazmente, utilizando una camiseta impresa con la obra ausente comprada en la tienda del museo.
Civilizacion & barbarie-weblogs clarin
LITERATURA: ORHAN PAMUK HABLO DE BORGES
ARTE POR EL CAMBIO CLIMATICO
Días pasados fue el Blog action day, el día en que los bloggers de todo el mundo que lo decidan, nos unimos para hablar sobre un tema en común.
Este año la consigna es alertar sobre los efectos del cambio climático.
Hace dos semanas Spencer Tunick, conocido fotógrafo que desnuda masas en espacios públicos, sumó su grano de arena al asunto al realizar una intervención con más de 700 personas en unos viñedos en la zona francesa de la Borgoña a pedido de Greenpeace.
El objetivo de las personas que posaron y del célebre fotógrafo fue llamar la atención de la opinión pública y de los dirigentes políticos ante este fenómeno de cara a la cumbre mundial del Clima que se celebrará en diciembre en Copenhague.
“Si no actuamos aquí y ahora, el hombre y el conjunto de su patrimonio cultural están condenados”, alertó el director general de Greenpeace en Francia, Pascal Husting.
El artista estadounidense, por su parte, alertó que además de los viñedos franceses, el cambio climático amenaza la agricultura y la naturaleza de todo el mundo.
Greenpeace instó a los líderes mundiales a que alcancen un acuerdo “ambicioso” en la cumbre de Copenhague, donde espera que los países industrializados se comprometan a reducir las emisiones de gases contaminantes en, al menos un 40 por ciento, de aquí al año 2020.
Otros años y otros artistas, llamaron la atención sobre este fenómeno en distintas muestras. Así sucedió en 2008 en Barcelona con la muestra El ambiente siempre está en el medio y con la muestra on line New climates.
Y aquí leé lo que los combloggers de Civilización&Barbarie proponen para la discusión sobre el cambio climático.
NUEVA MUESTRA DE CALI ESQUIVEL EN FUNDACION CENTRO ROSARIO
TODOS SOMOS SNOBS
Todos somos esnobs aunque no lo sepamos. El pequeño vicio argentino y universal por la novedad a ultranza, por pertenecer a círculos exclusivos y dejar afuera a los otros, analizado en un ensayo que repasa la historia de este rasgo profundamente humano y sus imprevisibles consecuencias culturales
El esnobismo, como la condición mafiosa, está inscrito en el genoma de los hombres, corre por nuestras venas como la necesidad de ensoñación. Sin embargo, muy pocos se atreven a reconocer que son militantes de esa causa, que a ella sacrifican tranquilidad, placeres, sentimientos, dinero y tiempo, sobre todo tiempo. Los que se callan saben que, de abrir la boca, se los acusaría de frívolos, estúpidos, pretenciosos, cursis (ésa sería la afrenta irredimible). Sin embargo, una buen parte de nuestras costumbres, de los objetos, la ropa, los muebles que nos rodean y muchas de las creaciones más perdurables del arte y la literatura, en particular desde el siglo XIX hasta hoy, se impusieron por el esfuerzo de esos hombres y mujeres dispuestos a todo para distinguirse de los demás, impulsados por la necesidad de integrar una elite. Nada los arredra, ni el ridículo ni el aburrimiento. Sólo temen ser como todo el mundo, quedarse atrás, confundirse con la masa y no poder ingresar en el santuario de los elegidos, el de los nobles por la sangre y el espíritu. Para ellos, no hay nada más terrible que no estar al tanto de la última tendencia, del último movimiento artístico o intelectual. Siempre deben colocarse un paso más allá que el resto, aunque extravíen el camino y corran el riesgo de equivocarse. Jamás admitirán que una innovación, por abstrusa y absurda que parezca, supera lo que pueden entender. Ellos todo lo comprenden, sobre todo si es incomprensible. No importa cuanto tengan que fingir. A menudo, ciegos, sordos y desprovistos de razón, sólo pueden confiar en el lazarillo que los guía, el heraldo de la novedad, al que se entregan por una convicción en apariencia sin fundamento. Sin embargo, las cosas no son tan simples. A veces, los protege un instinto especial. Pueden cometer errores, seguir por un camino sin salida, pero con frecuencia aciertan. Algo les dice que eso que están mirando o escuchando tiene valor. A ellos les corresponde el mérito del descubrimiento, pero también las penurias, el sopor y los peligros de los pioneros. Algunos mueren sin haber llegado a la tierra prometida, devotos de un espejismo. Nunca tienen la convicción de "pertenecer".
Frédéric Rouvillois en Historia del esnobismo (que en estos días llega a las librerías editado por Claridad) define con precisión su objeto de estudio:
El esnobismo no es simplemente la actitud que consiste en querer parecerse, por su nombre o su apariencia, sus gustos, sus opiniones o sus comportamientos, a los miembros de un grupo que se juzga superior. Es también, subsidiariamente, el hecho de permitirse despreciar a todos aquellos que no pertenecen al clan y que, por lo tanto, se pueden considerar gente común, retrasados, inferiores.
Antes de que la palabra esnob ( snob ) se difundiera en el siglo XIX, la conducta calificada de tal existía a la manera de una pasión que no osa decir su nombre. Los esnobs existieron en todas las épocas. Se los encuentra, por ejemplo, en la literatura clásica, en el Satiricón de Petronio. Pero también mucho antes y mucho después. ¿Acaso Monsieur Jourdain, el protagonista de El burgués gentilhombre , y las afectadas mujeres de Las preciosas ridículas , de Molière, en pleno siglo XVII, no estaban aquejados de esa ingrata, insalubre aspiración hacia todo lo alto e incomprensible? La etimología de snob se ha prestado a muchos debates. La versión más difundida, según Rouvillois, la hace remontar a la abreviación del latín sine nobilitas (sin nobleza), aplicada a los alumnos de los grandes colegios británicos que no formaban parte de la aristocracia. Figurar como sine nobilitas en un registro, al lado de duques, condes y marqueses (tan luego en Inglaterra, la tierra donde se humilla socialmente con más ahínco) debía de ser una marca de escarnio que impulsaría a cualquier sacrificio con tal de que ese hecho bochornoso no se notara. La mímesis, aunque imperfecta y angustiosa, era la única salida. William M. Thackeray popularizó el término en una serie de artículos, reunidos más tarde en Historia de los esnobs de Inglaterra , por el título de uno de ellos (1848), obra que terminaría por titularse El libro de los esnobs . Ocurrió lo que siempre pasa cuando alguien pone un nombre a algo, imaginario o real, que no lo tenía: uno comprende que está rodeado de esa entidad, inmerso en ella, más aún, que la cobija en la intimidad de la conciencia. Así todo el mundo descubrió que era esnob, aun los que lo negaban en público y acusaban de esa perversión vergonzosa a los demás, aun los que ni siquiera se atrevían a confesarse esa frivolidad en sus cuartos de puritanos.
Rouvillois divide las aguas. Hay dos tipos de esnobismo: el mundano, que consiste en querer asimilarse a la alta sociedad, el gran mundo, la café society o el jet set , según las épocas; y el intelectual o de la moda, el de quien busca estar siempre en la vanguardia, al tanto de la última tendencia. Por supuesto, las dos clases se superponen con frecuencia, por una simple razón: el alma esnob no tolera ser excluida de un círculo cerrado, sea el que fuere, pero una vez que se le abrieron las puertas de ese paraíso reservado para pocos, los happy few , adora cerrárselas en las narices al resto de la humanidad.
Las leyes que gobiernan el esnobismo apenas si cambian de acuerdo con los períodos históricos y con la geografía. Por ejemplo, Rouvillois se detiene en el prestigio y el aura de mágica irrealidad que tienen los títulos de nobleza para los esnobs de cualquier procedencia: americanos, asiáticos o africanos. En América esos títulos no existen (lo que los hace aún más atractivos para pueblos republicanos cuyas primeras lecturas fueron cuentos de hadas con bellas princesas dormidas y sapos que se convierten por la fuerza de un beso en apuestos caballeros) pero existe la aristocracia de las antiguas familias patricias: los grandes nombres (preferentemente sostenidos por una fortuna considerable, verdadero origen de supremacía) reemplazan las dinastías principescas. Vanderbilt, Morgan, Whitney, Phelps Stokes, Rockefeller, Cabot, Lodge ("En Boston, los Cabot sólo saludan a los Lodge; y los Lodge, a Dios", dice un refrán), todas esas estirpes irradian respeto, poder y dejan entrever el vasto horizonte de la riqueza ilimitada. Rouvillois cita con frecuencia a Philippe Jullian y su Dictionnaire du snobisme (la primera edición es de 1958), obra de una gracia irresistible a pesar de sus numerosos errores, pero por momentos de una hiriente exactitud. Algunas de esas citas se refieren a la Argentina. Jullian la incluye en su limitada y exigente lista de países esnob. Señala como característica propia del esnobismo local "la pasión por los apellidos" y menciona, entre otros: Anchorena, Pereira y Raola ( sic por Pereyra Iraola) y Penard y Fernandez (sin acento). Se refiere también a la inclinación por las estancias (equivalentes de los castillos europeos, pero más productivos) y a la idolatría que la high local tiene por los toros, sobre los que se basan las grandes fortunas. Explica que las madres de las señoritas de sociedad llevan a sus hijas a la Exposición de la Rural que se desarrolla todos los años para que allí conozcan a los hijos de los grandes propietarios. Los amores de los herederos comienzan entre peones de campo, parvas y olores campestres, no siempre románticos, con mugidos y balidos como música de fondo. Advierte que no se desdeñan los grandes nombres de origen judío, pero se equivoca cuando da como ejemplos a Bemberg, Bunge y Bullrich. Ninguna de esas familias es israelita. La fortuna de los Bemberg entre las décadas de 1930 y 1950 era un motivo de fascinación para la haute europea, particularmente francesa, y la expropiación que Perón infligió al clan argentino lo rodeó de un aura casi mítica, semejante a la de los aristócratas guillotinados por el Terror. Eran las víctimas más encumbradas del populismo.
Muchos esnobs en los países europeos y en los americanos de origen latino no vacilaron en anteponer a sus apellidos la partícula "de", en un intento desesperado de pasarse a la nobleza. El "de" (con minúscula) indicaría el lazo entre el señor feudal y su territorio. De allí, su importancia. Pero ese "de", a veces, sólo significaba la procedencia geográfica de un pobre individuo del Tercer Estado. Rouvillois y Jullian denuncian las trampas de la partícula "de", una atribución de sangre azul fundada sobre todo en la ignorancia y en la mala fe. Por cierto, hay "de" aristocráticos, pero se trata de algunos grandes nombres, no siempre los más destacados. Son demasiadas las excepciones a la regla de la partícula, para poder guiarse por ella. Hoy, por lo tanto, muchas cejas informadas de expertos en genealogía se alzan en forma de acento circunflejo, insolente y desdeñoso, cada vez que escuchan un "de" antes del nombre propio. Se guían por otra regla, también imperfecta: los nobles de antigua data no tienen o no usan el "de".
El dinero facilita mucho las cosas. Los títulos de nobleza se podían comprar hasta una época relativamente reciente con cierta eficacia, los nobles arruinados recurrían a ese expediente por medio de diferentes estratagemas; una de ellas era adoptar al hijo de una familia burguesa y opulenta. Los padres plebeyos tocaban las nubes de felicidad cuando el vástago renegaba de ellos: sabían que, una vez dignificado, los adoptaría, a su vez, y todos habrían de vivir en el futuro elevados sobre el resto de los mortales. Por lo común, esos nombres en venta no eran muy distinguidos y sólo conferían un prestigio dudoso. En cambio, la caridad en gran escala podía asegurar de un día para otro un origen nobiliario sin sombras, pero también sin pasado, cuando la gloria de un emblema heráldico derivaba directamente de Dios. Donaciones tan cuantiosas como pías lograban que el papa premiara el espíritu solidario de damas y caballeros con títulos pontificios que, a pesar de más frescos que los del Primer y Segundo Imperio napoleónicos, transmitían el brillo irreprochable de la divinidad. En estos casos, no se trataba de comprar sino de dar, claro que el dinero estaba siempre en medio del asunto. En la Argentina, fueron marquesas pontificias Mercedes Castellanos de Anchorena, María Adela Harilaos de Olmos y María Unzué de Alvear. Tras ese botín, María Eva Duarte de Perón en su gira europea se entrevistó con Pío XII, pero en vez de salir ennoblecida, lavada de pecados, de la audiencia papal, se llevó como único premio un modesto rosario bendecido. Quizá el pontífice haya pensado con una lógica justa e implacable que era la recompensa adecuada para quien se definía como "la mujer más humilde de su pueblo". Así, quizá sin quererlo, la transformó en la "abanderada" de los desposeídos.
El método más expeditivo para hacerse de un nombre envidiable siempre fue el casamiento. Los millonarios americanos y los aristócratas europeos, sobre todo en el siglo XIX y principios del XX, se prestaron a esas prácticas con brío. Anna Gould, heredera de los ferrocarriles estadounidenses, tan rica y velluda como fea, se casó con el conde "Boni" de Castellane, famoso por su apostura (cometió la hazaña impensable de arruinar en pocos años a su esposa). Margaret Strong Rockefeller contrajo matrimonio, como quien contrae una fiebre, con el marqués de Cuevas, director de la célebre compañía Gran Ballet del Marqués de Cuevas, descendiente de una familia chilena venida a menos, dotado de un desparpajo y un charme alocado que conquistaron a la nieta de John D. Rockefeller. El matrimonio, contra toda previsión, dio como frutos una hija y un hijo. Éstos, por su parte, se casaron con plebeyos, lo que le hizo decir al desolado marqués: "Toda una vida de esnobismo para esto..."
En la Argentina, los ejemplos de esas uniones doradas abundan. Citemos sólo algunos: Matilde Martínez de Hoz se convirtió en la princesa Kinsky; Mercedes Dose y Obligado, en la princesa Dietrichstein; Josefina de Atucha Llavallol, en la condesa de Jaucourt; su hermana, María Adelaida, en la condesa Cuevas de Vera.
Siempre hubo un puente tendido entre el esnobismo mundano, basado en los privilegios de la sangre, y el del espíritu. Con perseverancia, la elite social les abrió las puertas a los intelectuales, a los artistas y a los religiosos que supieran comportarse. También la gente aristocrática, rica y poderosa piensa, necesita purificar su alma y entretenerse: es lo que decía el abate Mugnier (1853-1944), un sacerdote francés que consagró su vida a escuchar las confesiones de las duquesas y de los escritores dispuestos a redimirse de sus excesos literarios, amorosos y alcohólicos. Las curas de desintoxicación, las infidelidades tenían como lógico desenlace un encuentro absolutorio con el abate, un hombre que luchó, sentado a la mesa de castillos y hôtels particuliers de la isla San Luis, contra la discriminación a la que era sometida la alta sociedad, abandonada por los otros curas que sólo prestaban atención a los menesterosos. Es casi superfluo decir que Proust era amigo de Mugnier, aunque no se entregó con él a desahogos religiosos. Más bien intercambiaban comentarios acerca de dinastías y reflexiones sobre las almas acongojadas y, a menudo, arrogantes del faubourg Saint-Germain.
Rouvillois menciona en su libro la atracción que ejercieron los cursos de filosofía de Henri Bergson, primo de Proust, sobre las damas de la alta sociedad. Marquesas, condesas y millonarias de todo origen se daban cita en las clases del pensador y hablaban de la durée (no la sala de té de la Place de la Madeleine, famosa por los macarons , sino la "duración", concepto principal de su filosofía). Bergson se vio forzado a declarar que sus conferencias no eran de divulgación. Se sintió alarmado por ese batallón de señoras vestidas chez Worth, Paquin y Doucet, que desplazaban a los discípulos universitarios de los bancos y entorpecían la visión con sus sombreros de Reboux. Fue inútil: cuanto más abstrusas eran sus exposiciones, más numerosas, aristocráticas y ricas eran sus oyentes. Entre ellas, se encontraba la jovencísima Victoria Ocampo, a la que Philippe Jullian señala como la representante en Latinoamérica del esnobismo intelectual a la francesa. En sus cartas, Victoria habla de esos cursos. La "crema", el "gratin", como también se llamaba a la high ( high society ), había descubierto el hechizo de lo auténtico, había comprendido que toda innovación, que todo avance en el calvario del descubrimiento de sí mismo y del espíritu, viene acompañado, como por un sello de origen, de una cuota de aburrimiento y desconcierto. No entender es el primer paso para entender. Hablar sin saber lo que se dice es el primer paso para saber. ¿Acaso los chicos no aprenden a expresarse de ese modo, a tientas? Una vez asimilado el principio luminoso, todas esas señoras se precipitaron a estudiar la teoría de la relatividad y sus descendientes en épocas cercanas compran todo lo que publica Stephen Hawkins, sin comprender ni las comas. Después de esa frecuentación, la relatividad se hizo, de un modo paradójico, absoluta: tambalearon no sólo las leyes newtonianas, sino también las creencias religiosas, la importancia del adulterio (el que esas damas cometían más que el infligido por sus maridos) y hasta la idea misma de pecado. La condesa de Noailles, célebre y bella poeta amiga de Proust y más tarde de Victoria Ocampo, tras haber escuchado hablar de la resistencia de los materiales a un físico de la Academia, recibía a sus invitados con la pregunta: "¿Usted sabe que hasta el hierro se cansa?"
La vanguardia artística del siglo XX floreció bajo la protección de la elite social, que no quería perderse la última novedad de los bohemios, de los arrrrtistes ( sic ) que producían pintura, música, poesía y novelas en profusión, mientras se emborrachaban, se drogaban o se acostaban los unos sobre los otros, con el ritmo frenético de una proyección de cine mudo.
El esnob necesita el cosmopolitismo como el oxígeno. Ninguna reunión tiene nivel si no hay invitados de distintos países que hablan distintas lenguas, que pasan de la una a la otra como de la langosta al faisán. En ese sentido, la globalización es un bálsamo. Rouvillois señala que el uso de palabras inglesas (habría que agregar las francesas para quienes no son franceses como él), mechadas en una conversación mantenida en otro idioma, son un síntoma de esnobismo. Eso era cierto hasta hace unos diez o quince años. Hoy el esnob de última generación jamás haría algo así. Más bien no intercala ninguna expresión extranjera en el idioma del país donde se halla. Debe dominar, por lo menos, cuatro idiomas extranjeros, y el inglés no agrega nada: es lo básico, no cuenta a la hora de los méritos. Si no se sabe inglés, a uno sólo lo espera el extremo de la mesa a la hora de la comida, el purgatorio donde, a veces, los camareros se olvidan de servir porque saben que es el lugar reservado a los invitados de relleno. Eso sí, en caso de una reunión con asiáticos, por ejemplo chinos, todos deben hablar inglés y nadie debe expresarse en otra lengua.
Según Rouvillois, el esnob no le presta mucha atención al dinero porque lo impulsa una necesidad poética. Philippe Jullian opina todo lo contrario. Inútil decir que éste tiene razón, ¿quién puede negar que el dinero, como el sexo, es una fuente inagotable de fantasías y de exclusión, ingredientes esenciales del esnobismo? Basta ver, de lejos, a un Rothschild en un hotel; no digamos darle la mano a un Rockefeller, para que casi cualquier burgués con aspiraciones caiga en un estado de ensoñación y ansiedad. Bloch, uno de los personajes esnobs de En busca del tiempo perdido de Proust, es presentado en una reunión a una vieja señora a la que no le presta atención porque no oye con nitidez el nombre que le mencionan, hasta que, de pronto, se entera demasiado tarde de que ese dama desdeñada era la esposa del barón de Rothschild y, por una vez, se le escapa una frase que es una confesión de dolor: "Si hubiera sabido...".
En Italia, hay una sola familia a la que no le interesa ostentar título de nobleza: los Agnelli. Muchos de los miembros de esa dinastía industrial están casados con aristócratas, pero éstos seguramente preferirían perder sus blasones, pero no el vínculo que los une al apellido que se han ganado por matrimonio. Los Agnelli son la casa reinante de Italia. Gianni, el "Avvocato", como se lo conocía en todo el mundo, el más famoso del clan, estuvo casado con la princesa Marella Caracciolo, uno de los cisnes de Truman Capote. No muchos esnobs recuerdan que ella había nacido Caracciolo, entre otras cosas porque jamás volvió a usar ese apellido una vez que salió de la iglesia donde se celebró el enlace con Gianni. Se la conoce como Marella Agnelli, la mujer del cuello interminable. "Tiene dos vértebras más que el resto de los humanos", decían sus amigas y sus enemigas.
Para todo esnob, el deporte es hoy un problema grave por su popularidad. La equitación con caballos propios está muy bien vista. Pero ahora cualquier centro civilizado tiene campos municipales donde se la practica con animales de alquiler. Y algo parecido ocurre con el golf. Hay jinetes que montan muy bien y golfistas excelentes, que se entregan a esas prácticas simplemente porque les gusta, sin que por sus cabezas pase la menor intención de ascenso social. El caso del tenis es aún más complejo. Lo que le importa a un esnob es que lo vean y con quién lo ven. Hasta la década de 1950 el tenis era muy chic. Red de por medio, uno se enamoraba de una mujer o de un hombre con título de nobleza o con apellidos de esos que, como decía Mujica Lainez, suenan como música de Bach. Pero ya nadie va a una cancha para conocer a Adolfo Bioy Casares, no sólo porque murió, sino porque lo que importa en un court es ganar millones de dólares, es decir, salvarse del Apocalipsis con una raqueta.
Lo único que aún resiste es el polo. Y, una vez más, se advierte la importancia del dinero en el esnobismo. En la mayoría de los casos, jugar polo significa tener una fortuna considerable. A los esnobs sin medios, sólo les cabe asistir a un partido como público y codearse allí con los que, de verdad, "pertenecen". Por la calidad excepcional de los jugadores, el polo es el pase libre de los argentinos en la elite social. Casarse con un polista es casi como hacerlo con un noble: abre muchas puertas. Pero hasta ese último refugio ha sido invadido. Sultanes y jeques contratan a los campeones nacionales para que éstos les enseñen y las agencias de publicidad los exhiben como modelos, de modo que en las finales de los campeonatos aparece fatalmente una concurrencia mezclada. En ese sentido, como señala Rouvillois, la única defensa del esnob recalcitrante es la práctica de cualquier deporte -natación, box, tiro- pero en un club cerrado, muy exclusivo, con el ingreso de socios limitado por un comité que rechaza a los indeseables por medio de una bolilla negra en una sesión de voto secreto. Entonces uno no sólo dice que nada crawl , sobre todo dice dónde nada. No importa que se tenga piscina en casa. Además, hay que ir a un club, ese club. El esnob habla y piensa en bastardilla.
La comida tampoco escapa de la cosmovisión esnob. La trufa ha sido siempre el ingrediente más caro, el diamante que corona toda comida como se debe. En cambio, el caviar ha sido valorado sólo recientemente. En el siglo XIX, era más bien desdeñado. Se lo consideraba tan modesto como el arenque. Dos hechos muy distintos alteraron su destino. La revolución rusa obligó a la nobleza de San Petersburgo y moscovita a exiliarse, además cortó el suministro de esas pequeñas perlas negras al resto de Europa. Los príncipes y archiduques que habían podido emigrar con fondos aumentaron la demanda del producto; para ellos era algo así como la magdalena de Proust: un viático que les permitía recuperar el pasado esplendor gracias a la memoria del gusto. La cotización subió. A los hechos políticos, se sumó la moda de los Ballets Russes de Diaghilev. Las mujeres empezaron a vestirse con toques de estilo eslavo y oriental, impulsadas por Paul Poiret; se entregaban a sus amantes en almohadones tan mullidos y voluminosos como los que Bakst había diseminado en el ballet Scheherezade para que la bailarina Ida Rubinstein sucumbiera a los embates de su esclavo semidesnudo. Los saltos de Vaslav Nijinsky en escena desencadenaban espasmos en los cuerpos frágiles y sensibles de las espectadoras. Corrió el rumor de que el fauno llegado de las estepas se alimentaba de las huevas hasta entonces relegadas. Cuanto más alto saltaba el protegido de Serge (Diaghilev), más subía el caviar.
Rouvillois menciona la moda de la comida molecular como la última locura esnob. Esa excentricidad tecnológica, obra del catalán Ferrán Adrià y difundida por el restaurante El Bulli, atrae a los esnobs adinerados, ávidos de novedad, sin que se den cuenta de que Adrià ha sido tapa de diarios y revistas, es decir, que ya pertenece a las masas. Más allá de ese caso extremo, convengamos que la high y lo que hoy se llama el público cool e ilustrado aprecian los platos literarios: todos los de Alejandro Dumas, Proust, el príncipe Tomasi di Lampedusa, así como las recetas de Alice B. Toklas, la compañera de Gertrude Stein, y las de Mapie de Toulouse Lautrec. Quizá la única dieta chic por excelencia y austeridad es la de la baronesa Karen Blixen (en literatura, Isak Dinesen): sólo comía ostras y espárragos, y bebía únicamente champagne. Cuando no había espárragos, subsistía con las ostras. De todos modos, a un esnob que no puede prescindir de los vegetales, fuera de la estación de los espárragos, le quedan las endibias, dignas como el vestidito negro de Chanel, y los corazones de alcauciles (jamás el alcaucil entero hervido al que se le chupan las hojas). El colmo de la elegancia es un chef que sepa preparar a la vez la cocina francesa clásica y los alcauciles a la judía. Para comerlos, el mejor restaurante del mundo es Piperno en el gueto de Roma.
Un esnob debe saber qué preparación comer en los establecimientos de moda y con qué vinos acompañar cada especialidad. Por ejemplo, los Mont Blancs, esas deliciosas esferas de puré de castañas, crema y merengue, hay que ordenarlos en Angelina (ex Rumpelmeyer), en la rue de Rivoli, donde iniciaron sus amores Victoria Ocampo y Pierre Drieu La Rochelle. Los manjares típicos de Hungría, en el restaurante Gundel, de Budapest; el cóctel Bellini, en el Harry´s Bar de Venecia. Pero todo eso es hoy algo archiconocido. Lo que haría cualquier hombre o mujer que lee revistas en una peluquería o que compra una guía turística bien hecha. Instruido por esos libritos, cualquier viajero lleva de regalo a su familia o amigos el foie gras trufado de Fauchon, los chocolates de Godiva, vinos toscanos o de Château Lafite Rothschild, todo lo que era respetable y que hoy se encuentra en las góndolas de los duty free de aeropuerto. No se puede luchar contra la masificación y contra Google: ése es el drama de todo esnob del siglo XXI. Con un clic, hasta un barra brava con prontuario tiene acceso a la información más exclusiva, suministrada on line por los delatores del gran mundo. Apenas se menciona un nombre secreto, ya está en los foros de la Web, trincheras del esnobismo informático.
La prensa ha colaborado en el cambio de los criterios mundanos. Le Figaro , Point de vue (magazine dedicado por entero a la realeza europea), Vogue (la versión estadounidense, la británica y la francesa), Tatler abren sus páginas a figuras cada vez más populares, reformulan sus reglas y levantan prohibiciones, con lo que todo el juego del esnobismo pierde su gracia. Casi cualquiera que sea rico y famoso tiene cabida en ellas. Revistas como El Hogar , Atlántida , París en América , donde las modelos publicitarias eran señoras de la sociedad argentina e internacional, han sido reemplazadas por Hola y sus adaptaciones locales, Gente y Caras . El esnobismo mundano argentino ha empezado desde hace mucho tiempo a confundirse con el culto a las celebridades, aunque se trate de un jugador de fútbol. Los odontólogos y cirujanos plásticos de estrellas y presidentes se convierten en invitados codiciables para una comida: han restaurado caninos y arrancado molares de los seres que iluminan o rigen nuestras vidas, les han inyectado bótox y colágeno en los labios para que nos arenguen mejor.
La literatura y el arte han sido siempre el terreno de encuentro de las elites. Rouvillois señala que el esnobismo artístico supone la existencia de obras juzgadas demasiado difíciles para un público amplio. Por eso, el clasicismo en pintura no atrae a los esnobs, salvo cuando hay una gran muestra; por ejemplo, Giraudet en el Louvre, Poussin en el Grand Palais, la pintura pompeyana en las Scuderie del Quirinale. La misión de los esnobs, semejantes a los mártires, es defender las vanguardias contra los retrógados, contra los paganos que no aprecian las nuevas religiones. ¿Qué habría sido de Picasso y de Dalí, del cubismo y del surrealismo, de Duchamp y de Warhol sin ellos? Las bienales de Venecia, con sus instalaciones cada vez más estrafalarias, les deben la razón de su existencia. Los coleccionistas de arte contemporáneo, los que compran desde un Rembrandt y un Monet hasta los tiburones de Daniel Hirst y las imágenes casi pornográficas de Jeff Koons, han invertido y ganado fortunas gracias al esfuerzo desinteresado de esas almas que sólo buscan respirar el aire enrarecido de la innovación. Del mismo modo se impuso Wagner a fines del siglo XIX, después de un rechazo no demasiado enfático. Hoy, a pesar de que las composiciones del autor de Parsifal sirven como música de fondo de teleteatros, films y, hace unos años, radionovelas, el peregrinaje a Bayreuth conserva prestigio simplemente porque no se consiguen entradas para los festivales. Los pedidos no son satisfechos hasta que pasan por lo menos tres años. Durante ese lapso, el aspirante a una butaca debe renovar anualmente su humilde pedido. Esa prueba de iniciación demuestra a los organizadores del Festival que el interesado es un wagneriano genuino. Por eso, aún hoy cuando alguien dice que escuchó a Barenboim dirigir Tristán e Isolda en Bayreuth, se produce un silencio respetuoso. No por la experiencia musical a la que ese sujeto privilegiado asistió, sino porque logró entrar y "pertenecer".
Al principio, los Ballets Russes de Serge Diaghilev escandalizaron, pero la sensualidad de las coreografías, los colores y el exotismo hicieron que la música de Stravinski y la de Debussy pasaran a un segundo plano. Además Misia Sert, la condesa de Grefulhe (la mujer más hermosa de París), el conde Robert de Montesquiou-Fesenzac y Jean Cocteau apoyaron a Serge y a su troupe. Esos nombres fueron las locomotoras que arrastraron al resto del público. Por otra parte, no todo era abstruso en las producciones de Diaghilev, que tenía el buen tino de encargar trabajos a Francis Poulenc, a Darius Milhaud y a Manuel de Falla. Mucho más complicado, pero más digno y heroico para los esnobs, fue luchar por la Escuela de Viena. El dodecafonismo no halagaba los oídos y, por otra parte, las obras de Arnold Schönberg, Antón Webern y Alban Berg sólo inspiraban angustia y sugerían climas tenebrosos como una sesión de torno en el dentista. Ya a mediados del siglo XX, los casos de John Cage, de Stockhausen, de Luciano Berio encontraron al público, no más receptivo, sino más domado, aunque la música de esos nuevos genios no era menos ingrata que la de los vieneses. Cuando los sacrificados esnobs lograban acostumbrarse a una revolución sonora, lo que no quería decir disfrutarla, ya había un compositor con otro hallazgo, Messiaen, Boulez... Philip Glass fue un oasis, de aburrimiento, pero un oasis. Su música, repetitiva hasta la saciedad, prendió de inmediato entre los oyentes avisados simplemente porque, en el fondo, era convencional. Lo único distinto era esa repetición incesante de un motivo que provocaba el efecto de que el tiempo parecía no pasar nunca, de que la orquesta se había rayado como un disco. Los esnobs iban en grupo a las óperas de Glass y se dormían por turnos en las butacas. El que debía hacer guardia en el final aplaudía y gritaba bravo bien fuerte para despertar a sus compañeros.
Cuando se piensa todo lo que deben afrontar los esnobs, uno no puede sino estarles agradecidos. Hoy disfrutamos del impresionismo, de Picasso, Braque, Ravel, los poemas surrealistas, Proust y Kafka, el caviar, la comida étnica y el diseño italiano porque ellos se inmolaron en los altares del gusto ajeno. Santos e impostores, merecerían que el vulgo, del que siempre buscaron escapar, les levantara un monumento de reconocimiento. Quizá lo esperan. Pero la lista de esos mártires, eso sí, debería ser cerrada y breve, como la que ellos mismos confeccionarían.
TRES SOLISTAS, TRES VOCES SANTAFESINAS
El Arte se hizo hábito en Punta del Este.
PUNTA DEL ESTE.- Las arenas esteñas siempre deparan sorpresas. Más cuando se trata de las artes visuales, que en los últimos años experimentaron aquí un crecimiento exponencial, empujado por el boom inmobiliario, la presencia de los coleccionistas foráneos y el respaldo decisivo en la difusión que le brindan las Gallery Nights.
Las "procesiones" visuales de los viernes de enero, por caso, encarnan hoy un ritual ampliamente instalado en La Barra, con cientos y cientos de incondicionales y nuevos seguidores, como se vio anteayer.
Pero tomar contacto con el arte, más allá del recorrido por las galerías, nunca fue más accesible en este balneario, una facilidad dada por la gratuidad en el menú del arte, en una península donde para otros consumos culturales, como ir al teatro, se deben abonar 50 dólares por entrada. Dentro del menú de exposiciones de indiscutida calidad hay tres gemas que no se pueden soslayar para los que visiten el Este.
En un marco de ensueño como es la sede de la Fundación Pablo Atchugarry, en El Chorro -el enclave creado por el consagrado escultor charrúa, infatigable en su faena de tallar el mármol de Carrara en Como, Italia, o en su refugio esteño- durante todo el verano se exhibe la colección privada más importante del mundo dedicada a la obra de Le Corbusier (1887-1965).
Las 120 piezas por primera vez mostradas en América latina -óleos, esculturas, litografías, grabados, dibujos, tapices junto a los cuatro modelos de muebles que creó- recorren la tarea completa de este agitador cultural, virtuoso en el dibujo, pródigo en la invención y el diseño y uno de los más influyentes arquitectos del siglo XX como impulsor del modernismo.
La colección proviene del museo suizo Heidi Weber, quien, agradecida con el Uruguay donde veranea, quiso mostrar la sintaxis del arte del creador del purismo. Para Le Corbusier, poco importaba en qué soporte se manifestara la invención. Así recorrió todas las gramáticas, con énfasis en el dibujo. La influencia picassiana y de Léger en su trazo, dos de sus grandes amigos, pero con quienes tuvo fuertes disensos, asoma incuestionable.
Hay tres óleos esclarecedores de toda su obra: El toro , Mujer roja con pelota verde y El pescador de Arcachon, que resumen su obsesión por descubrir las estructuras detrás de los objetos, el doblez metafísico que parece ver en cada cosa. Además de sus esculturas en madera policromada y de los bocetos que contienen su "modulor" (la unidad de medida basada en las proporciones humanas que creó para proyectar su arquitectura), se exhiben sus versos, su pensamiento contrario a las guerras y uno de los símbolos que se repiten en su pintura: la mano abierta que recuerda la paloma de Picasso.
La marca de Magritte
Otra de las gemas se encuentra en el Museo Ralli, donado por un mecenas israelí, en Beverly Hills, y es la colección de litografías realizadas sobre la base de 25 obras maestras del surrealista belga René Magritte (1898-1967).
Su inconfundible iconografía, que al introducir objetos comunes de contextos bizarros inauguró un nuevo significado para las cosas, aparece en obras emblemáticas. Está el hombre vestido de negro con sombrero bombín y una manzana verde en el rostro: El Hijo del hombre . O su mordaz representación de la violencia a partir de una bella mujer enfundada en encaje blanco: La gran guerra . Y hasta esas dos narices enfrentadas, flotando entre objetos: La raza blanca . Además de la exposición, es imperdible recorrer el patrimonio del museo, comenzando por las esculturas en bronce Dalí y la sala dedicada a Luis Benedit.
En el marco de Gallery Nights, también hay tres pausas insoslayables. La primera es en la galería Sur, donde se exhibe la obra de Torres García y de sus discípulos, además de los collages de Ernesto Vila, el jovial creador uruguayo que expuso en la Bienal de Venecia.
La sinuosa torre en equilibrio inestable de Ricardo Pascale; el perro amarillo, tendido en el piso, hilvanado con alambre de Laura Sanjurgo, y el cuenco gigante, construido a partir de moldes de araucaria, firmado por Rimer Cardillo son las esculturas monumentales en la Galería del Paseo, en Manantiales.
Anteayer, mientras se inauguraba la serie de grabados en fotografías digitales con temática bucólica de Cardillo -representante uruguayo de la Bienal de Venecia en 2001-, una fila incesante de gente festejaba la geometría de María Freire y encomiaba las instalaciones con reglas metálicas de Pedro Tyler.
Pero las 20 siluetas en tamaño natural de las celebridades más rutilantes del siglo XX (de Dalí, a Einstein, Elvis y Madonna), enclavadas, literalmente, en la playa de Le Club -instalación de Eduardo Pla-, suscitaron una euforia inusitada: todos sin excepción interactuaron con las celebrities de cartón. Vip on the beach , tal el nombre de la instalación, fue un exitazo. Una obra para no perderse.
El tercer milenio está entre nosotros
El año 2000 marcó un antes y un después en el imaginario colectivo de la humanidad. Todo lo que pasó antes era historia. Todo lo que vino después es parte de la ciencia ficción. ¿Acaso alguien puede decir si las fantasías de anticipación que juega Tom Cruise en la película Minority report existen de verdad ocultas en algún laboratorio o son pura mentira? Y los planes para colonizar Marte, ¿están en marcha o son un producto de la imaginación de Ray Bradbury?
Hay que reconocer que el futuro pasó como un tren (un tren bala, por cierto). Vivimos en un presente continuo, y no porque Francis Fukuyama decretara el fin de la Historia sino porque nuestras mentes fueron programadas para ubicar lo que vendrá en el siglo XXI. Al alcanzarlo tan rápido, ¿nos quedamos vacíos de futuro?
El solo hecho de estar transitando lo desconocido es una cuestión incómoda para los que estudian los avances tecnológicos y sus relaciones con las sociedades y las culturas. Por un lado, algunos optimistas disparan suposiciones delirantes y pronósticos grandiosos. El gurú norteamericano Ray Kurzweil es uno de los más activos imaginadores en este sentido. Siguiendo los pasos del escritor Arthur C. Clarke, el mediático inventor predice para el año 2020 inmersiones cotidianas en mundos virtuales de tres dimensiones, amén de un encuentro íntimo entre la inteligencia de las máquinas y la mente de los seres humanos. Kurzweil anticipa la liberación de los límites entre realidad y ficción o -como le gusta decir- un "upgrade del software evolutivo".
Si hay algo claro en la primera década del siglo XXI es que se hicieron realidad muchos sueños previstos por escritores fantásticos, desde Julio Verne a los ciberpunks William Gibson, creador de la palabra "ciberespacio", y Neal Stephenson, difusor de la palabra "avatar" que hoy triunfa en el cine.
Algunas de las revoluciones imaginadas por la ciencia ficción empezaron a rodar en el campo de la informática, la biología, la tecnología espacial, la producción de energía, las drogas y los comportamientos sexuales. Pero otras cuestiones no fueron predichas. Y nos cambiaron la vida.
Gracias al Wi-Fi, la diferencia entre un bar de Buenos Aires y un aeropuerto de cualquier capital del mundo es casi irrelevante. En los múltiples Starbucks de Londres se ven tantas laptops en funcionamiento como en el café Martínez o el Freddo de acá a la vuelta. Claro que, mientras que los ingleses no entienden qué es un móvil portátil de banda ancha, los argentinos disfrutan cada vez más del nuevo chiche adosado a sus mini computadoras. ¿Por qué el furor de los delgadísimos módems? Por la sencilla razón de que, saliendo de la Capital Federal, es difícil conectarse a la red con libertad absoluta. Y la adicción a chequear e-mails y Facebook ya es demasiado fuerte.
En el subte, el tren, el colectivo y hasta en el auto: todos con cables, todos conectados a algo, sea el iPhone o la netbook. En las escuelas, tuvieron que prohibir los celulares para que los jóvenes miraran al profesor. No es seguro que lo hayan logrado. Aunque tal vez tengan más posibilidades de captar la atención de su clase los maestros uruguayos, gracias a la iniciativa "Una laptop por niño", impulsada por el gurú Nicholas Negroponte para achicar la brecha digital entre ricos y pobres, entre naciones desarrolladas y el resto del mundo.
Desde las redes sociales horizontales hasta la Wikipedia, pasando por los yogures probióticos y las cámaras de fotos digitales, que tornaron profesionales a los amateurs de cumpleaños y turismo, los últimos 10 años trazaron un mapa insospechado de lo que podría acontecer.
En el camino hacia lo nuevo, apareció la palabra "googlear" y se asistió al ocaso del correo postal. El chateo y los mensajitos de texto coparon la vida adolescente, primero, y la de todos, después. Y mientras el iPod se convirtió en un fenómeno de masas, el mp3 pasó al cajón del olvido en segundos.
"Un cambio fundamental en los países sudamericanos fue la telefonía móvil", dice Martín Becerra, profesor de Comunicación en la Universidad de Quilmes. En la Argentina, hay 8 millones de líneas telefónicas fijas contra 46 millones de líneas móviles. "El uso social de la tecnología móvil cambió la comunicación, ahora se puede hablar desde cualquier lugar y mientras uno hace muchas otras cosas", agrega este investigador del Conicet.
Desorden y temores. Eso es lo que genera, según Becerra, la ruptura de la cultura de la secuencia narrativa, porque se ha pasado de la linealidad a una estructura de red y de zapping entre canales, lenguajes y contenidos. "No sabemos a dónde nos conduce esta aceleración, lo único que podemos decir es que los dispositivos móviles, el crecimiento de la banda ancha y la digitalización de la televisión van a marcar una era de ubicuidad.", concluye.
Nómades e hiperconectados. Ana Wortman, estudiosa de los consumos culturales en la era de la globalización, señala a los nuevos sujetos de nuestra época los "nómades digitales", que están en todas partes, circulan, son sujetos móviles. Y están en EE.UU., en Europa, como en las grandes ciudades de América latina, entre ellas, Buenos Aires".
La consultora IDC anticipa la consolidación de las computadoras pequeñas que aparecieron este año por todas partes ("netbooks"), con el agregado de que serán sensibles al tacto. A diferencia de los teléfonos móviles, que agrandarán sus pantallas más y más, las netbooks se volverán más delgadas y livianas, aunque también más poderosas. Todos esperan que la iPad de Apple enseñe la senda hacia lo que vendrá: la convergencia de dispositivos inteligentes y sensoriales al mismo tiempo.
Mientras tanto, la gente sigue disfrutando de una nueva forma de socializar, con pocas palabras y muchos signos de admiración. Sin duda, la aparición de las redes sociales marcó la primera década de este siglo. La era de Facebook y Twitter empezó, como siempre, con algunos universitarios armando sus propias historias a través de blogs y sitios de fotos, como Flickr. Para cuando los que perdieron de vista a sus compañeros de primaria descubrieron las bondades de buscar datos e imágenes por medio de la muy marketineada Web 2.0, hacía mucho que los nacidos con las computadoras -la generación Net- utilizaban la red para sus propios asuntos interactivos, como bien lo mostró el auge sorpresivo de los videos en Youtube. De ahí al estallido de esas redes pasó un segundo.
Pero si las comunicaciones están en el centro de todas las innovaciones, la ingeniería genética no se queda atrás. En la última década, la manipulación de genes en animales se extendió hacia los embriones humanos con el fin de extraerles células multiterreno o seleccionar al futuro bebé para ofrecerle una cura a su hermano mayor. Las células madre se pusieron de moda como tratamiento anti-age y se instalaron bancos de cordón umbilical privados como presunto seguro de vida. La memoria se perdió como ejercicio y se recuperó como deseo. Los psicofármacos invadieron noches y días, y ya se habla hasta de la píldora del olvido, para "deletear" traumas y alejar las pesadillas.
Ahora que el show del cambio climático en Copenhague terminó con las esperanzas más verdes, los fabricantes de molinos eólicos siguen desgañitándose para convencer a los gobiernos de su beneficio en relación a la vieja energía nuclear, los israelíes insisten con la plantación de espejos en el desierto para captar los rayos del sol y los autos "híbridos" como el Prius de Toyota vuelven a pisar fuerte. A falta de autos voladores, como los de "Los supersónicos", los tímidos intentos de fabricar vehículos que funcionen con "biocombustibles" -generados a partir de cultivos transgénicos o el más limpio hidrógeno- ya marcan tendencia.
Un vertiginoso "fast-forward" permite vislumbrar otras tecnologías que aparecieron en los últimos años y se convertirán en parte de lo habitual más temprano que tarde. La reproducción artificial en los seres humanos es uno de ellos. La fertilización asistida cambió el panorama social y subjetivo, permitiendo congelar los óvulos hasta que el tiempo aclare y poblando el mundo con mellizos. Y habilitando a que las parejas homosexuales tengan hijos con algo de su propio ADN. Un avance científico que nos dejó a las puertas de una profunda transformación en la sociedad, que hoy demanda nuevos derechos para nuevas necesidades. Así, en todo el mundo se posiciona el reclamo de las comunidades gay para legalizar el matrimonio y el derecho a adoptar de parejas homosexuales. La aprobación del matrimonio homosexual en varios países -y su discusión abierta en la Capital Federal- así como el nombramiento de una mujer lesbiana como obispo de la Iglesia Episcopal protestante en Los Angeles marcan un camino que recién empieza.
Más que humanos
La clonación de animales abrió las puertas para una verdadera revolución en la medicina. Y a esta altura, la controversia por el uso de embriones humanos para obtener células capaces de generar los diferentes tejidos del organismo ya está zanjada: se desarrolló una nueva forma de obtener células humanas con múltiples potencialidades sin tener que destruir óvulos fecundados. El cambio presidencial en los EE.UU., desde el republicano George W. Bush al moderno Barack Obama, también marcó un golpe de timón para estos temas: hoy los investigadores siguen buscando tratamientos celulares para enfermedades como el Parkinson, el Alzheimer y los infartos sin que nadie se horrorice.
Se anuncia la sangre artificial y no faltará mucho para fabricar tejidos como la piel que no generen ningún rechazo. El trasplante de cara realizado a una mujer francesa en 2005 fue un verdadero shock, aunque hoy la pesadilla de la película de John Travolta y Nicolas Cage, en la que se intercambiaban apariencias, no asusta demasiado. La identidad, cada vez más, se refugia en los genes.
La decodificación del genoma humano fue todo un logro al filo del milenio. Hoy muchos quieren bajar el precio del mapeo genético individual a menos de mil dólares por cabeza para que todos puedan "leer" su propio genoma. Otros deslizan que la sociedad global no está preparada para saber quién tiene un supuesto "defecto" y no discriminarlo.
El punto es qué puede hacerse con ese conocimiento, más allá de una mastectomía, en el caso de las mujeres que se anticipan a un cáncer de mama anunciado en el mapa genético. Pero esto podría cambiar, si la terapia genética vuelve a encontrar luz verde para modificar las células de personas con mutaciones en su constitución hereditaria.
Uno de los sueños apadrinados por la ciencia ficción es el de la nave miniaturizada que navega por turbulentos vasos sanguíneos con científicos en su interior. Pues bien: ya existen los dispositivos electrónicos -tipo microchip- que se introducen en el organismo para estimular neuronas y mover implantes biónicos de brazos y piernas. Pero ninguna revolución médica estará completa sin los dispositivos infinitesimales de la nanotecnología.
Y, por cierto, ninguna ficción científica estará completa si la palabra futuro, o nuestro imaginario del futuro, no logra renovar sus sentidos.
"Cuando se habla del futuro, se tiende a pintar un panorama donde toda clase de problemas sociales serán resueltos por diversas tecnologías. Se olvidan generalmente los factores sociales que hacen que éstas sean adoptadas o no por las diferentes sociedades", dice la especialista en sociotecnología Laura Siri. "Más tarde las tecnologías pueden ´commoditizarse´, pero para entonces serán otras tecnologías las que marquen la diferencia entre quienes acceden y quienes no y, sobre todo, entre quienes las producen y quienes las consumen", subraya la docente e investigadora de la UBA.
Si el acceso a Internet marcó la diferencia en los años 90, a partir del nuevo siglo fue la banda ancha la que identificó la movilidad social. En los próximos años, acaso sean los modelos climáticos diseñados para cada país o el acceso a la información genética personal los que den la pauta del nivel de desarrollo de una sociedad.
En este sentido, los escenarios del futuro pueden ser optimistas o pesimistas, según el cristal -el libro o la película- con que se mire. Como escribió Ray Bradbury, "la ciencia ficción siempre ha sido un maestro de fábula en cuestiones morales". Quizás sea tiempo de recrear el futuro a través de nuevas ficciones para tener más claro lo que vendrá.
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Cinco claves
1. Genoma humano
El desciframiento del mapa genético abrió un era de promesas médicas.
2. Banda ancha móvil y GPS
Celulares con 3G, Wi-Fi y GPS, nuevo escenario de la informática personal.
3. Nuevos derechos
La aprobación del matrimonio gay en varios países marca un cambio hacia nuevas formas de sociedad.
4. Manipulación de embriones
Se avanzó en la posibilidad de generar células regenerativas por otra vía.
5. La web 2.0 y las redes sociales
Wikipedia, Facebook, MySpace, Sonico y Twitter, una muestra del poder de la inteligencia colectiva.
DANILO DOYHARZABAL: LO LITERARIO COMO METODO.
Establecer desde la racionalidad los mecanismos que inducen a una persona a escribir, resulta casi una utopía. En la mayoría de los casos, escribimos, porque no podemos dejar de hacerlo. La mente elabora palabras para expresar ideas, intentar un ordenamiento del mundo circundante y también gozar de los resultados de ese procedimiento para comunicarnos con los demás.
Dice Marcos Aguinis que: "Las palabras son capaces de combinaciones infinitas para objetivos infinitos", y es ello cierto, porque cada escritor crea su propio mundo a partir de su imaginación, pero la palabra, ejercida con responsabilidad (que es lo que define al verdadero escritor), es también una herramienta para la militancia y el compromiso. Lo escrito nos sobrevive y como tal, dará testimonio del tiempo que nos tocó vivir, ergo, de nuestro protagonismo. De allí la importancia de la palabra escrita respecto de la palabra hablada, la una es, menos perecedera que la otra.
La escritura será siempre, la presencia de su autor aun cuando, ignorado éste, nos estemos refiriendo: "al que lo escribió". La escritura nos ha expresado a través de generaciones y establece, cuando es veraz, una reciprocidad comunicacional entre quien escribe y quien lee. Por todo lo expuesto, bien se ha dicho que: "Si escribir brinda placer y, muchas veces reporta cuantiosos beneficios, la responsabilidad que el escritor asume cuando escribe, puede configurar un gran riesgo".
Por eso la tarea del escritor, llega a representar un acto heroico que requiere de mucha valentía.
Inmerso en la incertidumbre existencial, abrumado por tanta tecnología, el hombre posmoderno se debate frente a sus incógnitas rodeado por una multitud pero solo. La realidad cibernética por él desarrollada, lo condena a una nueva forma de esclavismo a la que no le halla solución.
Una declamada globalización, se ha apoderado de nuestra economía y procura avanzar ahora sobre nuestra cultura, pero no se trata de un proyecto solidario sino dominante. El riesgo que se corre, en caso de no advertirse el verdadero objetivo de este modelo mundial, es que el intento de globalización cultural, se convierta en un proyecto de desculturización.
De allí la importancia de reivindicar el valor de la palabra, verdadero anticuerpo, cuando es bien ejercida, para resistir con dignidad y convicciones, este atropello a la cultura, último baluarte de la soberanía de los pueblos.
Hay quien propone establecer distancia entre la realidad y el hecho creativo, establecer una ausencia perceptiva frente a la realidad que nos agobia. Dicho más sutilmente, hacer de la palabra un cómplice del olvido. Confrontando con esas opiniones, propongo un ejercicio más digno de la palabra, que aun cuando no alcance a ser compromiso, se constituya al menos en testimonio de este tiempo de vida que nos pertenece y al que no debemos maquillar.
Somos las víctimas del mundo que forjamos, descendamos entonces a los abismos del dolor y las miserias, convivamos con las carencias de nuestros hermanos. Padezcamos de sus hambres y agonicemos con sus agonías; y desde esos infiernes, que también son la vida, construyamos la esperanza con el ejercicio de una palabra desnuda y descarnada, que logre hacer veraz a la literatura y digno al escritor.
Revista literaria de la asociacion santafesina de escritores.
ARGENTINA INICIA LA TRANSMISION DE TV DIGITAL EN LOS PRIMEROS MESES DE 2010
Las 23 capitales de provincia y plazas como Mar del Plata, Bariloche y Bahía Blanca, son algunos de los puntos que contarán con la cobertura del nuevo servicio. Canal 7 será la primer señal en llegar bajo el nuevo formato. ¿Cuánto costará el equipo que permitirá captar la nueva imagen?
A menos de tres meses de adoptado el sistema de origen japonés ISDB-T, la Argentina ya tiene fecha para comenzar a ofrecer transmisiones de televisión en formato digital: en el transcurso de la primera mitad de 2010 el desarrollo llegará a 32 ciudades del país.
Las 23 capitales de provincia y plazas de envergadura como Mar del Plata, Bariloche, Bahía Blanca y San Rafael, son algunos de los puntos que, en una primera etapa, contarán con la cobertura del nuevo servicio. Las primeras emisiones tendrán como protagonistas –al menos en la instancia inicial– a los programas que hoy emite canal 7.
Además de desembarcar en los televisores, la puesta en marcha de la norma permitirá la captación de contenidos televisivos a través del celular.
Para cumplir con los plazos, el Gobierno viene manteniendo una serie de reuniones con fabricantes locales a fin de implementar una estructura de transmisores y receptores (también conocidos como “set-top-box”) basados en tecnología 100% argentina.
En esa dirección, cerca de 50 empresas –la mayoría de ellas con asiento en Córdoba– ya se comprometieron a diseñar sistemas y prototipos que, inicialmente, permitan sostener la intención oficial de volver aptos para la captación de TV digital a más de 12 millones de televisores en un plazo de 8 años.
En paralelo, agentes gubernamentales también iniciaron conversaciones con proveedores extranjeros. El objetivo: contar con alternativas en caso de que los fabricantes argentinos no se adecuen a los plazos de implementación u ofrezcan desarrollos a precios “no competitivos”.
“Hay una fuerte vinculación entre lo que es volver digital la información y fomentar la producción nacional y la generación de empleo al calor de la primera decisión. Estamos desarrollando junto a la industria nacional la fabricación de equipamiento”, comentó en exclusiva a iProfesional.com Osvaldo Nemirovsci, coordinador general del Consejo Asesor del Sistema Argentina de TV Digital (SATVD-T).
“En una primera fase vamos a colocar probablemente alrededor de 50 transmisores, porque la idea es salir en todo el país al mismo tiempo. Distinto a lo que hizo Brasil, que empezó transmitiendo en San Pablo, para luego esperar que lo digital se derrame en todo el territorio”, añadió.
El funcionario, que comanda el ente destinado a consolidar el pasaje a la nueva norma, no descartó la posibilidad de que el Estado subvencione la compra de “set-top-box” para garantizar la penetración del servicio. El precio de los aparatos que se ofrecerán en la Argentina, estimó, “rondará entre los 200 y 250 pesos”.
“No sería nada incorrecto tener una actitud colaborativa con los sectores de menores recursos para que puedan contar, sin grandes erogaciones, con un conversor”, dijo. Y agregó: “Sino todo se hará más difícil. Probablemente los equipos se podrían comprar con créditos a $10 por mes. Hay que ayudar a achicar la brecha digital”.
Producir el soporte
Con relación a cómo está estructurado el desarrollo local de soporte para la televisión digital, Nemirovsci señaló que existe un fuerte acercamiento tecnológico con Brasil y, por supuesto, también con Japón.
“Elegimos esta norma porque también la tienen Chile, Perú, Venezuela y la están por adoptar Paraguay y Bolivia. Tenemos permanentes reuniones con japoneses y brasileños en función de contar con transferencia tecnológica que nos permita crecer en conocimiento nacional”, indicó.
El funcionario remarcó, además, el trabajo en el desarrollo de sistemas compatibles con el estándar que están llevando a cabo distintos laboratorios de universidades nacionales.
“Buscamos aumentar la interactividad. No descartamos el conocimiento que los brasileños tienen en la fabricación de ‘set-top-box’, y el software Ginga que ellos utilizan, pero apuntamos a romper con la monodireccionalidad de la televisión. Por eso creemos que hay técnicos argentinos que pueden mejorar el Ginga”, dijo.
¿Cuándo estarán disponibles los conversores en el mercado local? Nemirovsci sostuvo que todo dependerá de “la entusiasta producción nacional”, aunque deslizó que espera que ya exista un buen número cuando comience la transmisión en ISDB-T.
Consultado respecto del potencial interés del Estado por crear una marca propia que tenga a su cargo la comercialización de estos dispositivos, el funcionario adelantó que la venta quedará en manos de las compañías que asumirán la fabricación de estos productos.
“En algunos de ellos, tengo entendido que las empresas se van a juntar, por lo que no hay que descartar que se combinen algunas marcas. Igualmente, todo eso quedará a consideración de las compañías y siempre bajo los criterios del mercado”, expresó.
Además de compañías cordobesas, Nemirovsci reconoció que mantuvo conversaciones con las empresas nucleadas en la Asociación de Fábricas Argentinas Terminales de Electrónica (AFARTE) para, de ser viable, direccionar parte del desarrollo de transmisores y conversores a Tierra del Fuego.
Comenzar a transmitir
El funcionario comentó que, con relación a la fase de migración pautada para el primer tramo de 2010, el Estado sólo tendrá a su cargo la conversión de las transmisiones de canal 7 del formato analógico al digital.
“Eso no quiere decir que el resto no empiece a trabajar en ese sentido. Canal 13 ya tiene experiencia con la norma estadounidense ATSC, y TELEFE con la europea DVB. Bueno, ellos tendrán que adecuar sus equipos y también analizar si en esta primera etapa les interesa realizar contenidos en alta definición”, puntualizó.
Nemirovsci también adelantó que el inicio de las emisiones en formato ISDB-T inaugurará la etapa de los contenidos televisivos sin costo para los celulares. “La norma japonesa no pasa por la red de telefonía, entonces llega gratis porque directamente se emite desde la frecuencia”, sostuvo.
Y añadió: “Para captar televisión, sólo se necesitará un celular con pantalla o que pueda captar la señal. Y el radiodifusor podrá emitir los mismos u otros contenidos para ese público”.
¿El Gobierno evalúa desarrollar celulares para atender este nuevo nicho? “Lo estamos charlando”, reconoció Nemirovsci. “Nos hemos reunido con gente que dice que pueden hacerlo con alguna importación de componentes y alguna participación nacional”, completó.
ARTE: LA BIENAL DEL MERCOSUR.
FUNDACION CENTRO ENTREGO PREMIO EN EL 4º SALON REGION CENTRO
ENCUENTRO LATINOAMERICANO DE DERECHOS HUMANOS DE LOS PUEBLOS INDIGENAS
Reconocidas figuras internacionales analizaron la situación de los Derechos de los Pueblos Indígenas en Latinoamérica.
Buenos Aires, Noviembre de 2009 – Celebrando el 20° Aniversario de la adopción del Convenio 169 sobre Pueblos Indígenas y Tribales y en el convencimiento de que para lograr la efectiva realización de los derechos allí reconocidos, así como los plasmados en los diversos instrumentos interamericanos e internacionales de derechos humanos, se llevó a cabo este Encuentro Latinoamericano. Fue organizado por la Defensoría General de la Nación, la Asociación de Abogados/as de Derecho Indígena y el Colegio Público de Abogados de la Capital Federal durante los días 5 y 6 de noviembre del corriente año en el Salón Auditorio del Colegio Público de Abogados (Capital Federal).
Entre las numerosas exposiciones presenciadas pueden nombrarse la del Dr. Eugenio Raúl Zaffaroni, Ministro de la Corte Suprema de Justicia de nuestro país, el Sr. James Anaya (Estados Unidos), abogado de ascendencia apache, relator especial de la ONU sobre la situación de los Derechos Humanos y Libertades Fundamentales de los Indígenas y la de la Sra. Raquel Zonia Yrigoyen Fajardo (Perú), doctora en Derecho de la Universidad de Barcelona, consultora del Programa de Naciones Unidas para el Desarrollo, entre otras eminentes figuras del ámbito internacional que se destacaron en diversos temas inherentes a Pueblos Originarios.
La Jornada de dos días se desarrolló en diversos paneles que contemplaron temas como el “Reconocimiento y Protección de los derechos fundamentales de los Pueblos Indígenas”, la “Relación entre los Estados, Empresas transnacionales y Pueblos Indígenas frente a la explotación de los recursos naturales” y el “Acceso a la tierra y al Territorio como derecho Fundamental de los Pueblos Indígenas”.
Los participantes evaluaron y debatieron experiencias de los países latinoamericanos en el proceso de construcción de modelos de Estado intercultural e intercambiaron experiencias positivas y buenas prácticas en la promoción y defensa de los derechos de los Pueblos Indígenas teniendo en cuenta el Sistema Interamericano de Derechos Humanos, del Sistema de Naciones Unidas y su aplicación en el ámbito interno para poder elaborar estrategias conjuntas para su difusión y fomento.
Este Encuentro contó con el auspicio de numerosas organizaciones nacionales e internacionales, como el Instituto Latinoamericano de las Naciones Unidas para la Prevención del Delito y el Tratamiento del Delincuente (ILANUD), la Secretaría de Derechos Humanos del Ministerio de Justicia, Seguridad y Derechos Humanos de la Nación, la Confederación Mapuche de Neuquén; la Defensoría del Pueblo de la Nación; la Defensa Pública de Costa Rica, el Instituto Nacional contra la Discriminación, la Xenofobia y el Racismo (INADI), el Ministerio de la Defensa Pública de la Provincia del Chubut, el Centro de Políticas Públicas para el Socialismo (CEPPAS) y el Grupo de Apoyo Jurídico a la Tierra (GAJAT), entre otros.
Al respecto, el Diputado de la Nación, Sr. Pablo Zancada, manifestó: “A 20 años de la adopción del Convenio Nº 169 sobre pueblos indígenas y tribales en países independientes, la relación de los derechos humanos con estos pueblos ha sido, y es, comprometida. A pesar de haber conseguido ser reconocidos como sujetos de derecho, como personas que son, aun hoy siguen siendo uno de los grupos sociales más amenazados del planeta. Tanto es así, que lo que se ve amenazado es su supervivencia y en ocasiones los derechos que les son inherentes no son del todo efectivos en las realidades en que estos pueblos viven.
Por todo ello, permitir el análisis de los derechos humanos a través de estas Jornadas contribuye a mejorar considerablemente aspectos esenciales en su vida, en las cuestiones territoriales como de autogobierno y de su protección como Pueblos Originarios”.
EL NORTE EXISTE
Pablo Zancada
Diputado de la Nación
HCDN
Contactos: (011) 6310 – 7321
pzancada@diputados.gov.ar
MISION CHINA EN SANTA FE:
“Esperemos lograr cooperación pues Argentina tiene muchas posibilidades de crecer”
Así lo dijeron integrantes de una delegación China, conformada por representantes gubernamentales y empresarios de la Provincia de Heilongjiang. Estuvieron en el marco de una recorrida por la cuenca lechera organizada por la Fundación Centro de Santa Fe.
Ayer dio inicio la gira de una delegación de la República Popular de China por localidades de la cuenca lechera de la provincia de Santa Fe. La misma estuvo organizada por la Fundación Centro, presidida por el Dr. Oscar Martínez y acompañada por Cámaras empresariales de Santa Fe, Rafaela y Sunchales. La comitiva oriental estuvo encabezada por el Jefe de Asesores de la ciudad de Suihua, Sr. Hu Shiying, quien arribó al país con Xia Yongzhi, Vice Intendente de Suihua; Li Chunyu, Secretario de Gobierno de Suihua; Liu Yangui, Director del Ministerio de Agruicultura y Ganaderia; Jin Yaofu, Director Oficina de Asuntos Externos de Suihua; Li Naibo, Jefe de Asesores de la ciudad de Anda y, Zhan Fujou, Presidente de Ganadera Yuda Co. Ltd., un empresario de ese país. Asimismo concurrieron el Director de la Cámara de Comercio Exterior, Fabian Turino; el de Desarrollo e innovación del municipio, Germán Burcher, el Secretario de la Producción de El Trébol, Gerardo Tossore; y el Concejal electo Félix Bauduco.
Cerca de las 11 de la mañana, el itinerario comenzó en el Centro Comercial e Industrial de Rafaela, con la asistencia de numerosos delegados del sector empresarial representados por Ricardo Celio de Rodeg, Adrian Rupper de Bauduco, Nency Zanuzzi de Pla S.A. (Las Rosas), Alejandro Torres y Carlos Morelli de Williner, Virginia Massat y Débora Quagliotti de Abaco S.A., Gonzalo García de HB Maquinarias, Nicolas y Martín Rivarossa de ISSA Integral Services, Marcos Lavera de Calderas Fontanet, Enrique Muzzio de Enrique J. Muzzio, Oscar Fraude de Franchi S.A., y otro por Over San Vicente.
Pero el recibimiento formal estuvo a cargo del Director del Centro Comercial e Industrial de esa pujante ciudad, Benjamín Albretch y luego tomaron la palabra los integrantes de la comitiva oriental, quienes describieron: “estamos muy sorprendidos por la atención. Argentina es un país muy atractivo”.
Posibilidades concretas
A su turno, el Dr. Martinez destacó que “es importante comenzar a trabajar en las posibilidades concretas que debe tener la provincia de Santa Fe para lograr un desarrollo pleno en todas sus áreas, aprovechando al máximo el potencial con que cuenta esta cuenca lechera, que es una de las mayores de Latinoamérica” afirmó. “Nuestra provincia tiene más de 4.400 tambos y un plantel que supera las 650 mil cabezas, son 174 plantas de producción láctea distribuidas en 150 empresas, con una capacidad instalada de 17 millones de litros por día pero utilizando poco más de la mitad” contextualizó el dirigente.
En sintonía, Hu Shiying manifestó que “están intactas las voluntades de cooperación e integración para con ambos territorio. Nosotros venimos de una zona con características similares a las de la provincia de Santa Fe, por lo que también se pueden intercambiar experiencias y conocimientos para afianzar el crecimiento productivo” dijo, a la vez que agradeció a los presentes y en especial al Presidente de la Fundación Centro por “darnos la oportunidad de aprender del empresariado santafesino. Queremos cooperar en diversas formas, no solo tenemos proyectos de negocios sino también logros en turismo muy importantes” explicó.
Al cierre de la visita a Rafaela, Oscar Martínez explicó que “esta experiencia es muy atractiva, pues solo hay 200 consejeros económicos y comerciales en el mundo y uno de ellos pudo llegar hasta aquí. Con esto se manifiesta a las claras la voluntad de la Fundación Centro para aumentar la solidez de los vínculos internacionales de esta provincia con China, una de las superpotencias que asoma al mundo”.
Recorrida por la cuenca lechera
Tras concluir el evento en Rafaela, la delegación se trasladó a la empresa Williner, cuya firma comercial es Ilolay y luego siguió su recorrido hacia Humboldt, donde fue recibida y agasajada por el Presidente Comunal Germán Kahlow. En la pintoresca localidad, acompañaron al funcionario el titular de Agricultores Federados Argentinos, Jorge Yennerich, Duilio Rohramm por Milkaut, representantes de Agroservicios Humboldt y el Presidente del Centro Comercial Raul Kröhling.
Oscar Martínez agradeció y elogió la gestión de Kahlow por la hospitalidad de recepción. Y por su parte, este último dijo que “Humboldt es un pueblo que no desborda demográficamente pero somos uno de los pocos del país con la mejor infraestructura integral, somos jóvenes, con 141 años de vida y por eso celebramos este tipo de iniciativas como las que propulsa la Fundación Centro” aseveró.
Más adelante, la gira oficial de los referentes orientales de producción concluyó en la Bolsa de Comercio de la ciudad de Santa Fe. Y continuando con el objetivo de la visita, tomaron contacto con la realidad láctea, tras la posible adquisición de quesos por la afectación de las exportaciones nacionales por las “licencias no automáticas” con Brasil, principal comprador argentino. No solo el eje pasa por tambos sino por todo lo que rodea al sistema productivo.
Ya en la sede bursátil, el Ing. Daniel Oblan ofició de anfitrión, dando la bienvenida y reconociendo el esfuerzo de Oscar Martínez “por saber interpretar los requerimientos del sector. No me caben dudas que con una planificación responsable podremos disfrutar de la integración entre ambas naciones y los empresarios que nos acompañan apoyarán un programa que inste a la industria de la producción láctea porque en la sinergia vamos a encontrar buenos negocios, por eso agradezco a Martinez, por trabajar siempre en el encuentro” dijo el profesional.
Estuvieron Carlos Pauli de Diagrama Biotecnología y TAP Ingeniería, José Arolfo de Equitec, delegados de Sei-Contreras Ingeniería, entre otras. “Santa Fe es una provincia que posee producción de alimentos y a la agroindustria. En China hay varias decenas de incubadoras de empresas” declaró Martinez.
“Tenemos muchas cosas para intercambiar” dijo Shiying, “quedamos muy satisfechos con su presencia, esperemos que podamos lograr cooperación porque Argentina tiene muchas posibilidades de crecer” expresó como intención de deseo.
Por último, finalizó el encuentro reconociendo que “buscamos vínculos y tratamos de afianzar el intercambio. Nos interesan los proyectos e inversiones y cuando halla buenas oportunidades deseamos que nos lo hagan saber” subrayó el importante funcionario comercial chino.
Los intelectuales / Kate Woodthorpe “Estudiar la muerte equivale a estudiar la vida y los valores”
Juana Libedinsky
LA NACION
LONDRES.- Kate Woodthorpe es rubia, joven y sonriente. Está lejos de ser una chica gótica, de negro eterno, melancólica, depresiva. Y, sin embargo, el tema al que dedica su vida cotidiana es la muerte. De hecho, Woodthorpe -que durante esta entrevista estaba recorriendo los camposantos británicos para entregar el galardón Mejor Cementerio 2009- es una de las nuevas estrellas de una disciplina que se afianza: los estudios sobre la muerte en las universidades del mundo anglosajón.
Autora de La cultura y las economías de la muerte y profesora de la Open University británica, Kate Woodthorpe se convirtió en la voz de referencia de los medios tras fenómenos como las demostraciones masivas que siguieron a la muerte de Michael Jackson. Para ella, "estudiar la muerte es también estudiar la vida, y dice mucho de los valores, de las personas, los lugares y las cosas".
-¿Cómo comenzó su interés en el manejo de la muerte como objeto de estudio? ¿No le resulta deprimente?
-Creo que la muerte es un objeto de estudio bastante especial por su universalidad: es de los pocos que realmente nos afectan a todos. No encuentro que sea tan deprimente. Estudiar el tema me ha hecho más consciente de lo finito de la vida, pero a la vez la reafirma y me recuerda a cada momento cuán preciosa es.
-¿Cambió la manera en que nos relacionamos con la muerte en los últimos años?
-Por un lado, la muerte está más controlada y oculta que nunca. Ocurre detrás de puertas cerradas. Por el otro, se sabe más sobre la muerte y es más visible que nunca con la cobertura que recibe de los medios de comunicación y la forma en la que es documentada. Creo que la discusión entre estos dos puntos de vista se va a intensificar en la medida en que debates éticos como la eutanasia y el suicidio asistido continúen. Mis propios pensamientos sobre el tema varían, pero de lo que sí estoy segura es de que las consecuencias de los tratamientos que permiten prolongar la vida tienen que ser analizadas en profundidad antes de instrumentarlos.
-¿Cuál es la relación entre cementerios y museos, sobre la cual ha trabajado?
-Con mi colega Morgan Meyer hemos escrito sobre la relación entre cementerios y museos, basados en la premisa de que ambos convierten lo ausente -tanto el pasado como las personas muertas- en presente, a través de objetos. Con la creciente presión que hay sobre los cementerios en el Reino Unido -ya que nos estamos quedando sin lugar para enterrar y, a la vez, los cementerios existentes se venden para desarrollos inmobiliarios o nuevos usos- se ha abierto un interesante campo para estudiar los cementerios como lugares similares a los museos, lugares de historia social local. Nos pueden ilustrar sobre la arquitectura y el diseño de paisajes de un tiempo determinado, y hasta su estilo literario a través de los epitafios. Definitivamente, impulsaría a cualquiera a que diera una vuelta por su cementerio local y vea todo lo que puede aprender. Cuando hice mi investigación en el cementerio de la ciudad de Londres, me encontré con muchos ejemplos de acontecimientos significativos de la historia local: dos de las víctimas de Jack el Destripador estaban enterradas allí, y las cenizas del futbolista Bobby Moore están en el Jardín del Recuerdo...
-Elige los mejores cementerios. ¿Qué toma en cuenta?
-Hay una serie de criterios que uso al evaluar: por ejemplo, si se utilizan o no lápidas de piedra, el mantenimiento y planes a largo plazo. Mirando los años que vendrán, me imagino que tendremos una mayor cantidad de alternativas respecto de qué hacer con nuestros cuerpos no sólo en vida, sino también tras la muerte, por ejemplo a través de procesos de cremación menos agresivos para el medio ambiente o incluso la disolución de cadáveres con químicos. Hay tantas personas viviendo hoy en el planeta que necesitamos pensar estratégicamente sobre la manera en la que vamos a lidiar con todos esos cuerpos. Este tipo de discusión tiene que desarrollarse de una manera abierta.
-¿Qué opina de las series de televisión como CSI , Six Feet Under o Huesos , que giran alrededor de muertos y cadáveres? ¿Nos está diciendo algo sobre la sociedad contemporánea esta fascinación?
-Por un lado, mostrar la muerte en programas destinados a entretener, como Six Feet Under , sobre una familia que regentea una empresa funeraria, puede ayudar a levantar la tapa, por decirlo de alguna manera, sobre lo que pasa detrás de escena cuando la gente muere, y así ayudar a familiarizar a los televidentes, a disminuir su ansiedad frente a lo desconocido. Por otro lado, es cierto que la televisión da un tratamiento sensacionalista a la muerte y la transforma en un show. Pero creo que, como consumidores de estos fenómenos populares, la decisión está en cada uno, y quien encuentre estos programas de mal gusto siempre podrá cambiar de canal.
-¿Cómo se vivieron la muerte de Michael Jackson y la histeria que desató desde las torres de marfil del mundo académico?
-El gran debate radica en si la forma en que la gente expresa públicamente su respuesta al fallecimiento de una celebridad que nunca conoció personalmente es una manera posmoderna de conexión humana o si es una especie de dolor recreacional. Pero no todo es falso o inventado. Para las personas comunes, existe un factor movilizador genuino en la nostalgia y el deseo de sentirse parte de un acontecimiento cuando está teniendo tanta repercusión.
-¿Cuán importante cree que es morir joven para ser un mito?
-No sé si lo importante es morir joven o la causa de la muerte. Es más sexy la muerte de James Dean en un accidente de auto que la muerte de Elvis en el baño. Y, por supuesto, está el tema de que morir joven no está atado, en realidad, a la juventud. Se puede considerar que alguien de 70 años murió joven. El tema es haberse ido antes de tiempo...
NEUROMANAGEMENT ¿ES POSIBLE DOMINAR EL MIEDO EN EL CONTEXTO DE LA CRISIS?
A lo largo de nuestra evolución, el cerebro humano adquirió ciertas características que nos hacen reaccionar ante la percepción del peligro. Sin embargo, estas respuestas instintivas enturbian nuestra razón y sesgan nuestras decisiones. ¿Podemos controlarlas?
Por Néstor Braidot
Cuando una persona debe enfrentar un problema, un conflicto, o una situación estresante, se dispara una serie de emociones que se expresan a través de cambios físicos y comportamentales.
Con independencia de si el peligro percibido es real o imaginario, se activan los centros que coordinan las respuestas emocionales, que a su vez activan lo que se conoce como la "división simpática" del sistema nervioso autónomo.
Estas respuestas fisiológicas impactan sobre el normal desempeño del individuo. La razón se enturbia y la elevada carga emocional sesga la toma de decisiones, induciendo a la equivocación sistemática.
Ahora bien, ¿podemos hacer algo al respecto? ¿Es posible entrenar al sistema emocional del cerebro para responder de manera distinta ante el estrés? ¿Es posible controlar (o, al menos, acotar) procesos fisiológicos y emocionales altamente automatizados y que se disparan de manera involuntaria?
Es difícil, pero no imposible. Veremos, a continuación, los mecanismos neuronales que permiten desarrollar estrategias destinadas a favorecer la autorregulación simpática de manera consciente por parte del individuo inmerso en circunstancias adversas o sometido a un severo estrés.
El estrés como experiencia subjetiva
A diferencia del resto de las especies animales, en el ser humano las respuestas fisiológicas y emocionales también pueden ser producidas por un pensamiento o creencia previa, y se gestan en la neocorteza cerebral.
Estos pensamientos o creencias toman forma en los lóbulos frontales y tienen un significado propio para la persona.
Este significado individual, si es de carácter negativo en función de las experiencias de vida personales, puede disparar la señal de alarma en el cerebro, provocando la misma alteración fisiológica y emocional que experimentaría si se encontrara ante una situación de riesgo real.
No obstante, el ser humano también posee una ventaja significativa sobre el resto de las especies animales: puede traducir las emociones en sentimientos conscientes. Y esto es condición indispensable para ejercer cierto control voluntario sobre la ansiedad derivada del estrés.
La corteza prefrontal nos permite, con el entrenamiento adecuado, pasar de una conducta reactiva, involuntaria y facilitada por el estrés, a una conducta voluntaria, proactiva y mediada por la razón.
Es decir, la parte anterior de nuestro cerebro nos permite tener cierto control y nos brinda la capacidad de ser proactivos frente al miedo.
Este es, sin duda, el objetivo cardinal de todo programa de autorregulación emocional y de manejo del estrés. Mientras las demás especies sólo pueden responder de manera rutinaria, nosotros podemos convertirnos en un actor emocional que domine su propia actividad visceral.
Los hemisferios del cerebro y el dominio de nuestras emociones
Hemos observado que, más allá de los estímulos reales de amenaza específica para la supervivencia que pueden aparecer en el medio ambiente, el ser humano puede despertar a la amígdala trayendo a su memoria un recuerdo explícito consciente de su acervo vivencial personal.
Esto es posible porque la corteza prefrontal proyecta algunas de sus fibras nerviosas hacia la amígdala y el hipotálamo, responsables de descifrar la carga emocional de ese recuerdo o pensamiento puntual y movilizar los recursos metabólicos en consecuencia.
Dicho en otros términos, podemos sentirnos ansiosos, temerosos o angustiados si alguien nos amenaza con un revólver.
Pero también podemos sentirnos ansiosos, temerosos o angustiados simplemente anticipando la posibilidad de ser asaltados o recordando el mal momento que vivimos cuando efectivamente nos amenazaron y robaron en la calle
.
Cuando un animal se ve expuesto a una situación que entraña un peligro para su vida, reacciona de manera estereotipada siguiendo un programa de respuesta automatizado con base en el cerebro límbico y reptiliano.
Sin embargo, cuando se trata de un ser humano, las respuestas conductuales que puede adoptar ante una amenaza específica (como puede ser un jefe iracundo o un proceso de reestructuración dentro de la empresa), no necesariamente deben estar sujetas a estructuras cerebrales subcorticales.
En efecto, la corteza prefrontal se encuentra anatómica y funcionalmente preparada para inhibir una conducta automática y reemplazarla por otra más civilizada o conveniente a los fines y objetivos de la persona.
En otros términos, el registro de la experiencia individual puede interferir o influir sobre la determinación de respuestas a estímulos particulares estresantes.
La prueba de ello se encuentra en que mientras un hecho específico, como un despido, puede desencadenar una depresión profunda en una persona, no necesariamente lo mismo le ocurrirá a otra, en función de la interpretación que haga de las circunstancias gracias a su corteza prefrontal.
La neuropsicología nos ha brindado evidencia sobre el papel que desempeñan las cortezas prefrontales derecha e izquierda sobre la emocionalidad y el estado de ánimo.
Concretamente, el hemisferio izquierdo parece estar más relacionado con las emociones de valencia afectiva positiva (alegría, optimismo, etc.) mientras que, sobre el hemisferio derecho, recae la responsabilidad de las emociones de valencia afectiva negativa (tristeza, enojo, etc.).
La experimentación y la observación clínica parecen demostrar que las lesiones en el lóbulo frontal izquierdo inducen un estado de tristeza profunda, al producirse un desequilibrio emocional como consecuencia de la pérdida de la gama de las emociones positivas.
Por el contrario, las lesiones en el hemisferio derecho inducen un estado de inusual alegría, por supresión de las emociones negativas.
Es posible, entonces, modificar el estado emocional de una persona con un entrenamiento adecuado que le enseñe cómo activar más el hemisferio izquierdo en detrimento del derecho.
Análogamente, existe un abundante cúmulo de evidencia que correlaciona positivamente el aumento progresivo de los trastornos del estado del ánimo con el desarrollo de contextos macrosociales amplios caracterizados por la ambigüedad, la incertidumbre, la crisis, y la incapacidad operativa de las personas para lidiar con la frustración, con aquello que no pueden prever.
Y esto encuentra su génesis en estructuras cerebrales arcaicas y primitivas, muy funcionales en un mundo salvaje signado por la ley del más fuerte, pero desfasado y desajustado al avance social y cultural, a los que el cerebro límbico permanece ajeno.
Dr. Néstor Braidot
Profesor emérito de la UAI. Profesor de la Universidad de Salamanca (España). Presidente del Grupo Braidot de Consultoría y Capacitación.(WWW.MATERIABIZ.COM)
HERMES BINNER EN LA APERTURA DEL MUSEO INMACULADA
La muerte de Levi Strauss
Claude Lévi-Strauss vivió un siglo y fue su presencia la que, en buena medida, le dio forma a la mirada sobre el mundo con que Occidente entró en el siglo siguiente.
El intelectual y antropólogo francés, creador del estructuralismo e influencia decisiva del pensamiento del siglo XX, falleció en la madrugada del domingo en esta ciudad, a punto de cumplir 101 años. La noticia se conoció ayer, después de que Lévi-Strauss fue enterrado en la localidad de Lignerolles, en Borgoña francesa.
Criticado y ensalzado, con una trayectoria académica poco ortodoxa para el medio francés y autor de unas 30 obras -muchas de ellas clásicos ybest sellers e_SEnD , Lévi-Strauss influyó en filósofos, antropólogos, psicoanalistas, semiólogos y lingüistas, pero sobre todo encarnó el ideal de intelectual moderno, con un objeto de estudio ambicioso: el pensamiento humano.
Al menos 25 países habían celebrado su cumpleaños número 100, hace casi un año. Francia, entre ellos, le dedicó una muestra en el Museo du Quai Branly, en París, que visitaron más de 12.000 personas, con 100 conferencias sobre su obra, proyecciones, fotografías y objetos traídos de sus viajes por América. Casi encerrado en su casa parisina en los últimos años, Lévi-Strauss no asistió.
"Pocos intelectuales se han aventurado tan lejos como Lévi-Strauss en la exploración de los mecanismos ocultos de la cultura", sintetizó ayer Le Monde , en su despedida al intelectual que, según varias voces, será irreemplazable en la escena cultural francesa.
Detrás del rótulo del estructuralismo -que él mismo terminó por rechazar-, Lévi-Strauss desarrolló una innovadora manera de explicar el funcionamiento del pensamiento humano, prestando atención a sus estructuras subyacentes y detectando aquellos principios -como el pensamiento binario- que le dan forma en todo contexto cultural.
Aplicó esas ideas, por ejemplo, en Mitológicas , un análisis de los mitos en América en cuatro volúmenes, aparecidos entre 1964 y 1971, junto con Las estructuras elementales del parentesco (1949), Antropología estructural (1958) y El pensamiento salvaje (1962). Pero fue Tristes trópicos , publicado en 1955, su gran best seller. Mezcla de libro de viajes, tratado filosófico y etnografía de zonas de Brasil, contiene 500 páginas de "autobiografía intelectual", que los responsables del premio Goncourt lamentaron no poder premiar como mejor libro de ficción en Francia cuando se publicó.
De la filosofía a Brasil
Lévi-Strauss nació el 28 de noviembre de 1908 en Bélgica, en una familia de intelectuales judíos, con padre pintor y abuelo músico, dos influencias centrales en su vida. Creció en Francia; de 1927 a 1932 estudió filosofía en la Sorbona, y luego trabajó como profesor de una escuela secundaria. Desencantado de la filosofía especulativa y teórica, se acercó a la etnología y fue enviado en una misión a Brasil en 1935, donde trabajó como profesor en la Universidad de San Pablo y dirigió varias expediciones etnográficas al Mato Grosso y la Amazonia, entre los indígenas bororo y los nambikwara, que protagonizan la mayoría de sus análisis posteriores.
De regreso en Francia, en las vísperas de la Segunda Guerra Mundial, fue movilizado para ser enlace con las tropas británicas, hasta que en 1941 recibió una invitación de la New School of Social Research, en Nueva York. En esa ciudad se conectó con Roman Jakobson, una influencia decisiva en su pensamiento. Después de la guerra, fue consejero cultural en la embajada francesa en Washington, cumplió misiones en la India y Paquistán para la Unesco, regresó a Francia en 1948 y fue nombrado profesor en la Ecole Pratique de Hautes Etudes. Fue entonces cuando Tristes trópicos lo hizo conocido para el gran público, un reconocimiento que se volvió internacional y se amplió con la publicación de Antropología estructural y su nombramiento en el College de France (1959).
Recién en 1973, sin embargo, entró en la Academia Francesa. En 1985 acompañó al presidente François Miterrand a Brasil, sus colecciones de objetos se expusieron en el Museo del Hombre en 1989 y sus fotografías de Brasil se editaron en 1994.
Premiado en numerosos países y universidades, formó discípulos -como Philippe Descola y Françoise Héritier-, pero fue también fuertemente criticado por contemporáneos y sucesores. Por ejemplo, quienes objetaron sus conclusiones teóricas y no sustentadas por un trabajo de campo sostenido en el tiempo. "¿Por qué no admitirlo? Tempranamente descubrí que era más un hombre de escritorio que de campo", reconoció en una entrevista con Didier Eribon, autor de Conversaciones con Lévi- Strauss , en 1988.
Ya en los años 80, los filósofos posestructuralistas -Foucault, Derrida, Barthes- criticaron su desinterés en la historia y la experiencia.
Se casó tres veces -la última en 1954- y tuvo dos hijos. "El mundo comenzó sin el hombre y terminará sin él", escribió en Tristes trópicos . Una confesión de melancolía que, a tono con el devenir del siglo, signó también su obra.
Nabokov según Amis
El autor de Lolita quiso quemar El original de Laura , su última e inconclusa nouvelle que acaba de ser publicada. Uno de sus grandes admiradores, Martin Amis, despedaza ese texto póstumo y aprovecha para criticar puntos oscuros en la obra de este verdadero genio. Una clase magistral de literatura
El lenguaje lleva una doble vida... y lo mismo le ocurre al novelista. Uno charla con la familia y los amigos, atiende su correspondencia, considera menús y listas de compras, observa signos viales y cosas por el estilo. Después, uno va a su estudio, donde el lenguaje existe de una forma muy diferente... como materia basada en el artificio. Casi todos los escritores, me parece, estarían de acuerdo con la reminiscencia que Vladimir Nabokov (1899-1977) consignó en 1974:
... Consideré a París, con sus días grisáceos y sus noches color carbón, tan sólo como un marco oportuno para los más auténticos y fieles deleites de mi vida: la frase colorida que irrumpía en mi cabeza bajo la llovizna, la página en blanco bajo la lámpara de mi escritorio que me esperaba en mi humilde hogar.
Bien, el deleite creativo es auténtico, sin embargo no es fiel (como casi toda la galería completa de las mujeres ficcionales de Nabokov, el deleite creativo, al final, es sádicamente voluble).
Escribir sigue siendo una tarea muy interesante, pero el destino, o el "malhadado Hado", como lo llama Humbert Humbert, también ha dispuesto un castigo muy interesante. Los escritores tienen una doble vida. Y también mueren dos veces. Ése es el sucio secretito de la literatura moderna. Los escritores mueren dos veces: una vez cuando muere el cuerpo y otra vez cuando muere su talento.
Nabokov había compuesto The Original of Laura, o lo que tenemos del libro, contra el reloj que marcaba su sentencia (una serie de espantosas caídas, después infecciones hospitalarias, después un colapso bronquial). No es "una novela en fragmentos", tal como afirma la cubierta: es inmediatamente reconocible como un cuento largo que se debate por convertirse en novela corta. En esta suntuosa edición, cada página par está en blanco y cada página impar reproduce el manuscrito de Nabokov, con su letra vigorosa y su frágil ortografía ("bycyle", "stomack", "surprize" por bicycle, stomach, surprise), más el texto tipográfico (e infestado de corchetes). Me atrevo a decir que es lindo ver de cerca esas fichas mundialmente famosas, pero en realidad hay muy pocas cosas en Laura... que quedan resonando en la mente. "Los sordos ruidos y estallidos de la aurora habían empezado a sobresaltar la fría ciudad brumosa": en esto escuchamos un eco de la música nabokoviana. Y en lo que sigue atisbamos el cómico e intrépido desdén nabokoviano por nuestra "abyecta corporalidad":
Aborrezco mi vientre, ese baúl lleno de tripas que tengo que cargar conmigo, y todo lo relacionado con él... la comida equivocada, la acidez, el peso plomizo de la constipación, o si no la indigestión con una primera cuota de caliente inmundicia que mana de mí en un baño público...
Por lo demás y en general, Laura... se encuentra a mitad de camino entre la larva y la crisálida (por emplear una metáfora lepidopterológica), y muy lejos de su imago final.
Aparte de una celebratoria acogida de interés en la obra, lo único que conseguirá esto, me temo, es una leve exacerbación de algo que ya es un problema infernal. Es infernal, para mí, porque no cedo ante nadie en mi amor por este enorme genio, extraordinariamente inspirador. Y sin embargo, Nabokov, en su decadencia, obliga incluso a su lector más entusiasta a encarnar el tipo de crítico que él mismo más despreciaba: el vulgar piadoso, "el maligno hurón interesado en lo humano", es decir, el filisteo. No hay casi nada en Laura... que califique como un tema (es decir, como un motivo estructural o al menos recurrente). Pero sí advertimos la aparición de un cierto Hubert H. Hubert (un maloliente inglés que se babea sobre la cama de una preadolescente), advertimos a la vampiresa de 24 años con pechos de 12 años ("el guiño de pálidos pezones y formas firmes"), y también advertimos el febril sueño sobre un amor juvenil ("su pequeño trasero, tan terso, tan luz de luna"). En otras palabras, Laura... se une a El hechicero (1939), Lolita (1955), Ada o el ardor (1970), Cosas transparentes (1972) y ¡Mira los arlequines! (1974) porque resulta imposible ignorar que se vincula con la expoliación sexual de chicas muy jóvenes.
Seis obras narrativas: seis obras narrativas, dos o tal vez tres de las cuales son espectaculares obras maestras. Ustedes admitirán, espero, que el problema infernal es al menos nabokoviano en su complejidad y su cualidad de espinoso. Porque ningún ser humano de la historia del mundo ha hecho tantos para recrear la crueldad, la violencia y la funesta sordidez de este crimen particular. El problema, que acaba por ser estético y no del todo moral, tiene que ver con la íntima malicia de la edad.
La palabra que queremos no es el término legal "pedofilia", que de todas maneras se traduce engañosamente como "cariño por los niños". La palabra que queremos es "ninfolepsia", que no significa exactamente lo que uno cree. Significa "frenesí causado por el deseo de lo inalcanzable" y mi Concise Oxford Dictionary la cataloga correctamente como literaria. Como tal, la ninfolepsia es un tema legítimo y de hecho, casi inevitable para este talento tan singular. "El estilo de Nabokov es en realidad amoroso -observó lúcidamente John Updike-, anhela aferrar una diáfana exactitud entre sus brazos velludos." Sin embargo, en la última etapa de Nabokov, la ninfolepsia se derrumba en su etimología: "del griego numpholeptos, ´secuestrado por ninfas´, a la manera de la epilepsia"; "del griego epilepsia, de epilambanein, ´acceso, ataque´".
Imaginada en la Berlín de la década de 1930 (con la voz de Hitler restallando desde los altoparlantes de las terrazas) y escrita en París (post Kristallnacht, al principio de la frenética huida de Europa de Nabokov), El hechicero es un triunfo despiadado, brillante y casi osmóticamente traducido del ruso por Dmitri Nabokov en 1987, 10 años después de la muerte de su padre. Como relato es logísticamente idéntico a la primera mitad de Lolita: el violador se casará -y quizás asesinará- a la madre y después negociará quedarse con la hija. A diferencia de la imponente Charlotte Haze ("la del noble pezón y enorme muslo"), la viuda sin nombre de El hechicero ya es promisoriamente frágil, con su gran cuerpo deformado por la asimetría causada por las hospitalizaciones y el bisturí de los cirujanos. Y es por eso que su pretendiente rechaza con reticencia la idea de envenenarla: "Además, inevitablemente la abrirán, por pura fuerza de la costumbre".
Se lleva a cabo la boda y también la noche de bodas: "... y resultó perfectamente claro que él (pequeño Gulliver)" sería físicamente incapaz de abordar "esas múltiples cavernas" y "la conformación repulsivamente escorada de su pesada pelvis". Pero "en medio de sus discursos de despedida sobre su migraña", las cosas toman un giro inesperado, "de manera que, después del hecho, quedó atónito al descubrir el cadáver de la giganta milagrosamente vencida y miró la faja de muaré que ocultaba casi totalmente la cicatriz de la mujer".
Pronto la madre está verdaderamente muerta y el hechicero queda solo con su chica de 12 años. "El lobo solitario se preparaba para calzarse la gorra de dormir de la abuelita."
En Lolita, Humbert tiene "extenuantes relaciones sexuales" con su nínfula al menos dos veces al día durante dos años. En El hechicero hay un único deleite... no invasivo, voyeurístico, masturbatorio. En la habitación de hotel, la niña está dormida y desnuda: "él empezó a pasar su varita mágica sobre el cuerpo de ella", midiéndola con "una regla encantada". Ella se despierta, ve "su empinada desnudez" y grita. Con su obsesión reducida ahora a una mancha que se enfría en el impermeable con el que acaba de cubrirse, nuestro hechicero sale huyendo a la calle, tratando de librarse, por cualquier medio, de un mundo "ya visto" y "ya no más necesario". Un tranvía aparece a la vista, chirriando, y bajo
esta creciente, sonriente, megarrugiente masa, este cine instantáneo del descuartizamiento... -eso es, arrástrame, desgarra mi flaqueza- viajo aplanado, sobre mi cara abofeteada... no me hagas pedazos... me estás haciendo jirones, ya basta... Gimnasia en zigzag del relámpago, espectrograma de una fracción de segundo de un trueno... y la película de la vida había reventado.
En términos morales El hechicero es cáusticamente directo. Lolita, por contraste, es delicadamente acumulativa, pero en cuanto al juicio de la abominación de Humbert es, sin dudas, mucho más severa. Dejar esto sentado es necesario para alegar solamente dos puntos esenciales. Primero, el destino de su trágica heroína. No se puede esperar que ningún lector desprevenido advierta que Lolita encuentra un fin terrible en la página dos de la novela que lleva su nombre. "La señora de ?Richard F. Schiller? murió en el parto", dice el "editor" en su prólogo, "al dar a luz a una niña muerta... en Gray Star, una población del más remoto noroeste"; y la novela casi está terminando en el momento en que la señora de Richard F. Schiller (es decir, Lo) aparece brevemente. Así advertimos, en un resuello parentético, el tamaño de la apuesta a la grandeza de Nabokov. "Por curioso que parezca, uno no puede leer un libro -anunció en una oportunidad (dando clase)- sólo puede releerlo." Nabokov sabía que Lolita sería releída y releída. Sabía que él mismo acabaría por absorber el destino de Lolita... su niñez robada, su adultez robada. Gray Star (Estrella Gris), escribió, es "la ciudad capital del libro". Los semitonos cambiantes, estrella gris, pálido fuego, humo letárgico: ése es el quid de Nabokov.
El segundo punto fundamental es la descripción de un sueño recurrente que acosa a Humbert después de la fuga de Lolita (huye con Quilty, cínicamente carnal). También es una prueba de que el estilo, la prosa misma, puede controlar la moralidad. ¿Quién querría hacer algo que lo condenara a sueños como éstos?
... ella acosaba mi sueño pero aparecía allí con disfraces extraños y absurdos como Valeria o Charlotte [sus ex esposas], o una mezcla de las dos. Ese fantasma complejo venía a mí, despojándose de sus prendas una tras otra, en una atmósfera de gran melancolía y repugnancia, y se reclinaba en torpe actitud invitante en algún anaquel estrecho o duro sofá, con sus carnes entreabiertas como la válvula de goma de la cámara de una pelota de fútbol. Me encontraba, con la dentadura postiza rota o perdida sin esperanzas, en horribles piezas amuebladas, donde me recibían con tediosas fiestas de vivisección que generalmente terminaban con Charlotte o Valeria llorando entre mis brazos sangrantes y tiernamente besadas por mis labios fraternos en un confuso sueño de baratijas vienesas subastadas, lástima, impotencia y las pelucas marrones de trágicas ancianas que acababan de morir en la cámara de gas.
Esa frase final, con su clara alusión, nos recuerda la dolorosa y tierna vacilación con la que Nabokov escribió sobre el crimen definitivo del siglo. Su padre, el distinguido estadista liberal (a quien Trotsky detestaba), fue asesinado de un balazo en Berlín por un matón fascista y el hermano homosexual de Nabokov, Sergei, fue asesinado en un campo de concentración nazi ("Qué alegría que estés bien, viva, de buen ánimo", le escribió Nabokov a su hermana Elena, desde Estados Unidos a la Unión Soviética, en noviembre de 1945. "Pobre, pobrecito Seriozha...!"). La esposa de Nabokov, Vera, era judía y por lo tanto, también lo era su hijo (nacido en 1934), y es muy probable que si los Nabokov no hubieran logrado huir de Francia cuando lo hicieron (en mayo de 1940, cuando la Wehrmacht se encontraba a unos 100 kilómetros de París), hubieran formado parte de las veintenas de miles de indeseables que Vichy entregó al Reich.
Hasta donde sé, en su obra de ficción Nabokov escribió sobre el Holocausto tan sólo un párrafo... en el incomparable Pnin (1957). Otras referencias, como la de Lolita, son sesgadas.
Tomemos, por ejemplo, esta demostración de genio en una sola oración del cuento de seis páginas, de descabellada inspiración, llamado "Signos y símbolos" (es una descripción de una matriarca judía):
La tía Rosa, una anciana maniática, angulosa, de ojos desorbitados y temerosos, que había vivido en un trémulo mundo de malas noticias, quiebras, accidentes ferroviarios, tumores cancerosos... hasta que los alemanes la mataron junto con todas las personas por las que se había preocupado.
Pnin va más lejos. Durante una fiesta de emigrados en una casa rural estadounidense, una madame Shpolyanski menciona a su prima, Mira, y le pregunta a Timofey Pnin si se ha enterado de su terrible fin. "Por cierto que sí", responde Pnin. El discreto Timofey se queda sentado solo en la penumbra. Y después Nabokov nos da esto:
Lo que la charlatana madame Shpolyanski había mencionado conjuró la imagen de Mira con inusual potencia. Era perturbador. Sólo en el aislamiento de una dolencia incurable, en la cordura de la proximidad de la muerte, uno podía soportar esto un momento. Para poder existir racionalmente, Pnin se había obligado... a no recordar nunca a Mira Belochkin, no porque... la evocación de un romance juvenil, banal y breve, amenazara su paz mental... sino porque, si uno era sincero con uno mismo, no podía esperarse que subsistiera alguna clase de conciencia, y por lo tanto de razón, en un mundo en el que eran posibles cosas como la muerte de Mira. Uno debía olvidar... porque no podía vivir con la idea de que esta graciosa, frágil, tierna joven, con esos ojos, esa sonrisa, esos jardines y esa nieve como fondo, había sido transportada en un vagón de ganado y ejecutada con una inyección de fenol en el corazón, en ese dulce corazón que uno había escuchado latir bajo sus labios en el crepúsculo del pasado.
Cómo resuena este pasaje con la crucial observación de Primo Levi cuando dice que no podemos, no debemos "entender lo ocurrido", porque "entenderlo" sería "incorporarlo". "Lo ocurrido" fue "no-humano" o "contrahumano", y sigue siendo incomprensible para los seres humanos.
Al relacionar el crimen de Humbert Humbert con la Shoah, y con "aquellos a quienes el viento de la muerte ha dispersado" (Paul Celan), Nabokov nos empuja hasta los límites del universo moral. Como El hechicero, Lolita no tiene fisuras, está intacta y entera. El frenesí del deseo inalcanzable es enfrentado y enmarcado, con estupendo coraje e ingenio. Y allí podría haber quedado el asunto. Pero después vino la crisis del autodominio artístico, tumultuosamente anunciado, en 1970, por la aparición de Ada. Cuando un escritor empieza a descarrilarse, uno espera derrapes y vidrios rotos; en el caso de Nabokov, naturalmente, la erupción tiene la escala de un accidente nuclear.
He leído al menos media docena de novelas de Nabokov al menos media docena de veces. Y al menos media docena de veces he intentado leer Ada (o el ardor: una crónica familiar) y fracasado rápidamente. Mi primer intento fue hace unas tres décadas. Lo dejé después del primer capítulo, con una curiosa sensación, una suerte de hormigueo negativo. Más o menos cada cinco años (eso se convirtió en un esquema regular), volvía a intentar leerla, y al cabo de un tiempo empecé a razonar la dificultad: "Pero esto está muerto", me dije. La curiosa sensación, el cosquilleo negativo, me resulta ahora, por supuesto, desdichadamente familiar: es la respuesta del lector a lo que parece ocurrirles a todos los escritores cuando sobrepasan la expectativa de vida consignada por la Biblia. La irradiación, la capacidad de dar vida, empieza a marchitarse. El verano pasado me fui de viaje con Ada y me encerré con el libro. Y tenía razón. Con 600 páginas, que duplican o triplican la categoría usual en la que Nabokov compite, la novela es lo que los detectives de homicidios llaman un "reventón". Es un cadáver arrojado al agua que se encuentra en la etapa de máxima hinchazón.
En 1939, cuando apareció Finnegans Wake, fue recibido con cauteloso respeto... o con "elogios suscitados por el pánico", según palabras de Jorge Luis Borges. Ada cosechó muchos elogios suscitados por el terror y de hecho, las semejanzas entre las dos óperas magnas son profundas. Nabokov designó al Ulises como su novela del siglo, pero describió a Finnegans Wake como, según la oportunidad, "informe y aburrida", "un libro frío como un pescado", "un trágico fracaso" y "un ladrillo espantoso". Ambas novelas procuran hacer una virtud de la autoindulgencia irrestricta; nos dan la espalda, por así decirlo, y se repliegan en sí mismas. El talento literario tiene diversas maneras de morir. Tanto en el caso de Joyce como en el de Nabokov, vemos una decisiva pérdida de interés por el lector... una pérdida del sentimiento de reciprocidad, de la cortesía. Los placeres de escribir, dijo Nabokov, "corresponden exactamente a los placeres de leer", y las dos actividades son en cierto sentido indivisibles. En Ada, ese lazo se afloja y se debilita.
En Nabokov hay cierta debilidad por lo "patricio", tal como lo denominó Saul Bellow (Nabokov el émigré clásico, Bellow el clásico inmigrante). En las novelas puramente "rusas" del primero (me refiero a las novelas escritos en ruso que no tradujo el propio Nabokov), los personajes masculinos, en particular, tienen una tendencia a magnificarse a sí mismos: son más grandes y más audibles que la vida. No caminan, sino que "marchan" o "dan grandes zancadas"; no comen ni beben, sino que "mastican" y "trasiegan"; no se ríen, sino que "rugen de risa". Están muy lejos de ser los furtivos y vacilantes neurasténicos típicos de la corriente principal de la narrativa anglófona: son musculosos (y dotados) galanes, que ganan todas las peleas y enamoran a todas las chicas. Para ellos, el orgullo no es un pecado capital sino una virtud cardinal. Por supuesto, no podemos prescindir de esta vena de Nabokov: nos da, en otras obras, su magnífica prepotencia cómica. En Lolita, se pretende que esta soberbia cualidad sea divertida, en otras obras, es un rasgo que la ironía no alcanza a proteger.
En Ada el nabobismo (cualidad referida a cualquier hombre importante, influyente o adinerado, un "pez gordo"; nabob es un europeo que hizo fortuna en las colonias, especialmente en India) se combina desastrosamente con una ninfolepsia que es pródiga y monótonamente satisfecha sin mayores problemas. Al principio de la novela, la propia Ada tiene 12 años y Van Veen, su primo (y medio hermano), tiene 14. Cuando Ada crece, en la adolescencia, su hermanita Lucette también está a mano para animar las "vigorosas citas" de ambos. Encima de todo eso, fluye una casi fantasía sobre una cadena internacional de burdeles de elite donde niñas jóvenes, de hasta 11 años, pueden ser "mimadas y mancilladas". Y el padre de Van, de 60 años, (de manera casual, pero típica) tiene una amante que apenas llega a los dos dígitos: tiene 10 años. Este libro interminable está escrito en una prosa densa, erudita, aliterativa, llena de juegos de palabras, que satura; y cada personaje, sin excepción, suena como el difunto Henry James.
Al igual que Finnegans Wake, Ada probablemente "funcione" y "esté a la altura": el decodificador multilingüe, si le dedica tiempo suficiente y no tiene nada mejor que hacer, podría llegar a desenmarañar sus complejos sistemas y simetrías, sus solitarios y engorrosos laberintos, y sus nostalgias pegajosas. Sin embargo, lo que ambas novelas indican claramente es que carecen de cualquier atisbo de tracción narrativa: patinan y se desbarrancan, simplemente no pueden seguir el camino. Y además, en el caso de Ada, hay algo totalmente ajeno, una sensación de monstruosa autorización, de señorío irrestricto y delirante. Moralmente, ése es el mundo que anhelaba el tortuoso Humbert: un mundo en el que "nada importa" y "todo está permitido".
Esto nos lleva a Cosas transparentes (novela a la que incómodamente volveremos) y ¡Mira los arlequines!, así como los más o menos insignificantes volúmenes que estamos revisando. "LATH!" (Look At The Harlequins!), como la llamaba el autor, así como llamaba "TOOL" a The Original of Laura, es el canto de cisne de Nabokov. Tiene algunos estruendos maravillosos y destellos de colores sobrenaturales, pero es duro de oído y de visión reumática; y el tema de la niñita es ahora apenas algo más que un logo... parte del mobiliario de Nabokov, como los espejos, los dobles, el ajedrez, las mariposas. Hay una visita a un motel llamado Lolita Lodge, hay una breve imitación de Dumbert Dumbert. Más centralmente, el narrador, Vadim Vadimovich, se encuentra repentina y solitariamente a cargo de su hija a quien ha visto raramente, Bel, quien, inexorablemente tiene 12 años.
Ahora bien, ¿dónde nos lleva este hilo?
Todavía estaba delirantemente feliz, sin ver aún nada malo o peligroso, o absurdo o directamente anormal, en la relación entre mi hija y yo. Salvo por unos pocos e insignificantes errores -unas pocas gotas calientes de ternura rebalsada, un jadeo disfrazado por la tos y cosas por el estilo-, mi relación con ella siguió siendo esencialmente inocente.
Bien, la deprimente respuesta es que este hilo narrativo no nos lleva a ninguna parte. La única repercusión, temática o no, es que Vadim termina casándose con una de las condiscípulas de Bel, 43 años menor que él. Y eso es todo.
Entre la histérica Ada y la tambaleante ¡Mira los arlequines! llega la siniestra y bellamente melancólica novela breve Cosas transparentes: la redención de Nabokov. Nuestro héroe, Hugh Person, un editor estadounidense que no se graduó en la universidad, es un adorable inadaptado y perdedor sexual, como Timofey Pnin (Pnin cena regularmente en un restaurante llamado El huevo y nosotros, que frecuenta exclusivamente por "simpatía con el fracaso"). Cuatro visitas a Suiza proporcionan los pilares de esta experta narrativa breve, mientras Hugh corteja tímidamente a una coqueta exasperante, Armande, y también vigila a un envejecido, corpulento, decadente y adusto novelista erudito llamado "Mr. R".
Se dice que Mr. R. ha seducido a su hijastra (una amiga de Armande) cuando era pequeña, o en cualquier caso, menor de edad. Así, el tema ninfoléptico planea sobre el relato y está reforzado, en una escena extraordinaria, por la revelación de los anhelos latentes de Hugh. Un inepto penoso, con una libido traicionera (falta de erección y eyaculaciones precoces caracterizan su "mediocre potencia"), Hugh va de visita a la residencia de Armande y la madre de ella lo distrae, mientras espera, con algunas fotos familiares. Se topa con una foto de Armande desnuda, a los 10 años:
El visitante construyó una pila de álbums para ocultar la llama de su interés... y volvió varias veces a las fotos de la pequeña Armande en el baño, apretando contra su reluciente estómago un juguete probóscide de goma, o de pie, mostrando los hoyuelos del trasero, para que la enjabonaran. Otra revelación de suavidad impúber (su línea media apenas discernible de las brizna de hierba menos vertical que la flanqueaba) fue proporcionada por una foto en la que ella aparecía sentada en cueros sobre el césped, peinándose su cabello desteñido por el sol y abriendo ampliamente, en falso perspectiva, las adorables piernas de una giganta.
Escuchó en la planta alta el ruido de la descarga de un inodoro y con una mueca culpable cerró de un manotazo el gordo álbum. Su retráctil corazón se retiró de mala gana, sus latidos se aquietaron...
Al principio este fragmento parece escandalosamente anómalo. Pero luego recordamos que los pensamientos inconscientes de Hugh, sus sueños, sus insomnios ("la noche es siempre un gigante") están saturados de temores inexpresables:
No podía creer que las personas decentes tuvieran esa clase de pesadillas obscenas y absurdas que destruían sus noches y persistían como un temblor durante el día. Ni los relatos de malos sueños que le contaban sus amigos, ni los relatos de los casos de los libros freudianos sobre los sueños, con sus hilarantes interpretaciones, presentaban nada semejante a la compleja inmundicia de su experiencia de casi todas las noches.
Hugh se casa con Armande y después, años más tarde, la estrangula mientras está dormido. De manera que es posible que Nabokov identifique el impulso pedófilo con una incitación a la violencia y a la autoaniquilación. La agitación subliminal de Hugh Person produce una venganza terrible, en su decurso patético y en aislamiento (la cárcel, el manicomio), y exige la purgación final: se quema hasta morir en uno de los incendios más deslumbrantes de toda la literatura. El hotel en llamas:
Ahora las llamas subían por la escalera, en pares, en tríos, en fila de pieles rojas, de la mano, lengua tras lengua, conversando y canturreando alegremente. No fue, sin embargo, el calor de su crepitación, sino el acre humo oscuro lo que hizo que Person volviera a entrar en su habitación; perdóname, dijo una cortés llamita que mantuvo abierta la puerta que él pugnaba vanamente por cerrar. La ventana se golpeó con tal fuerza que sus vidrios se astillaron en un torrente de rubíes... Finalmente la sofocación lo hizo intentar salir para bajar escalando la pared, pero no había cornisas ni balcones de ese lado de la casa ardiente. Cuando llegó a la ventana, una larga llama rematada por una punta de color lavanda danzó ante él para detenerlo con un gracioso gesto de su mano enguantada. Los tabiques divisorios de yeso y madera, al derrumbarse, permitieron que los gritos humanos llegaran hasta él, y una de sus últimas ideas equivocadas fue que eran los gritos de las personas ansiosas de ayudarlo y no los alaridos de sus compañeros de infortunio.
Por sí solas, El hechicero, Lolita y Cosas transparentes podrían haber constituido una luminosa y desconcertante trilogía. Pero no quedaron solas; por el puro peso numérico, por la pura repetición, las novelas sobre la ninfolepsia empiezan a contagiarse entre sí... sufren de contaminación cruzada. Con gratitud tomamos de ellas todo lo que podemos, pero... ¿En qué otro lugar del canon encontramos una fijación tan rebelde? ¿En la espantosa comezón de Lawrence, tal vez, o en las turbias transposiciones sexuales de Proust? No, uno debe aventurarse hasta los márgenes de la literatura -Lewis Carroll, William Burroughs, el marqués de Sade- para encontrar un énfasis equivalente: un énfasis puesto sobre actividades que correcta y eternamente consideramos imperdonables.
En la ficción, por supuesto, nadie sufre daño alguno; la falla, como dije, no es moral sino estética. Y no pretendo insinuar nada al señalar que la obsesión de Nabokov con las nínfulas tiene un paralelo: la repetitiva indiscreción de su obsesión con Freud ("el vulgar mundo, raído, fundamentalmente medieval" del "charlatán de Viena", con "sus resentidos embrioncitos espiando, desde sus recovecos naturales, la vida amorosa de sus padres"). Nabokov atesoraba la anarquía de la vida interior y Freud es vilipendiado porque procuró sistematizarla. ¿Hay algo de rivalidad en este odio? Bueno, a fin de cuentas es Nabokov, y no Freud, quien emerge como nuestro poeta supremo de los sueños (junto con Kafka) y como nuestro supremo poeta de la locura. Pero persiste un reparo producto del sentido común, pese a toda nuestra imparcialidad literaria y crítica: a los escritores les gusta escribir sobre las cosas en las que les gusta pensar. Y, para decirlo de la manera más dura, la mente de Nabokov, durante la última etapa de su vida, no honró suficientemente la inocencia -no honró suficientemente el honor- de las chicas de 12 años. En las tres novelas que acabamos de mencionar defiende con prepotencia su énfasis; en Ada (ese derroche incontinente), en ¡Mira los arlequines! y ahora en The Original of Laura, no lo defiende. Eso deja una leve pero visible cicatriz sobre el leviatán de su obra.
"Bien, soyons raisonnable", dice Quilty, mirando fijo el caño del revólver de Humbert. "Sólo me infligirá una horrible herida y después se pudrirá en la cárcel mientras yo me recupero en algún lugar tropical." Muy bien, seamos razonables. En su libro sobre Updike, Nicholson Baker alude a un orden de logro literario que denomina "Prousto-Nabokoviano". Sí, Prousto-Nabokoviano o Joyceo-Borgeano o, para los estadounidenses, Jameso-Belloviano. Y es en el estamento más alto donde Vladimir Nabokov ocupa tranquilamente su lugar.
Lolita, Pnin, Desesperación (traducida por el autor al inglés en 1966), y cuatro o cinco cuentos son inmortales. Rey, dama, valet (1928, 1968), Risa en la oscuridad (1932, 1936), El hechicero, El ojo (1930), Barra siniestra (1947), Pálido fuego (1962) y Cosas transparentes son libros ferozmente logrados; y Mashenka (1925), su primera novela, es una pequeña belleza.
Curso de literatura europea (1980), Curso de literatura rusa (1981) y Curso sobre el Quijote (1983), junto con Opiniones contundentes (1973) constituyen un brillante registro de un preeminente artista-crítico. Y las Selected Letters (1989), la correspondencia Nabokov-Wilson (1979) y ese fuego fatuo que es su autobiografía, Habla, memoria (1967) nos ofrecen un retrato en cuatro dimensiones de un hombre encantador y honorable. El vicio que Nabokov denostaba con mayor frecuencia era la "crueldad". Y su naturaleza amable queda claramente plasmada en la amorosa atención con la que escribe, en su ficción, sobre los animales. En un minuto se me ocurre nombrar el gato de Rey, dama, valet (que se lava con una pata trasera levantada como un garrote al hombro), los encantadores perros y monos de Lolita, la ardilla de cola oscura y la inolvidable hormiga de Pnin, y el murciélago enfermo de Pálido fuego... que se arrastra como "un inválido con un paraguas roto".
Le dicen "chispa"... un destello, un brillo, un centelleo. La esencia nabokoviana es una inestabilidad milagrosamente fértil, en la que sin advertencia las palabras se distancian de lo cotidiano y se alejan como centellas en el cielo de la noche, iluminando ocultas verstas de deseo y terror. De Lolita, cuando empieza la aciaga cohabitación (nous connûmes, un matiz flaubertiano, significa "llegamos a conocer"):
Nous connûmes los diversos tipos de conserjes de moteles, el criminal reformado, el maestro retirado, el empresario fracasado, entre los hombres; y las variantes maternal, dama y madama entre las mujeres. Y a veces los trenes pitaban en la noche monstruosamente calurosa y húmeda con un desgarrador y ominoso sonido plañidero, que mezclaba el poder y la histeria en un único aullido desesperado.
© MARTIN AMIS, 2009
"El cruce de los Andes"
“El Futuro ya llegó” -Escribe Oscar Martinez

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“El futuro llegó hace rato” (ª)
En nuestra Provincia asistimos perplejos a una problemática ambiental de dimensiones aún desconocidas. Los Departamentos 9 de Julio, Vera y General Obligado, entre otros, sufren de una intensa sequía que lleva más de tres años y que no sólo arruinó cultivos, sino que también arrasó con gran parte de la producción ganadera, hasta el punto de hacer peligrar la subsistencia de ese recurso.
A esto se suma que, según reportes del Servicio Meteorológico Nacional (SMN) y del Instituto Nacional del Agua (INA), se pronostica una crecida del río Paraná, como consecuencia de las lluvias que se están produciendo en la hermana República del Brasil. Dicha situación obliga a retirar de la zona de islas unas 250 mil cabezas de ganado bovino y trasladarlas a otros campos de la zona donde no hay ni pasto ni agua.
Podemos afirmar que la falta de visibilidad de la problemática ambiental, sumada a la ausencia de políticas públicas provinciales que consideren el impacto de las decisiones sobre este aspecto, es al menos corresponsable de esta situación de extrema gravedad. No puede considerarse inocuo el impacto que han generado decisiones como la canalización de los bajos submeridionales, la ausencia de diques de retardo, o el deficiente tratamiento de los residuos urbanos sólidos en la región desaprovechando la biomasa como vía para la generación de energía, entre otras tantas decisiones desacertadas, que han puesto en juego la salud de nuestra población.
En las pasadas semanas tuve oportunidad de asistir a una de las charlas que brindó el ex vicepresidente de los Estados Unidos y ex candidato a Presidente del mismo país, Al Gore, quien obtuviera el premio Nóbel de la Paz en virtud de su posición sobre el cambio climático en el mundo. Muchas de sus aseveraciones adquieren sentido y son escalofriantemente ciertas, en regiones como la nuestra, que sufren las consecuencias de ese cambio año a año. Este disertante, al que debemos reconocerle tener información de calidad, nos manifestaba que los 10 años más calurosos del siglo se han dado en los últimos 19 años. Es urgente trasmitir que a partir de los años 80, las temperaturas oceánicas no dejan de subir y se originan allí más tifones y huracanes, a punto tal que en las últimas décadas han crecido un 50 % en presencia y en intensidad. Obviamente ello implica más inundaciones, por la sencilla razón de que existe mayor evaporación y por tanto más lluvias. Hechos como el de Tartagal son síntomas que lamentablemente se repiten y volverán a reiterarse. Pero en otras regiones también se sufren grandes sequías, porque la mayor temperatura evapora las aguas superficiales y extrae la humedad de la tierra. Ejemplos de este efecto en el mundo existen por cantidad. Pero la situación no solo nos impacta con sequías e inundaciones sino también produciendo o reeditando enfermedades que parecían extinguidas, o generando aún nuevas pandemias. Los problemas de dengue y malaria o zoonosis como las garrapatas, ya son partes de nuestra nueva realidad. En las Islas Maldivas están pensando trasladar el país, porque tenderá a desaparecer bajo las aguas, y hace unos pocos días sus gobernantes impactaron al mundo teniendo allí una reunión de gabinete submarina, buscando generar conciencia.
La demanda por el crecimiento poblacional crece y ello exige la generación de más energía, generando mayor presión sobre el medio ambiente. Esta semana el jefe de la Agencia Internacional de la Energía se oponía al nuevo régimen de ayudas a la industria del carbón en España, que obviamente va en contra del Tratado de Kioto.
En la provincia de Santa Fe es necesario entender que debemos enfrentar los problemas con otra cabeza, que nuestros desafíos reales están vinculados a hechos concretos, que nos impactan pero que aún pareciera ser que no nos conmueven. Actuamos como la rana que por ir hirviéndose de a poco no reacciona. Nuestra concepción de que existe otra forma de hacer las cosas, nos exige compatibilizar desarrollo con protección del medio ambiente. Para entender la urgencia de esta necesidad basta con preguntarle a los productores de carne del norte de la provincia. Debemos abordar los temas importantes y abandonar las naderías, tenemos que mirar más alto y olvidar el ombligo de cada uno, como lo hicieron esos jóvenes ingenieros en sistemas que cita Al Gore como ejemplo, que fueron capaces de anunciar casi una década antes de que aconteciera, que el hombre estaba en condiciones de alunizar.
El otro día leía con atención una entrevista a Juan Manuel Díaz, un joven de la ciudad de Rosario, que es uno de los diseñadores estrellas de la marca Alfa Romeo, en Italia. Al finalizar la nota, ante la pregunta del periodista sobre cómo ve al país desde Italia, el joven manifestó algo que me llamó poderosamente la atención. Dijo textualmente: “Creo que hay una crisis de líderes políticos terrible. Yo sigo viendo la misma gente que aborrecí a los 20 años”.
Nosotros estamos convencidos de que la generación de nuevos lideres no significa tanto cambiar a las personas, o las caras, no significa tanto cambiar la edad de la dirigencia, sino lograr cambiar sus objetivos y su accionar.
El futuro llegó -como dice el título- hace rato; y debemos ahora trabajar para solucionar nuevos y viejos problemas, destinando todo nuestro potencial a concretar acciones concretas que ayuden al desarrollo continuo y en paz que merece nuestro pueblo.
Aunque algunos todavía no lo entiendan, no podemos esperar más: el futuro es ahora y este es nuestro desafío porque éste es nuestro tiempo.
Dr. Oscar Ariel Martinez
(ª) Frase de la canción “Todo un palo” de Patricio Rey y los Redonditos de Ricota.
Nota de redaccion: el grupo musical y lider son oriundos de La Plata, mientras que la letra es de Beilinson - Solari
EXPLORANDO LOS EXTREMOS
LOS PREMIOS NOBEL, UN ANTICIPO DE LOS GRANDES NEGOCIOS BIOTECNOLOGICOS DEL FUTURO.
En 2006, los premios Nobel de Química y Medicina estuvieron vinculados con una misma temática: el ARN de interferencia. En 2009, se galardonaron investigaciones relacionadas con los telómeros y la producción proteica en los ribosomas. Estos términos técnicos tal vez no tengan significado para el gran público. Sin embargo, tras ellos se oculta un fabuloso negocio biotecnológico que podría acercar a la humanidad al "elixir de la vida eterna"...
Por Alberto D'Andrea
Alfred B. Nobel integró su creatividad química con una especial habilidad para concebir grandes negocios.
En 1862, con sólo 30 años, fundó una fábrica de nitroglicerina en Estocolmo. Tres años después, otras dos. En 1867, descubrió la dinamita e introdujo una importante cantidad de establecimientos dedicados a esa industria en toda Europa y los Estados Unidos.
Gracias a sus negocios, Nobel acumuló gran riqueza. Al morir dejó una parte de su fortuna para crear el premio que hoy lleva su nombre, un galardón destinado a quienes realicen desarrollos o inventos en beneficio de la humanidad.
Desde entonces, muchos de los temas premiados (fundamentalmente en química, medicina y física) han anunciado importantes emprendimientos económicos, en plazos cada vez más cortos desde la premiación a su consolidación comercial.
Un caso del pasado: el Nobel de 1984 y los anticuerpos monoclonales
Entre 1973 y 1975, César Milstein y George Köhler desarrollaron los denominados "anticuerpos monoclonales", orientados a la detección y curación de numerosas enfermedades. Por este trabajo, ganaron el Premio Nobel en 1984.
En un comienzo, la comunidad científica fue indiferente al tema. No obstante, en 1987, la venta de productos fabricados con esta tecnología ya alcanzaba los 130 millones de dólares. En 1990, superaba los 2.000 millones. En 2007, las ventas de anticuerpos monoclonales treparon a 26.000 millones y probablemente superen los 50.000 millones en el 2013.
Este tipo de anticuerpos, dirigidos mayoritariamente al tratamiento del cáncer y la artritis, constituye hoy más del 25% de todos los productos terapéuticos en desarrollo.
El Nobel de 2006 y el ARNi
Un observador atento habrá notado que, en 2006, los Premios Nobel de Medicina y Química estuvieron orientados a una misma temática: el ARN de interferencia (ARNi).
Es probable que el gran público no comprenda la magnitud de este aporte. No obstante, para los directivos de compañías farmacéuticas se abren las puertas de un importante negocio biotecnológico.
Para comprender el galardón y lo que podría significar en términos de nuevos productos, es necesario introducir algunos conceptos técnicos.
La información contenida en el ADN se transfiere al mARN (mensajero ARN). Fuera del núcleo, la información del mensajero se traduce en la formación de una proteína.
Ahora bien, si somos capaces de identificar la proteína relacionada con determinada enfermedad, podremos diseñar, mediante herramientas biotecnológicas, el ARNi de modo de bloquear la formación de la proteína, silenciando específicamente el producto del gen sin entrar en el genoma. Así, podríamos evitar que la enfermedad llegue a manifestarse en el organismo.
Un novedoso y fabuloso negocio biofarmaceútico.
El Nobel 2009 y el elixir de la juventud eterna
En 2009, el Nobel podría estar anticipando una vez más un fantástico negocio biotecnológico. En el rubro Medicina, se ha galardonado a los descubridores de los telómeros y de la telomerasa.
Si bien esto no dice mucho a una persona sin conocimientos técnicos, aquí podría encontrarse la llave del triunfo en la lucha contra el cáncer y el secreto de la "juventud eterna".
Al final de cada cromosoma existen secuencias de ADN denominadas "telómeros". Cada vez que una célula se divide, pierde una pequeña parte de sus telómeros.
Cuando alcanza el límite de 50 divisiones, el telómero es sólo un minúsculo fragmento. Así, la célula ya no puede dividirse más, alcanza la vejez y entra en declive hasta su muerte.
No obstante, en la naturaleza existen algunas células inmortales: las células cancerosas. Éstas tienen la capacidad de duplicarse incesantemente, generación tras generación, con un número de divisiones prácticamente interminable.
¿Cuál es el secreto de su vida eterna? La telomerasa. Cuando un fragmento del telómero se pierde a causa de una división celular, la telomerasa lo restituye evitando su reducción y, en última instancia, la muerte de la célula.
Y esto abre las puertas a dos líneas de investigación que pueden revolucionar el negocio farmacéutico del futuro.
Por un lado, si luego de cada división celular pudiéramos encontrar la forma de reparar el telómero, estaríamos en presencia de la primera terapia de rejuvenecimiento con base científica de la historia. De hecho, esto es algo que ya se logró en cultivos celulares in vitro.
Por otro lado, si en los procesos cancerígenos pudiéramos anular la producción local de telomerasa, las células cancerígenas dejarían de ser inmortales y se comportarían como las usuales, perdiendo su supremacía a largo plazo.
Y esto es algo que podría lograrse gracias a los aportes de los ganadores del Nobel de 2006, a través de un ARNi específico bloqueante del ARN mensajero productor de telomerasa.
Este proceso ocurre en el ribosoma, una verdadera fábrica de producción de proteínas. No por nada el Premio Nobel de Química 2009 se otorgó concordantemente al estudio detallado a nivel molecular de la producción proteica en los ribosomas.
De esta forma, el tándem de Premios Nobel 2006 y 2009 en Química y en Medicina cierra el circuito del conocimiento necesario para incursionar desde el tratamiento altamente específico de enfermedades como el cáncer hasta para la posibilidad real del rejuvenecimiento celular, proyectándonos a los bionegocios del futuro vinculados con la más anhelada quimera humana: la longevidad.
Alberto D'Andrea
Director de la Licenciatura en Biotecnología de UADE
PRENSA OBRERA…
Podría buscarse una conexión no forzada entre las crónicas que dieron forma a Operación Masacre, de Rodolfo Walsh, publicadas por primera vez en el diario Revolución Nacional y la revista Mayoría, y los periódicos gremiales que se publicaron a partir de 1898? Quizá sí y la respuesta está en la necesidad, en ambos casos, de romper la barrera de la desinformación. O de generar canales de información alternativos. Una herramienta –como explica Mirta Zaida Lobato, historiadora, profesora e investigadora en la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA, en La prensa obrera. Buenos Aires y Montevideo, 1890-1958 –, para construir las identidades de los trabajadores, en especial los de oficios, que se organizaron hacia fines del siglo XIX. Un medio para conseguir, entre otras reivindicaciones, mejores condiciones de trabajo. Es que, sostiene Lobato en su investigación, "la aparición, desarrollo y transformación de las organizaciones gremiales y sus voceros –diarios y periódicos– estuvo fuertemente relacionada con las profundas modificaciones provocadas por la expansión del capitalismo tanto en la Argentina como en el Uruguay".
"¡Bandera de combate, foco de luz que irradia cerebros, ala amparadora de todo dolor! Eso es nuestro periódico". Así se postulaba "El pintor", publicado en Buenos Aires en octubre de 1912. La ilustración y el conocimiento fueron dos de los motores que traccionaron la prensa obrera. Es decir, no sólo era importante que el obrero fuera un trabajador dedicado y honesto, dispuesto a organizarse con sus compañeros alrededor de la idea del bienestar social. Estos periódicos abogaban por una formación integral. "Ilustrarse y conocer fue un binomio clave en la propuesta de comunicación de los gremios porque consideraban que el conocimiento era imprescindible para cambiar la situación de las clases laboriosas", dice Lobato. Y agrega: "Pensaban que la jornada laboral debía ser de ocho horas, que los salarios tenían que ser suficientes para sostener a las familias, que la educación y la capacitación eran soportes fundamentales de la dignidad de las personas, que las mujeres tenían que ganar igual que los hombres en tareas similares, que el alcohol o el juego embrutecían a las personas. La idea parece estar impregnada de optimismo, pero no aparece como irrealizable en el momento de su formulación. Incluso hubo ejemplos que hoy se consideran históricos, como la Revolución Rusa, que alimentaban esas esperanzas".
Sólido, bien documentado, La prensa obrera describe a los diarios y periódicos obreros "organizados en dos partes bien definidas. En una se presentaba el debate de ideas, en la otra el eje estaba constituido por la información sobre nuevas organizaciones y movimientos de protestas". De distintas tiradas y periodicidad –en algunos casos podía tratarse de sólo 200 ejemplares de una hoja– aquellas publicaciones tenían un tono épico, una mirada hacia un futuro que, organización de los trabajadores mediante, sería mucho mejor que el presente. Algunos aludían claramente a la pertenencia a determinada actividad: "El obrero peluquero", "El trabajador de la carne" o "El ferroviario". Y en el caso de las federaciones sindicales los nombres eran más contundentes, como "Tribuna proletaria". En cuanto a los enfoques ideológicos (las organizaciones podían ser anarquistas, comunistas, socialistas) dice Lobato a Ñ : "Lo que muestra la prensa obrera de la primera mitad del siglo XX es una asombrosa uniformidad de los recursos que utilizaban para comunicar las noticias relacionadas con el mundo del trabajo. Las diferencias eran políticas e ideológicas y los debates se referían a cuestiones generales de organización (centralismo y federalismo), a los métodos de lucha (huelgas generales y parciales, boicot, sabotaje) y a las posturas frente a las coyunturas políticas generales".
Aunque algunos, en un número muy menor, después fueron famosos periodistas, quienes editaban la prensa eran en una gran mayoría obreros que, como parte de su militancia, trabajaban para "enseñar, educar, iluminar y organizar a los trabajadores, difundir las ideas de justicia y cambio social y transformar a la sociedad. Debe entenderse que no eran profesionales en el sentido actual del término en el que una persona busca y trata la información ya sea de manera escrita, oral, visual o gráfica y que por ello cobra dinero. Los obreros-periodistas no recibían un salario por buscar la nota, hacer el periódico, financiarlo y distribuirlo", dice Lobato.
Este libro es el relato de una experiencia decisiva, la historia de una prensa que no sólo informaba; también formaba. La investigación de Lobato confirma a la prensa obrera como un actor social.
fuente: revista eñe, de Clarin.
Titulos
El filósofo en la mesa de montaje
El rescate de Tifus (Edhasa), un guión de Jean-Paul Sartre que nunca se filmó, revela una faceta poco conocida del autor francés
Encarnación definitiva del intelectual comprometido, el francés Jean-Paul Sartre (1905-1980) fungió, durante varios tramos de su vida, como una suerte de voluntarioso hombre-orquesta del siglo XX. Acometió cada empresa con la confianza de que cualquier terreno sería fructífero para el despliegue de su personalidad: la filosofía, la narrativa, el teatro, pero también las páginas de Les Temps Modernes, la revista que fundó en la posguerra con Maurice Merleau-Ponty y de la que fue duradera alma máter. En el debe de esa pasión totalizadora hay, sin embargo, fracasos y también amores no correspondidos: entre estos últimos, el cine ocupa el primer lugar.
La publicación en español de Tifus -olvidado guión cinematográfico que Arlette Elkaïm-Sartre, la hija adoptiva del escritor, exhumó de la Biblioteca Nacional francesa- permite atestiguar una vez más las sufridas relaciones que muchos escritores de la época mantuvieron con la industria fílmica. La literatura había marcado a fuego, gracias a D. W. Griffith, la narrativa dominante de las películas, pero, en un movimiento inverso, la nueva gramática promovida por las imágenes reformuló la tarea de los novelistas. Manhattan Transfer (1925), del estadounidense John Dos Passos, y la escritura blanca de El extranjero (1942), de Albert Camus, son dos ejemplos evidentes de un influjo que también dio lugar -como refleja el caso de Sartre- a malentendidos diversos.
Sartre fue un entusiasta temprano del séptimo arte (en uno de los volúmenes de Situaciones recuerda esa pasión juvenil) y un optimista militante sobre su función social (en la Francia ocupada, defendió esa tesis en artículos periodísticos). Sorprendía a sus colaboradores por su capacidad para pensar en imágenes: "Por primera vez me encontraba con un dialoguista -recuerda el guionista Nino Frank, con quien trabajó en diversos proyectos- que veía por planos y no por escenas... que escribía un diálogo muy conciso, muy preciso; sorprendentemente instintivo y, por tanto, cinematográfico".
Fue su amigo, el cineasta Jean Delannoy, quien propuso en 1943 su nombre a Pathé, cuando la conocida casa productora, adelantándose a un posible fin de la guerra, había decidido encargar argumentos originales a distintos escritores. Sartre no era todavía el autor reconocido ni el intelectual influyente en que se convertiría. Trabajaba como profesor de filosofía en el Liceo Condorcet. Había publicado ya La náusea y los relatos de El muro, que cosecharon un círculo restringido de admiradores; acababa de editar El ser y la nada, el voluminoso tratado que impulsaría el existencialismo, y de estrenar Las moscas, una primera y ambigua obra de teatro contra la que la censura nazi no opuso reparos excesivos.
El contrato con Pathé fue para el escritor -como cuenta Annie Cohen-Solal en la voluminosa biografía que le dedica- una bendición: le dio la oportunidad de salir de la precaria situación en que se encontraba, en una ciudad sometida por el racionamiento, y le permitió ocuparse, al mismo tiempo, de proyectos por completo disímiles. Los resultados no tardarían en desilusionarlo: acostumbrado al trabajo en solitario y a la pedagogía filosófica, encontró que la dinámica del trabajo en colaboración obligaba a concesiones permanentes. Planeó una película sobre la Resistencia (que terminó siendo rechazada), coescribió La suerte está echada (que sería filmada por Delannoy tras el fin de la guerra) y tuvo tiempo, también, de elaborar Tifus, el guión en que más puso de sí mismo.
Durante el mismo período en que Albert Camus escribía La peste, su vasta y discutida alegoría existencialista, Sartre imaginó un argumento igual de claustrofóbico en el que podría poner en acción sus ideas sobre el compromiso y la soledad radical del individuo. Tifus transcurre en Malasia, entonces bajo protectorado británico, y sigue los pasos de una epidemia que va tomando los cuerpos y, pronto también, las conciencias. Mientras la población local se entrega a sus rituales, interesada sólo en escapar de los controles del gobierno colonial, los personajes de origen europeo se hunden progresivamente en la degradación y la ignominia. Una cantante de cabaret, Nellie, y un vagabundo alcohólico, George, que prefiere mimetizarse con los nativos, son los dos personajes sobre los que recaerá el peso moral de la película.
"Estoy harto de este guión -le confesó el escritor a Nino Frank, después de la enésima reunión para pulir el texto-. Dejémoslo correr. Lo importante es rodarlo." El director Delannoy, un eficaz artesano del medio, sugirió cambios y recortes destinados al gran público que, sin duda, quedaron incorporados en la versión que da a conocer el libro. Con su paisaje asiático y sus golpes de efecto, Tifus resulta un producto híbrido al que Sartre difícilmente suscribiría, pero que despierta curiosidad: recuerda un argumento de Graham Greene pasado por el tamiz de Hollywood. La película no se rodaría nunca. Esa frustración llevaría a Sartre a rechazar cualquier conexión con Los orgullosos (1953), una película de Yves Allégret que, inspirada en Tifus, modifica sustancialmente la localización y la historia. Como recuerda Elkaïm-Sartre, aquella película sólo copia con relativa fidelidad la "escena del oso", en la que el personaje interpretado por Gérard Phillipe se ve obligado a bailar al ritmo de un látigo.
Tras la experiencia en Pathé, Sartre se concentraría en su obra dramatúrgica, un arte en el que perseveró, como él mismo reconocía, en razón de su éxito. Sólo esporádicamente volvería a incursionar en la escritura de guiones. Realizó una adaptación de Las brujas de Salem, de Arthur Miller (filmada en 1955 por Raymond Rouleau), y, más tarde, fue protagonista de una de las colaboraciones más insólitas del cine: a fines de esa década John Huston lo contrató para escribir una película sobre Sigmund Freud. Al director norteamericano le divertía la idea de encargarle semejante tema a un marxista antifreudiano, además de poder contar con una firma prestigiosa por una cifra modesta (25.000 dólares, en comparación con el salario de un profesional de Hollywood, era, según parece, una ganga). Huston tuvo su castigo: Sartre le entregó un guión elefantiásico, plagado de anotaciones técnicas, que, según los cálculos del director, demandaría al menos cinco horas. Conminado a reelaborarlo, entregó uno más extenso todavía. Huston, como era de prever, derivó el mamotreto a profesionales de confianza que lo pasaron por las tijeras. Sartre se negaría a figurar en los créditos de la cinta protagonizada por un insólito Montgomery Clift con barba. La leyenda dice que, incluso, nunca llegó a verla. Es posible que, a su manera, el escritor francés haya montando una venganza: refractario a la dinámica del medio, equivocadamente convencido de que el autor del guión es su propietario absoluto, dio forma a una materia imposible de filmar, a una película imaginaria que sólo podía desembocar en un libro. Freud, el guión, se publicó en los años ochenta, de forma póstuma, con la sola firma de Sartre.
autores
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luzdeciudad
- SEMINARIO DE TANGO EN RECONQUISTA
- ASOCIACIÓN SANTAFESINA DE ESCRITORES
- Actividad en el Museo Municipal de Artes Visuales
- Actividad cultural en la ciudad.
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- Talleres con Raúl Kreig
- LOS COROS EN JORNADAS
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- Teatro de Humor en el primer “Ciclos en Marechal”
Los medios, atentos a los nuevos paradigmas de la era digital.
Laura Casanovas
LA NACION
La irrupción de los nuevos medios en el mundo de la comunicación y el caso particular de Internet generan a la prensa desafíos a cada instante, muchos de ellos inéditos. Desde sus formas de gerenciamiento hasta las competencias que demandan a los periodistas y desde el vínculo que establecen con las audiencias hasta la ética que involucran.
Estos fueron algunos de los temas que se debatieron ayer en la tercera jornada de la 65a. Asamblea General de la Sociedad Interamericana de Prensa (SIP), con la participación de especialistas del ámbito universitario y periodístico de la región, y durante las cuales se instaló como denominador común la expresión "cambio de paradigma".
Durante el seminario sobre "Las nuevas competencias gerenciales en el mundo de los nuevos medios", que moderó Miguel Wiñazki, director periodístico de la Maestría en Periodismo de Clarín , se habló acerca de cómo gerenciar el cambio, de distintas modalidades para cobrar por los contenidos y de las características de las nuevas generaciones que constituyen el público de un futuro que ya llegó.
Mike Smith, del Media Management Center de la Universidad de Northwestern, de Illinois, enumeró una serie de competencias que hoy demandan los nuevos medios: generar estrategias multipantallas para llegar al consumidor donde se encuentre; narrar historias completas, es decir, que incluyan la palabra, el video, la fotografía desde un diseño claro y sencillo; desarrollar habilidades empresariales para generar nuevos ingresos y públicos.
También se refirió a la importancia de crear comunidades. Al respecto, mencionó que la generación que tiene entre 8 y 18 años, conocida en los Estados Unidos como generación "M" (por media), está tan "socializada con las nuevas tecnologías" que sus miembros son ellos mismos "generadores de medios". El especialista advirtió, sin embargo, que la necesidad de estas competencias no reemplaza las habilidades tradicionales del periodista porque "la gente necesita una voz clara".
Claudio A. Jacquelin, secretario de Redacción de LA NACION y profesor de la Universidad Torcuato Di Tella, destacó que "la mejor habilidad gerencial es saber gerenciar el cambio" y contó la experiencia seguida por LA NACION en el proceso de transformación de las plataformas de las ediciones en papel y online y la integración de áreas.
Señaló que es necesario crear una "organización que sea capaz de aprender y de enseñar" y también "sepa cómo desaprender algunos paradigmas" porque "vivimos tiempos de transformación".
Como ejemplo, Jacquelin mencionó la apertura de la página web del diario a la participación de los lectores, sin moderación previa, que "expuso a situaciones críticas pero también dejó aprendizajes". Y subrayó la importancia de asumir que "los nuevos paradigmas están abiertos para todos".
Ernesto Gore, de la Universidad de San Andrés, hizo notar una paradoja en la irrupción de los nuevos medios: "Hay más información disponible, más canales para acceder, pero también una disminución de la diversidad de historias que los distintos medios proveen".
Drew Davis, director ejecutivo del American Press Institute, de Virginia, se refirió a estrategias de cobro de contenidos vinculadas con el comportamiento y el perfil del público. Por ejemplo, la modalidad de suscripción para los lectores más leales y, para los eventuales, el cobro por nota o el pase de un solo día.
Para que el contenido pago tenga éxito, recomendó "ir más allá de lo que sale publicado en el periódico impreso". E indicó que es fundamental abordar el tema desde el punto de vista del usuario, con el fin de que se genere un valor agregado que aquél decida pagar.
ELVIRA ORPHÉE: RETRATO DE UNA REBELDIA
BENITO POSTOGNA: La solvencia de un grande.

benito postogna
lo que busca la gente hoy
Victoria & Albert Museum inaugura diez espectaculares salas.
La reforma dedicada al Medioevo y el Renacimiento costó 49,5 millones de dólares y ocupa toda un ala del edificio, en tres niveles.
LONDRES (EFE).- El museo Victoria & Albert de Londres inaugura este miércoles sus nuevas salas del Medioevo y el Renacimiento, que contienen auténticos tesoros de un fascinante período de la historia del arte y la cultura de Europa que abarca desde el año 300 de nuestra era hasta el siglo XVI.
Tras una reforma que ha costado 33 millones de euros (49,5 millones de dólares), la apertura de las diez salas, que ocupan toda un ala del edificio en tres niveles, representa la culminación de la primera fase de un ambicioso plan de modernización del museo, uno de los más importantes en su género: las artes, incluidas las aplicadas, de todo el mundo.
Los objetos expuestos se han ordenado cronológicamente a la vez que por temas: Religión e Imperios, Auge del Gótico, Vida Aristocrática, Artes e Ideas en el Renacimiento, el Estudio del Sabio, Donatello y su entorno, un Mundo de Mercancías, Lujo y Sociedad, la Ciudad Renacentista y, finalmente, Vivir con el Pasado.
El Victoria & Albert se precia de la más importante colección de escultura del Renacimiento italiano fuera de Italia, incluido un importantísimo grupo de obras del gran Donatello, lo que explica que el museo le dedique toda una sala junto a algunos de sus contemporáneos y continuadores.
Destacan por su belleza un relieve titulado "La Ascensión con Cristo entregando las llaves a San Pedro", la llamada "Chellini Madonna", un exquisito tondo (relieve de forma circular) que regaló el artista a su médico, Giovanni Chellini, ambos de Donatello, y sendas Vírgenes con Niño de Agustino di Duccio y Carlo Crivelli.
Unos maravillosos grupos de "tondi" en terracota vitrificada que muestran las labores propias de los doce meses del año, se exponen de forma que evocan el espacio original para el que fueron creados por Luca della Robbia : el estudio del banquero y mecenas florentino Piero de Medici.
El museo posee también cinco cuadernos de Leonardo da Vinci, tan pequeños que caben en la palma de la mano y que muestran el enorme abanico de sus intereses de sabio renacentista como su fascinación por la naturaleza y sus secretos.
En la sala dedicada al Arte y las Ideas del Renacimiento se puede admirar asimismo un pequeñísimo modelo en cera que creó Miguel Ángel para uno de los famosos esclavos en mármol destinados al sepulcro del Papa Julio II, pieza rarísima dado que el artista destruyó muchos de esos modelos.
Tiene asimismo gran importancia para la historia del arte un retrato de dama de Sandro Botticelli (entre 1470-80) ya que es uno de los primeros ejemplos del retrato de tres cuartos en Italia, a la vez que cabe destacar la energía que transmite el "Jinete que grita", de Andrea Riccio.
Otra sala reúne obras de gran escala que formaron una vez parte de edificios renacentistas, entre ellos iglesias, como la elegante capilla de Santa Chiara, único ejemplo de arquitectura renacentista florentina que puede verse fuera de Italia, o una pieza arquitectónica y escultórica espectacular que separaba el coro de la catedral de San Juan, en la ciudad holandesa de ´s-Hertogenbosch.
Otros objetos entre los muchos destacables como obras maestras del arte medieval son un cofrecillo de Limoges (Francia) del que se dice que guardó en su día las reliquias de santo Tomás Becket, asesinado en 1170, con escenas de su muerte y sepelio, o algunos de los bellísimos vitrales de la capilla de la Sainte-Chapelle y de la abadía parisina de St. Germain.
Parte de un díptico, el llamado "panel Symmachi", un preciso relieve de marfil que muestra a una sacerdotisa de perfil con su joven ayudante ante un altar, documenta la influencia del arte tardorromano en el medieval.
Otra pieza excepcional es la portada de los evangelios de Lorsch (c. 800), una de las mayores portadas de libro en marfil que se conservan de la corte de Carlomagno y que se inspira en relieves bizantinos anteriores.
Algunos de los objetos exhibidos proceden de la importante colección de textiles del museo, y entre ellos cabe destacar los únicos tapices del siglo XV dedicados a escenas de caza que han llegado a nuestros días y el llamado tapiz de Troya por representar escenas de esa guerra.
En el recorrido por las distintas salas, el visitante va encontrándose cruces y estandartes procesionales de distintas épocas, mosaicos bizantinos, capiteles románicos de fantástica ornamentación, delicados objetos con motivos religiosos de marfil o esmalte, cerámicas, ventanas de edificios civiles del románico, armaduras, así como bellísimas esculturas, bajorrelieves y pinturas del mejor Renacimiento.
Y todo ello exhibido con esmero, aprovechando siempre que es posible sin dañar las obras la luz natural cenital, y con un acompañamiento de pantallas digitales que informan sobre las obras, su proceso de producción y la época en la que fueron creadas.
Joaquín Rábago
Tributo a la obra de Thays, hacedor de la belleza y el verde de Buenos Aires.
Solía decir que la felicidad anida más en la nobleza de un bosque que en el lujo sin verde. Por eso introdujo el savoir- faire francés en la geografía local, y con ímpetu fundacional hizo suyo el desvelo de grandeza de la generación del 80. Como el gran humanista que fue, pensó y construyó para el futuro, a partir de un arte vivo: el del jardín, que concibió para todos, sin distinción de clases, aclimatando la flora del norte y nordeste del país.
Ese es el legado de Jules Charles Thays (1849-1934), el urbanista y paisajista francés que en Buenos Aires acriolló su nombre como Cárlos (así, con la a acentuada). Para apreciar su obra basta recorrer los 70 parques de la ciudad que llevan su impronta: el parque Tres de Febrero, Centenario, Lezama, plaza Francia, Plaza de Mayo, Barrancas de Belgrano y hasta el exuberante Jardín Botánico.
Su condición de visionario se evidencia en la gran muestra que el Centro Cultural Recoleta le dedica, hasta el 6 de diciembre, con la dirección de Sonia Berjman. Más que un tributo, es una clase magistral de la prédica urbanística de Thays, que en 1900 fraguó el concepto de que las ciudades respiran por los pulmones de sus parques y de que hace a la "divina proporción" de las urbes la simetría entre espacios verdes, cemento y población.
Hacedor de belleza, Thays dotó a Buenos Aires de un arbolado urbano de 150.000 ejemplares que rotan su floración durante todo el año. Un estudiado y sincronizado arco iris vegetal a partir de interminables hileras de tipas, jacarandás, ceibos, lapachos y palos borrachos como nobles custodios de la ciudad. Noviembre en Buenos Aires es, quizá, su mejor regalo: el estruendo violáceo de los jacarandás en flor; el perfume de los jazmines en días templados; la alfombra lila de pétalos caídos y estampados en las veredas, y el bermellón furioso de la flor del ceibo. Todo "madurado" al mismo tiempo, como una antológica orquesta floral y verde.
En los 22 años que Thays fue director de Paseos cumplió con todo lo que soñó y prometió a la ciudad. Accedió al cargo en 1891 por concurso, tras esbozar un ambicioso plan maestro paisajístico. Desde que proyectó en Córdoba el parque Crisol (hoy, Sarmiento), diseñó en todo el país 100 parques y jardines públicos, 50 jardines de estancias, otros tantos en residencias y dejó su huella indeleble en las calles curvas de Palermo Chico.
Perfecta amalgama
Subyugado por la monumental escala geográfica y la biodiversidad del país, Thays introdujo el estilo mixto de jardín, que amalgama la racionalidad geométrica francesa con el pintoresquismo inglés de sinuosidades verdes, siempre acompañado por el uso del agua en esculturas, fuentes, estanques y lagos. La reformulación de la Plaza de Mayo junto al primer pulmón axial de la ciudad, el parque Centenario, engruesan su faena paisajística.
Explica Berjman de este "espíritu ilustrado e inspirado": "Fue el empleado público que cumplió con creces su labor. Además, traía consigo las especies del interior del país que luego adaptaba al inclemente clima porteño. Fruto de esos viajes es el Jardín Botánico, que, cimentado entre 1892 y 1898, se ubicaba entonces como el número uno del mundo".
A los 42 años, Thays se casó con la argentina Cora Venturini. Con su primer descendiente, Carlos León, se inició la fecunda tradición de los Thays paisajistas, que llega hasta hoy a través de sus choznos, Carlos Thays (IV) y Carlos Thays (V).
Ambientalista en el 1900, su faena se extendió a Chile, Uruguay, Perú y Brasil. Thays exportó la idea del parque nacional a Francia: inspirado en el Yellowstone, de los EE.UU, en 1900 el Gobierno le encargó un estudio de factibilidad de parque nacional, que ideó para Iguazú, aun antes de que el perito Moreno donara las leguas para la creación del Nahuel Huapi.
Como urbanista introdujo el concepto de la ciudad-jardín del inglés Ebenezer Howard, con la proyección de Palermo Chico, sus calles curvas, llenas de sorpresas. "El verde de las ciudades del país se lo debemos a él -dice Berjman-. Trabajaba para todo el mundo: hacía la plaza barrial y el parque para la elite. Bajo su tutela, el espacio público adquirió una trascendencia que no tenía. Por eso, si hoy recorriera los espacios públicos de la ciudad diría «Vamos a trabajar»."
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EL ARTE LATINOAMERICANO TIENE UN LUGAR EN NUEVA YORK
NUEVA YORK.- Si no fuera que el Metropolitan Pavillion queda en la calle 18, entre la 6» y la 7» avenidas, en pleno corazón de Chelsea, se diría que la apertura de Pinta era un vernissage porteño. Al desembarco argentino se sumaron ayer presencias clave como la coleccionista Estrellita Brodsky, la influyente curadora Cecilia Fajardo y el profesor Edward Sullivan, de la Universidad de Nueva York.
Esta es la mejor edición desde el inicio de la feria, en 2007, por la estrategia de organizadores y galeristas empeñados en fortalecer el perfil de lo que ya puede llamarse "nuevo arte latinoamericano", una línea estética que es heredera de la tradición de Torres, de la abstracción de Lygia Clark, del cinético Jesús Soto, de las grafías de León Ferrari y del arte conceptual; una visión lejana al cliché folk y costumbrista que condenó durante décadas a nuestros artistas a una suerte de gueto pintoresquista.
Los organizadores celebraban anoche la presencia de más de 2000 personas, un éxito en todos los frentes en una ciudad donde la adrenalina inunda las agendas con múltiples inauguraciones en la cadena de galerías y museos que va del Soho al Upper East Side. Tim Burton en el MoMA, Anish Kapoor en el Guggenheim y Bronzino en el Metropolitan son algunas de las muestras en cartelera del otoño neoyorquino.
Precios en alza
Diego Costa Peuser, Mauro Herlitzka y Alejandro Zaia, los tres mosqueteros de esta intrépida aventura llamada Pinta, tienen hoy motivos para celebrar. El Museo Tamayo, los curadores de la Tate Modern de Londres y un grupo de coleccionistas brasileños empezaron con las compras antes de que la feria abriera sus puertas. Herlitzka -que además de coleccionista y miembro del board de la Frick Collection, fue presidente de arteBA y es vicepresidente del Malba- está seguro de que Pinta ha dado en la tecla al potenciar las posibilidades del mercado latino. "La comunidad hispana es fuertísima en Nueva York. Es un sector del arte que va a subir los precios en forma proporcional a la difusión y legitimación de las nuevas expresiones y esto es lo que está ocurriendo", explicó en uno de los pasillos de la feria montada con criterio minimalista.
Las galería Dan y Baro de San Pablo, Cecilia de Torres, Diana Lowenstein, Alexandra von Hartz y Sicart, con una deslumbrante instalación de Nicola Costantino, se llevan los favores del público. Gianni Campochiaro siempre se las ingenia para conseguir piezas de calidad, como en este caso obras de Torroja, Mac Entyre y un acrílico de Polesello.
El posicionamiento del arte argentino en el exterior cuenta con nuevos animadores, como el ex coleccionista y hoy galerista Ignacio Liprandi, presente con una selección de dibujos sobre papel de Tomás Espina, que ha dejado la pólvora por el grafito y el contenido beligerante por una visión de corte narrativo. María Noel fue la primera en despuntar las ventas con sus trabajos informalistas de gran aceptación en Pinta. Por los pasillos de la feria caminaban anoche, animados y en permanente cotilleo, Marta Minujín, Rafael Bueno, Juan José Cambre y Darío Escobar, artista homenajeado de esta edición; los coleccionistas Alejandro Corres, Jacobo Fiterman, Magdalena Cordero, Teresa Bulgheroni, Erika Roberts y Alberto Sendrós, y Ana Sokolov, que fue directora del Departamento de Arte latino de Christie´s, hoy tiene su propia consultora y es la responsable de la curaduría general de Pinta.
Entusiasmado con la buena estrella de esta feria, el ministro de Cultura porteño, Hernán Lombardi, impulsó la presencia de un stand de la ciudad de Buenos Aires dedicado al videoarte, curado por Rodrigo Alonso. Pinta cierre el domingo, pero el proyecto de los organizadores es dar un nuevo paso en su estrategia de difusión: el año próximo Pinta tendrá su primera edición en Londres.
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CONFLICTOS DE INTERES
Escribe Nora Bär
En ciencia, como en todo lo demás, no faltan las modas. Al fin y al cabo, "el científico también es un ser humano", como asegura Pablo Kreimer un poco en broma pero también muy en serio en su última obra editada por Siglo XXI. Un día están "de moda" las "neuronas espejo", los investigadores las encuentran ¡hasta en la sopa! (diría Mafalda), y meses o años más tarde la atención se dirige hacia costas más sólidas del conocimiento.
Y lo mismo ocurre con el papel que la ciencia cumple en el conjunto de la sociedad: están quienes la quisieran alejada de todo fin práctico y quienes sólo la justifican si puede aplicarse en productos y tecnologías "que sirvan". De allí que las brasas de la controversia entre ciencia pura y aplicada (que muchos otros consideran ficticia) no se apaguen.
Un reciente informe elaborado por la organización de Científicos para la Responsabilidad Global (SGR, según sus siglas en inglés), de Gran Bretaña, sobre los sesgos que introducen la influencia de la industria y los intereses económicos en la investigación científica, vuelve a tirar leña al fuego. El trabajo analizó el impacto de la industria en la ciencia y la tecnología de los últimos 20 años y encontró evidencias de "problemas preocupantes". Según Stuart Parkinson y Chris Langley, dos de los autores, que comentan sus conclusiones en la revista New Scientist , la presión por obtener provecho de las investigaciones alteró el escenario de la investigación [en el hemisferio norte]. Las universidades fueron impulsadas a adoptar una visión más comercial, comenzaron a priorizar investigaciones que prometen ganancias a corto plazo y los profesores fueron incapaces de mantener su independencia.
Parkinson y Langley afirman, además, que esta situación crea las condiciones para que se presenten importantes conflictos de interés e incluso llevan a los investigadores a abstenerse de publicar resultados desfavorables para el financiador. También los grupos de pacientes sostenidos por la industria cumplirían un rol, cuando menos, poco claro, según este trabajo. La SGR ve con inquietud que, como consecuencia, pierda terreno el desarrollo de tecnologías de baja complejidad, "más económicas y más útiles" para los más pobres.
Por supuesto, suponer que el único objetivo de la investigación es el rédito económico a corto plazo sería tener una visión más que miope de su real significado. (Así lo demostró la experiencia de países que apostaron todo al desarrollo tecnológico y se toparon con un "techo de cristal".) Pero no faltan los suspicaces que afirman que los países desarrollados promueven la vuelta a lo natural y las tecnologías de baja complejidad para mantener a los emergentes en la dependencia. También en esto pueden existir conflictos de interés...
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Richard Serra, un artista de acero, cumple 70
El autor de numerosas obras escultóricas gigantes de metal, en Europa y América, celebra su cumpleaños número 70
NUEVA YORK (dpa).- Más de una vez Richard Serra trastornó al público. En 1979 el escultor estadounidense emplazó en la ciudad alemana de Bochum su enorme monumento de acero "Terminal" en una isla de tráfico de modo tal, que los tranvías apenas podían seguir pasando sin rozarlo. Para la Documenta 8 en 1987 convirtió el paseo peatonal de Kassel en un callejón sin salida de acero. Y en Nueva York la protesta llegó a tal extremo que una noche desconocidos dejaron sobre su escultura un cartel con el mensaje "Kill Serra".
Entretanto el polémico artista ha alcanzado una edad en la que percibe que se le adjudica una opinión unánime, de elogio. El lunes 2 de noviembre festeja su cumpleaños 70. Con sus inmensas esculturas de acero que parecen no obstante flotar, es considerado uno de los escultores más importantes del presente.
"Tengo una cierta tozudez, una cierta obstinación, que me han traído dificultades, pero que asimismo una y otra vez me han ayudado a salir", dijo en cierta ocasión.
Particularmente escandalosa fue la retirada, en 1998, del artista de origen judío del concurso para el monumento al Holocausto de Berlín. Después de que su diseño, concebido en conjunto con el arquitecto estadounidense Peter Eisenman y basado en un primer momento en 4.000 lápidas, tuviera que ser sometido a una revisión adicional, Serra rescindió sorpresivamente su colaboración.
Inaugurado en 2005 en las cercanías del antiguo despacho de Adolf Hitler, el monumento se construyó sin su participación, de acuerdo al así llamado diseño Eisenman-II. El proyecto se habría convertido en una "parodia", declaró Serra luego.
Él no cree que uno pueda aproximarse al Holocausto a través de la plástica y símbolos. "La gente no quiere que un monumento enorme delante de sus narices le haga acordarse, día a día, de su culpa por haber asesinado a seis millones de judíos europeos".
Serra mantuvo, no obstante, una relación estrecha con Alemania, ya que la mayoría de sus esculturas son fabricadas en naves industriales germanas, a menudo en Renania del Norte-Westfalia. Pues el artista es, como él mismo dice, un "modelista de maquetas".
En su casa de Nueva York, donde vive con su mujer Clara, o en su taller en la isla canadiense Cape Breton, arma manualmente en chapa de plomo flexible, usando una escala de 1:12, los modelos que tras un costoso cálculo por ordenador y su realización, finalmente son colocados en las plazas abiertas de todo el mundo.
Su trabajo más conocido es la voluminosa instalación "The matter of time", que consiste en siete esculturas gigantes de acero ubicadas en el Museo Guggenheim de Bilbao. Es considerada una de las obras más grandes y, con un costo de 20 millones de dólares (13 millones de euros), más caras en la historia de la escultura moderna.
En sus transitables elipses, espirales y formas de serpiente, Serra plasmó en 2005 de modo cabal su idea de forma y contenido. "El observador, que explora el espacio, se vuelve sujeto. Si no entras en la obra e interactúas con ella, no tiene contenido. El tema eres tú".
Nacido en 1939 en San Francisco de una madre ruso-judía y un padre español, Serra empezó a mediados de los 60 en Nueva York a experimentar con goma y plomo. Luego se dedicaría al acero, un material con el que ya había juntado experiencia como trabajador en una fábrica de acero durante su época de estudiante. Al mismo tiempo, ahondó en las técnicas del cine y el video y llegó a reunir una extensa obra gráfica.
En Nueva York, su patria por elección, el Museo de Arte Moderno (MoMA) dedicó en 2007 a su famoso hijo una extensa retrospectiva. De hecho, la nueva ala del museo, estrenada tres años antes, había sido expresamente planeada para que sus nuevas salas pudieran soportar una exposición de Serra de cientos de toneladas de peso.
No obstante, a día de hoy el escultor permanece aún ofendido con la ciudad, debido a que en 1989 se removió y desguazó "Tilted Arc", una pieza gigante de 36 metros de largo, tras una reñida disputa de un año. "No creo que el arte tenga la obligación de gustar".
KATEB YACINE, EL ETERNO PERTURBADOR
De las palabras que practican la lucha
El escritor argelino Kateb Yacine, fallecido hace ya veinte años, sigue teniendo cierta popularidad en su país de origen, donde se le acaba de dedicar un coloquio internacional. Símbolo de la revuelta contra todas las formas de injusticia, este poeta permanece como el emblema de una conciencia insumisa, determinada a soñar, pensar y actuar de pie.
“El verdadero poeta, incluso en una corriente progresista, debe manifestar sus desacuerdos. Si no se expresa plenamente, se ahoga: ésa es su función. Él hace su revolución en el interior de la revolución política; es, en el seno mismo de la perturbación, ese eterno perturbador. Su drama reside en ser puesto al servicio de una lucha revolucionaria, a él, que no puede ni debe transar con las apariencias fugaces. El poeta es la revolución en estado puro, el movimiento mismo de la vida en una incesante explosión” (1).
Kateb Yacine, novelista y dramaturgo visionario, considerado el fundador de la literatura argelina moderna por su novela Nedjma (Estrella), era ante todo un poeta rebelde. Veinte años después de su desaparición, ocupa en Argelia “el lugar del mito; como en todas las sociedades, no necesariamente se conoce su obra, pero él está inscripto en las idiosincrasias y en el discurso social” (2), y permanece como una de las figuras a la vez más importantes y reveladoras de la historia franco-argelina.
Kateb –palabra que significa “escritor” en árabe– nació en una familia culta perteneciente a la tribu de los Keblut, de la tierra del Nador (en el Este argelino). El 8 de mayo de 1945, cuando aún no había cumplido los 16 años, participó en los levantamientos populares por la independencia de Constantina. Luego de una represión, que provocó cerca de 45.000 muertes, fue detenido en Sétif y encarcelado durante tres meses. Su madre, por quien él sentía un profundo apego –la que lo había iniciado en la tradición oral y en la poesía– se hundió en la locura. Esa fecha, el 8 de mayo, marcó para siempre la existencia, el compromiso y la escritura de Kateb.
En septiembre de ese mismo año, en Annaba, el joven se enamoró perdidamente de una de sus primas, Zoulheikha. Ella inspiraría Nedjma, una obra fundacional escrita en francés, que sacudiría por completo la escritura magrebí. Se trata de una historia metafórica en la que cuatro jóvenes –Rachid, Lakhdar, Mourad y Mustapha– gravitan en torno a Nedjma, en busca de un amor imposible y una reconciliación con su tierra natal y los ancestros. La muchacha, bella e inaccesible, simboliza también la Argelia que resiste sin cesar a sus invasores, desde los romanos hasta los franceses. En el centro de la obra –pluridimensional y polifónica– se halla la cuestión de la identidad, tanto de los personajes como la de una nación.
Nedjma se convertiría en una referencia permanente en la obra de Kateb, amplificada en particular en El polígono estrellado, pero también en su teatro (El círculo de las represalias) y su poesía. Para Moa Abaid, un actor que lo admiraba, Kateb era “un director genial, cercano a la realidad, que trabajó verdaderamente en la construcción del personaje para hablar en público sin camuflaje ni maquillaje. Su utilización de la metáfora y la alegoría no es un rodeo, dado que siempre dijo en voz alta lo que pensaba, sino que proviene del patrimonio cultural árabe-musulmán”.
La vida misma de Kateb fue tan libre y libertaria, tan indolente y provocadora, tan indescifrable y deslumbrante como su obra. Militó con toda su alma por la independencia, primero en el Partido Popular Argelino y luego en el Partido Comunista. Se comprometió ante todo con “los condenados de la tierra”, cuyos combates hacía oír afanosamente: “Para llegar al horizonte del mundo se debe hablar de Palestina y recordar Vietnam, pasando por el Magreb”.
Un “poder explosivo”
Exiliado en 1951, vivió en una extrema precariedad hasta el final de la guerra de la independencia (1954-1962), sobre todo en Francia, acosado por la Dirección de Vigilancia del Territorio (DST, por sus siglas en francés) y sin dejar de viajar. Yacine volvió a Argelia tras el levantamiento terrible y eufórico de 1962, pero enseguida se desilusionó. Allí se sentía “un marciano”, y emprendió un segundo período de viajes –Moscú, Hanoi, Damasco, Nueva York, El Cairo–. “En realidad, nunca creí que la independencia fuera el fin de las dificultades; sabía bien que iba a ser muy difícil.”
Cuando decidió instalarse más permanentemente en Argelia en 1970, abandonó la escritura en francés y se lanzó a una experiencia teatral en lengua dialectal, cuyo tono está marcado por Mohamed toma tu maleta, una obra de culto. Fundador de la Acción Cultural de los Trabajadores (ACT), montó sus obras en los sitios más apartados e improbables: fábricas, cuarteles, hangares, estadios, plazas públicas... con medios muy simples y minimalistas –los actores se visten en escena e interpretan muchos personajes–, empleando el canto y la música como elementos de ritmo y respiración.
“Cuando escribía novelas o poesía me sentía frustrado porque no podía llegar a más de unas pocas decenas de miles de francófonos, mientras que en el teatro hemos llegado en cinco años a casi un millón de espectadores. (...) Estoy en contra de la idea de llegar a Argelia mediante el árabe clásico, porque ésa ya no es la lengua del pueblo; quiero poder dirigirme al pueblo entero, aun cuando se trate de iletrados; quiero tener acceso al gran público, no sólo a los jóvenes, y el gran público incluye a los analfabetos. Hay que hacer una verdadera revolución cultural” (3).
El compromiso político de Kateb determinó fundamentalmente sus elecciones estéticas: “Nuestro teatro es un teatro de combate; en la lucha de clases no se eligen las armas. El teatro es nuestra arma. No puede ser discurso; representamos ante el pueblo lo que el pueblo ha vivido, mezclamos mil experiencias en una sola, lo llevamos más lejos y eso es todo. Somos aprendices de la vida” (4). Para él, sólo la poesía puede dar cuenta de ello, porque es el centro de todas las cosas; la juzga “verdaderamente esencial en la expresión del hombre”. La poesía, con sus imágenes y sus símbolos, abre otra dimensión. “No es ya la abstracción desesperante de una poesía replegada sobre sí misma, reducida a la impotencia, sino todo lo contrario (...). En cualquier caso, confío en [su] poder explosivo, tanto como en los medios conscientes del teatro, del lenguaje controlado, bien manejado” (5).
Un “poder explosivo” que él utilizó en El cadáver cercado, obra cuyo relato gira en torno a la jornada mortal del 8 de mayo de 1945, con el saqueo de tres ciudades del Este argelino –Guelma, Jerrata y Sétif– por parte de las fuerzas coloniales, y que constituye el vínculo entre la historia individual y la historia colectiva.
Yacine atravesó el proceso de la colonización y el neocolonialismo, pero también el de la dictadura post-independencia que no dejó de expoliar al pueblo. Luchaba en todos los frentes, denunciando con violencia el fanatismo árabe-islamista, y decía que había que “revolucionar la revolución”.
Aunque consideraba el francés como un “botín de guerra”, también se levantó contra la política de arabización y reivindicó el árabe dialectal y el tamazight (berebere) como lenguas nacionales. Kateb apodaba a los islámicos conservadores “Hermanos monumentos”, y llamaba a la emancipación de las mujeres, que según él eran actrices y portadoras de la historia: “Siempre me impactó la cuestión de las mujeres argelinas en la historia. Desde mi más tierna infancia me ha parecido primordial. Todo lo que he vivido, todo lo que he hecho hasta el presente tuvo a mi madre por fuente primera (...). Cuando se trata sobre todo de la lengua, cuando se trata del despertar de una conciencia, es la madre la que hace pronunciar las primeras palabras al niño, es ella quien construye su mundo” (6).
La amplitud y la radicalidad de su crítica le valieron tantas pasiones como enemistades. Kateb Yacine, que hoy en día es objeto de todas las apropiaciones –para bien y para mal–, sigue siendo el “eterno perturbador” y, como Nedjma, la Estrella inaccesible, o al menos irreducible.
1 Entrevista con Jean-Marie Serreau, en Le Poète comme un boxeur, Seuil, París, 1994.
2 Benamar Mediene, profesor de la Universidad y autor de Kateb Yacine, le cœur entre les dents, prólogo de Gilles Perrault y Robert Laffont, París, 2006.
3 Entrevista con Abdelkader Djeghloul, Actualité de l’inmigration, Nº 72, París, enero de 1987.
4 Colette Godard, “Le théâtre algérien de Kateb Yacine”, Le Monde, París, 11-9-1975.
5 Kateb Yacine, “Pourquoi j’ai écrit Le Cadavre encerclé”, France-Observateur, París, 1958.
6 Entrevista con El Hassar Benali, en Parce que c’est une femme, Editions des Femmes -Antoinette Fouque, París, 2004.
por Marina Da Silva
Periodista.
Traducción: Mariana Saúl
desde Alemania
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La invención de lo real
En el corredor cultural San Telmo-Monserrat, tres muestras coinciden en proponer un relato del mundo desde múltiples perspectivas y cuestionar la oposición entre verdadero y falso.
Es por la imaginación -la potencia incandescente del arte- que somos capaces de adentrarnos en territorios inexplorados. Sin arte, la vida sería una insistencia en lo mismo. Como no existe una forma única de inventar mundos, el arte apuesta con desenfreno a la diversidad. En el campo de la invención se pueden seguir varios caminos, incluso contradictorios, al mismo tiempo: el arte no es monoteísta.
En el contexto argentino, uno de los ejemplos más claros de un artista multifacético es León Ferrari (1920). Desde hace seis décadas viene produciendo una obra sumamente diversa, tanto por los soportes con los que trabaja como por los propósitos que, en cada caso, guían su creación. Fosforescencia es una muestra antológica que reúne más de 80 obras, casi todas inéditas, que abarcan medio siglo de labor. Esta muestra, curada por Paloma Zamorano (una de sus nietas), se centra en parte de su obra abstracta: la que insiste con tenacidad en los lujos secretos de la línea. Lujos que se manifiestan cuando se enrosca, cuando traza grafías -legibles e ilegibles- o cuando se enciende en luz y parece cobrar vida para salir del soporte hacia el mundo de lo cotidiano.
A punto de entrar en su novena década, Ferrari se mantiene en contacto fecundo con la producción de los más jóvenes, en algunas de cuyas muestras colectivas participa habitualmente. De ese frecuente diálogo con las nuevas tendencias surgen obras de forma contemporánea pero que tienen una clara impronta clásica, fruto de su espíritu renacentista; se las ve tan fulgurantes como los trabajos de los más lúcidos de los emergentes y, a la vez, tan sabias como los bronces de Brancussi o las telas de Manet.
La muestra actual reúne trabajos realizados en los años 60 y obras producidas hace un mes: hay en ella esculturas de ramas secas, dibujos sobre telgopor o sobre papel, trabajos con alambres o con poliuretano expandido, backlights e impresos coloreados. A la gran diversidad de los soportes le corresponde una variedad de los temas, aunque recurra a las líneas, las fosforescencias y las escrituras. De diferentes maneras, Ferrari está escribiendo desde hace décadas un extenso poema de amor a la vida.
Es un poema a la vez críptico y luminoso. Críptico porque funciona como un flash estroboscópico, que durante una milésima de segundo nos deja vislumbrar una forma y luego, en los intervalos oscuros, desmaterializa la obra que, sin embargo, sigue estando frente a nosotros. Es luminoso porque no esconde nada. Ferrari no transmite un mensaje cerrado, sino que nos invita a interrogarnos. No se trata de la luz cegadora que viene de arriba y borra toda diferencia, sino de los destellos tenues que trazan el contorno difuminado de la alegría.
En el mismo corredor cultural San Telmo-Monserrat hay otras dos muestras que, con estilo y sustancia completamente diferentes, aportan al mismo espíritu de la muestra de Ferrari: la invención de lo real. Se trata de La patria segura del instinto, fotografías de Alejandro Tosso, y de Híper Súper Mini (esculturas realizadas en conjunto por Cotelito, Lino Divas, Andrés Aizicovich y Ana Montecucco).
Tosso presenta una serie de imágenes intervenidas digitalmente que rescata, y a la vez ironiza, sobre los comienzos de la historia de la fotografía. A diferencia de los fotógrafos del siglo XIX que trataban de imitar el impresionismo (porque lo consideraban "artístico"), Tosso parte de fotos fallidas y las transforma en microrrelatos visuales, informados por el imaginario mítico que transmitieron los simbolistas franceses, los prerrafaelistas británicos (por ejemplo, en Narciso) o los primeros realistas argentinos (como De la Cárcova o Sívori, en Recién despierta). Las imágenes, que semejan una mezcla de kitsch con claroscuro barroco, dibujan un nuevo relato del mundo en el que la oposición entre real e imaginario, verdadero y falso, fallido y logrado ya no significa demasiado ni importa mucho. No se trata de crear un mundo del más allá, sino de hacer que nuestro mundo muestre sus múltiples rostros.
Las esculturas de Híper Súper Mini fueron realizadas en conjunto por Cotelito, Divas, Aizicovich y Montecucco (algunos de los más prometedores artistas emergentes de este momento, en especial Cotelito). De ese monstruo de ocho manos y cuatro cabezas surgen cinco obras que por su coherencia parecen fruto de una sola mente. En estos trabajos, bajo un manto trash -aunque prolijo, casi pop, como las esculturas blandas de Claes Oldenburg- vive un alma psicodélica que pone en evidencia el costado siniestro de algunas frases que usan como eslóganes las grandes cadenas de negocios. Con materiales tan simples, endebles y efímeros como el cartón, la cola y la pintura, este circunstancial colectivo de artistas funciona en una frecuencia de onda poética descarnada e irónica, que remite al cine gore o a los primeros discos de los Stooges. Una risa sarcástica como el relámpago que ilumina momentáneamente el cielo oscuro de un mundo en ruinas.
William Koski: la justicia debe generar cambios sociales.
Laura Di Marco
Para LA NACION
"La Justicia puede y debe generar cambios sociales cuando la política y los políticos se muestran impotentes o, simplemente, no están dispuestos a impulsarlos", sostiene el abogado y doctor en Educación William Koski. Docente e investigador en la Universidad de Stanford, en Palo Alto, California, Koski visitó la Argentina para compartir la experiencia de los activistas civiles norteamericanos que procuran la igualdad de oportunidades educativas; por ejemplo, la posibilidad de que los chicos más vulnerables puedan tener una educación completa.
"Barack Obama es descendiente directo de este movimiento, que cree que se puede y se debe usar la Justicia para terminar con la discriminación y generar cambios en la sociedad cuando los canales políticos están cerrados", dice.
A los 41 años, este activista por los derechos civiles, que viene de una familia de maestros, parece inspirado
en aquel abogado idealista que encarnaba Al Pacino en Justicia para todos , una película icónica de la década del setenta, que reflejaban los claroscuros de la Justicia norteamericana. "La comunidad siempre piensa en grandes manifestaciones para reclamar; sin embargo, hay un espacio importante en las Cortes para promover cambios", insiste.
Viajó a la Argentina invitado por la Asociación por los Derechos Civiles (ADC) y ofreció dos conferencias, en la Universidad de San Andrés y en la UBA. "En California, el Estado de donde provengo, empieza a haber cierta conciencia de que la educación de los chicos vulnerables es la clave para el progreso de todos, y no sólo del sector directamente beneficiado", dice.
En la entrevista con LA NACION, Koski explica que este movimiento civil que busca en la Justicia una aliada para terminar con la discriminación se remonta a 1954, cuando el Tribunal Supremo, a través de un histórico fallo (conocido como el caso Brown), declaró inconstitucional separar a los niños negros de los blancos en las escuelas públicas. "A partir de ese momento -dice- también se volvió inconstitucional la segregación en cualquier otro sitio público. Y fue un precedente, para otros grupos discriminados, como las mujeres en el ámbito laboral, que empezaron a ver a la Justicia como una vía eficaz para reclamar por sus derechos".
-Supongo que habrá quienes digan que la Justicia no debe politizarse y también que tiene limitaciones. ¿Qué pasa si la decisión de un juez es desoída por el gobernante de turno?
-El propio caso Brown, que terminó con la segregación por orden de la Corte, tuvo dos alcances: uno amplio y otro más limitado. En el corto plazo, fue muy difícil, porque los líderes políticos del Sur se resistieron a la medida. Hay una imagen muy fuerte del gobernador de Arkansas, en Little Rock, bloqueando la escuela para impedir el acceso a los chicos negros. Tuvo que ir la Guardia Nacional para desbloquearla. Las familias blancas abandonaban la ciudad para evitar que sus hijos se mezclaran con los de color. Sin embargo, la generación siguiente a la de Brown vivió el proceso de desegregación. Digo eso a pesar de que todavía hoy en algunas escuelas estadounidenses el racismo sigue siendo fuerte y la segregación sigue. Con todo, el avance es innegable.
-¿Qué esperan los activistas civiles del gobierno de Obama?
-Espero que gane dos elecciones, que tenga buena salud y que el Senado esté controlado por los demócratas [se ríe]. Con la designación de una mujer latina, Sonia Sotomayor, en el máximo tribunal, Obama ya está demostrando qué tipo de presidente va a ser. Sotomayor viene de una familia pobre y logró ir a las universidades de Princeton y a Yale.
-¿Y cómo lo hizo? ¿Quién pagó por eso?
-De eso se trata mi trabajo
-¿Pero usted puede litigar para que sus compatriotas sin recursos accedan a Harvard o a Yale?
-La respuesta es no. Nosotros hacemos litigios contra entidades públicas, y las universidades no lo son. No hay un derecho en Estados Unidos que garantice la educación universitaria; la obligatoria es sólo hasta los 18 años y en algunos Estados, hasta los 16. Pero la discriminación empieza mucho antes, en la provisión no igualitaria de un servicio que debería ser de igual calidad para todos.
-¿Y los políticos qué hacen al respecto?
-Los políticos saben que las escuelas son malas, pero tienen miedo de promover reformas, porque eso implicaría aumentar impuestos. Los políticos tienen que ganar elecciones, mientras que los jueces de la Corte son vitalicios. Hubo un caso interesante en Kentucky, en 1999. La Corte, basándose en el derecho a recibir una educación completa, dijo que todo el sistema educativo del Estado era inconstitucional. Este tipo de fallos abren un surco e instalan el debate. En ese sentido, yo me siento envidioso de la Argentina.
-¿Envidioso de la Argentina, dijo? ¿Por qué?
-Ustedes tienen garantizado el derecho a la educación preescolar. Nosotros no.
-¿Y qué pasa con el acceso a la salud? ¿No podrían seguir la vía del litigio, tal como usted sugiere, esos 50 millones de norteamericanos que carecen de cobertura?
-Excelente pregunta? Y la respuesta vuelve a ser negativa; he ahí el problema que tiene Obama. Para elaborar una estrategia, los activistas sociales nos planteamos, en primer lugar, si hay un derecho protegido por la Constitución o por leyes que esté siendo vulnerado por el Estado. En términos de acceso a la vivienda y a la salud, en Estados Unidos esos derechos no están protegidos. Entonces, ¿podemos hacer algo? No, porque no hay ningún derecho que reclamarle al Estado.
El personaje
WILLIAM KOSKI
Abogado y profesor
* Edad : 41 años
* Campo de acción : enseña e investiga en la Universidad de Stanford, California. Es abogado litigante en causas por la igualdad de oportunidades educativas.
* Origen : vive en la bahía de San Francisco. Proviene de una familia de maestros de zonas rurales.
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Hacia un español mas agradable
MADRID.- Una de las sorpresas agradables con las que me encontré durante una visita a España la semana pasada es lo que está ocurriendo en el campo de la modernización del idioma español para hacerlo más fácil de leer y escribir.
La Real Academia Española (RAE), que, desde 1713, regula la lengua española, evalúa seriamente eliminar antes de fin de año los acentos de las palabras "éste", "ése" y "sólo". En este momento, esas palabras llevan acento cuando se les emplea en ciertos casos y no en otros, lo cual es un verdadero dolor de cabeza para muchos.
Además, en un futuro próximo la RAE podría adoptar oficialmente las versiones fonéticas de palabras inglesas como marketing , parking y sex appeal .
El Diccionario Panhispánico de Dudas de la RAE, que es una especie de diccionario no oficial de términos usados frecuentemente y que están siendo considerados para ser admitidos en el diccionario oficial de la RAE, ya ha aceptado "marquetin", "parquin" y "sexapil".
Los 46 jueces de la Academia, que incluyen a escritores prominentes como Mario Vargas Llosa y Arturo Pérez Reverte, se reúnen regularmente para discutir si incorporan en el diccionario oficial -el Diccionario de la Lengua Española- las palabras admitidas en el diccionario de dudas. Entre las que ya han pasado del diccionario de dudas al diccionario oficial están "espónsor" y "cederrón".
En una entrevista realizada en la señorial sede de la RAE, donde cada miembro de la academia tiene un perchero con su nombre para colgar su sombrero, paraguas y bastón, el director de la Academia, Víctor García de la Concha, me dijo que la globalización está haciendo cambiar rápidamente todos los idiomas. Las lenguas que no avancen al ritmo de la realidad posiblemente desaparezcan, agregó.
"Las palabras viajan mucho más rápido hoy, por Internet y por los viajes -dijo García de la Concha-. Para sobrevivir, una lengua debe ser usada por un gran número de personas, tener un idioma unitario y estar actualizada con la tecnología."
La tendencia a simplificar la lengua española no es nueva. La Academia ya ha eliminado acentos de verbos muchos años atrás. Pero ahora pretende eliminar las tildes de palabras usadas mucho más frecuentemente cuando éstas no sean indispensables para marcar la tonicidad.
Además, la Academia está a punto de publicar sus primeras reglas gramaticales comunes para todos los países hispanohablantes, en un esfuerzo conjunto con 22 academias nacionales de la lengua.
"Se están neutralizando bastante las diferencias", dijo García de la Concha, refiriéndose al español usado en diversos países. "Más del 90 por ciento del léxico es común de España con América latina."
Los críticos de la Academia dicen que, en muchos aspectos, la RAE sigue siendo una institución troglodita, que mantiene términos racistas y discriminatorios hacia las mujeres.
Su diccionario oficial aún incluye la palabra "judiada", definida como "acción mala, que tendenciosamente se consideraba propia de los judíos". Y mientras define la palabra "zorro" positivamente, como "hombre muy taimado y astuto", describe el femenino "zorra" entre otras cosas como "prostituta".
Tildes obsoletas
Mi opinión: aunque en algunos aspectos la Academia sigue viviendo en la Edad Media -no hay excusa para mantener "judiada", un término que ya no se usa en ningún lado, ni en mantener vivas expresiones sexistas que también forman parte del español antiguo-, me alegra ver que la institución esté tratando de simplificar y modernizar más rápidamente la lengua española.
Los puristas no deberían alarmarse por las propuestas de españolizar palabras en inglés: es algo que viene ocurriendo desde hace mucho tiempo, y no ha puesto en peligro al idioma español.
Las palabras "fútbol", del inglés football , o "mitin", de meeting, hoy día son parte de la lengua hispana, sin que a nadie le choque. Y el intento de eliminar los acentos debería ser más que bienvenido: en la era de Internet y de mensajes de texto, donde casi nadie usa las tildes, estas últimas se están convirtiendo, cada vez, en más obsoletas.
Hasta ahora, siempre creí que la Academia era un anacronismo que mantenía a la lengua española presa en una camisa de fuerza. Pero después de visitar esta institución, empiezo a pensar que cumple una buena función al unificar y simplificar la lengua española en todo el mundo, asegurando así su supervivencia. Sólo hace falta que la RAE erradique algunos de sus vestigios medievales, y haga un poco de "marquetin".
Del mundo contemporaneo
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Los dueños del arte.
Piden a los docentes no temerle a Internet
Agustina Lanusse
Para LA NACION
"Nuestra misión como educadores es acercarnos a los chicos. No tengan miedo de utilizar las nuevas tecnologías", fue el mensaje del vicario episcopal de Educación del arzobispado porteño, padre Juan Torrella, al inaugurar el VII Foro de Educación de Docentes.
En una clara animación a que los profesores del secundario se ejerciten en el uso de Internet y se animen a utilizar el chat y el messenger en clase, el foro se realizó por primera vez online. Más de 100 colegios religiosos y parroquiales siguieron desde sus establecimientos, por videoconferencia, las reflexiones de los expertos, que destacaron la importancia de comprender el funcionamiento del cerebro para aprovechar mejor el aprendizaje. Todos llegaron a la conclusión de que el conocimiento se vuelve más potente con el uso de las nuevas tecnologías.
"La tecnología no agrega algo, está entramada con el aprendizaje", sentenció Mariana Maggio, profesora de tecnología educativa en la Universidad de Buenos Aires (UBA). Su exposición fue completamente multimedia (empleó audio, video, fotos y e-mails). Los docentes tuvieron que ubicarse detrás de un teclado y de una pantalla para seguirla.
Maggio explicó que el chat y el messenger, que muchos docentes fustigan, pueden ser útiles en el aula para conectar a los alumnos con un médico en un hospital, para preguntarle sobre una enfermedad que se está estudiando en clase, o con un escritor para despejar dudas sobre su novela. "El experto entra en el aula. Es una voz diferente a la del libro y muy potente", comentó.
Formar en ciudadanía
Navegar por distintos diarios locales, nacionales e internacionales a través de la banda ancha y conocer las últimas noticias permite formar en ciudadanía a los alumnos. "Todo cambia", dijo la especialista. Y agregó: "Ya no se puede estudiar geografía utilizando sólo un planisferio. Los sitios de representación virtual del espacio geográfico [Google Earth] permiten construirlo, recorrerlo, caminarlo y comprenderlo mejor".
Otra manera de cultivar a los chicos sin necesidad de viajar es mostrándoles exposiciones de arte virtuales de los mejores museos del mundo.
Según la experta, los jóvenes son apasionados por la tecnología. "A nosotros nos toca sumar: apasionarlos por el conocimiento", señaló. Y dio un consejo: que los maestros se acerquen a su mundo, que no le tengan miedo al iPod, al videojuego, a Facebook ni a YouTube. "Acompañen y guíen a sus chicos. Hay que mostrarles el contenido de la Web que vale la pena", concluyó.
Conocer el cerebro
El neurobiólogo Facundo Manes animó a los docentes a innovar y a practicar con la tecnología, y habló sobre la conexión entre las neurociencias y la educación.
Ante una pregunta sobre si la niñez es la mejor etapa para aprender, el investigador dijo que no hay una edad en la cual el cerebro capta mejor el conocimiento. "No hay evidencias para pensar que existen períodos críticos para la adquisición de habilidades culturales y sociales [lectura, matemáticas, música]", comentó. Y explicó: "Una de las cosas que más influye en el sano desarrollo de un cerebro es la actitud positiva de una persona, sus conexiones afectivas y el grado de desafío intelectual a la que está expuesta. Todo esto depende de ustedes, maestros" .
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Poetas en la mitad de la vida.
La escena parece un sueño barrial algo absurdo e inmediato, como esas pequeñas epifanías que el poeta Fabián Casas suele escribir. El poeta es hincha de San Lorenzo de Almagro, asiste a un partido en el nuevo Gasómetro y allí divisa a un personaje de El señor de los anillos , el montaraz Aragorn, con las facciones de Viggo Mortensen, pero luciendo la camiseta azulgrana y alentando al local como un hincha más. Con la lógica de los sueños, Aragorn declara que el equipo va a resistir: el Ciclón luchará hasta el fin porque tiene la misma entereza que la Comunidad del Anillo. Más tarde acompaña a Casas desde la Nueve de Julio hasta su barrio, como amigables cuervos. Todo parece tan real que, previsiblemente, un transeúnte que pasea con su novia los ve y exclama: "¡Es Aragorn, no lo puedo creer!". En el sueño cruzan las calles de Boedo, Aragorn lo llama "un guapo sabio" y percibe, como un recuerdo inminente que pertenece a su infancia, el aire como envejecido del tedio suburbano. Casas recuerda o imagina versos de un poema propio sobre una tormenta de verano, y repite ese vocablo imantado de Baudelaire sobre París: "El spleen de Boedo": "Bajo los látigos del agua, las plantas./ En las ventanas, los mosquiteros./ Las cortinas hechas con largas tiras de plástico,/ bailan en las puertas de las cocinas./ Y se encienden los espirales en las mesitas de luz". Aragorn, que ya se transformó en Mortensen, confirma que va a solventar una antología donde estarán muchos de los poetas de la generación de Casas y donde podría publicar el poema sobre Boedo. Lo hará en su propia editorial, llamada Perceval Press, con sede en California, y en la tapa habrá una foto algo abstracta, tomada por el propio Mortensen, cuyo nombre será "Boedo 2". Perceval es el nombre de un caballero de la Mesa Redonda del Rey Arturo, con lo cual el sueño se vuelve simétrico.
Sin embargo todo esto, con mayor o menor detalle, realmente ocurrió. La presentación en Buenos Aires de la Antología de la nueva poesía argentina (Perceval Press, 2009) fue populosa y notoria y por primera vez los cronistas del espectáculo se interesaron en la poesía argentina mientras Viggo Mortensen lucía la camiseta de San Lorenzo y escuchaba la lectura de los poetas. Tal vez no hubo en Buenos Aires una publicidad similar desde 1932, cuando Oliverio Girondo hizo pasear una carroza fúnebre con un gigantesco muñeco, con galera y monóculo, para promocionar su libro Espantapájaros . La anécdota parece cumplir lo que los surrealistas llamaban "azar objetivo": el encuentro entre una causalidad externa y una finalidad interna. Conviene a una generación poética que desde la del sesenta puede reconocerse como una figura social a la vez que literaria. Se trata de poetas cuya infancia o adolescencia transcurrió durante la dictadura -nacidos entre 1960 y 1976- y publicaron en la década menemista, era de cinismos, de malversaciones y de una cultura del espectáculo que ellos supieron cifrar en el poema como decepción y distancia, y que a la vez articularon como novedad, con todos sus riesgos y fracasos, y con presencia pública, opiniones contundentes y asunciones ideológicas. El antólogo fue Gustavo López, director de la revista Vox (ahora en Internet) y de la editorial del mismo nombre, órganos de difusión de la poesía argentina de los últimos quince años.
López señala "el ímpetu cultural que la salida de la dictadura militar desata a mediados de los ochenta" y la tarea de editoriales y revistas literarias "entre las que se destaca Diario de Poesía , publicación que repondrá nombres de obras y autores silenciados o poco considerados por efecto del exilio y la chatura impuesta en los años oscuros". Destaca la recuperación de poetas soslayados: Joaquín Giannuzzi, Ricardo Zelarayán, Leónidas Lamborghini, Juana Bignozzi. Podrían agregarse otros, pero lo importante radica menos en su lectura que en su uso, porque los poetas encontraron en ellos una visión crítica para la representación de lo real y sobre todo, una lengua. La poesía de los años ochenta lidiaba con un lenguaje que había sostenido en la sociedad argentina el discurso de la dictadura y que en el escándalo de la desaparición forzosa de miles de personas no sólo había corrompido el habla, sino también el lazo social básico: el reconocimiento del otro en la relación cara a cara. Lo visto y lo dicho, la mirada y la voz como facultades de una poeticidad en acto estaban alterados. Esto se ve en poemas como "Cadáveres" de Néstor Perlongher, donde se leía: "Era ver contra toda evidencia/ era callar contra todo silencio/ era manifestarse contra todo acto/ contra toda lambida era chupar/ Hay cadáveres". O en la serie de poemas escritos por Diana Bellessi bajo el nombre "Tributo del mudo", donde la mudez se ofrecía como una forma de la elocuencia poética para decir lo que no podía ser nombrado. Esa poesía había sido política de un modo oblicuo y creativo, junto a otros poetas que escribieron esa experiencia de otro modo, como Juan Gelman en el exilio. En la década del ochenta se desarrollaron el afianzamiento del neobarroco, ciertas derivaciones de la poesía concreta en la revista XUL , la impronta neorromántica de la primera época de la revista Último Reino , la irrupción de una nueva enunciación femenina en la poesía escrita por mujeres.
Reiniciada la democracia, apareció Diario de Poesía , dirigida por Daniel Samoilovich, y se volvió una de las revistas más importantes de América latina, por su alcance y su continuidad (su primer número data de 1986 y sigue publicándose). Realizó, con sus tiradas y su influencia, lo que Carlos Battilana llamó, en su tesis sobre las revistas de poesía de los años ochenta, el "gesto de la masividad". Varios de sus integrantes constituyeron la corriente del "objetivismo" que conformó la recuperación de la mirada corroída durante la dictadura: el objeto como correlato de una renovada percepción de lo real y como sustento de una palabra que los volvía evidentes para fundamentarse en ellos. No se trataba de una representación fenoménica ingenua, porque acarreaba también las dudas sobre los alcances de ese "realismo" presunto e incluía su propia crítica -como en los libros de Guillermo Piro, La golosina caníbal (1988), Las nubes (1993) y Estudio de manos (1999)-. También disputaba con la estética neobarroca, cuya exploración de los efectos de superficie y de las derivas del signo lingüístico confrontaba con la impronta de lo objetivo. Otros poetas confrontaron desde otra posición estética e ideológica, como Ricardo H. Herrera, director de la revista Hablar de poesía , en su ensayo "Del maximalismo al minimalismo", de La hora epigonal (1991). En ese contexto surgen los que entonces fueron llamados "los chicos de los noventa" o "perritos de ceniza", agrupados en modestas pero influyentes revistas de la época, como 18 Whiskys , dirigida por José Villa y donde, además de Casas, se nucleaban entre otros, Teresa Arijón, Daniel Durand, Rodolfo Edwards, Darío Rojo -que no están en la antología publicada por la editorial de Mortensen, pero escribieron obras representativas del período-. Jorge Aulicino, que integraba por entonces Diario de Poesía , escribió que el grupo que dio origen a 18 Whiskys fue "la tribu más influyente" en la poesía de los últimos quince años, de la cual partieron tres líneas: una nueva poesía urbana, una poesía de observación que disloca el pensamiento mágico o el comentario desmañado, una poesía de reflexión o de imaginación lírico-épica. Pero Diario de Poesía fue el marco en el cual muchos de estos poetas tuvieron su expansión: Martín Gambarotta con Punctum , Washington Cucurto con Zelarayán y Santiago Llach con "Los Mickey" ganaron concursos de la revista. Su primer antólogo también integraba Diario de poesía : Daniel Freidemberg, con Poesía en la fisura (1995). Martín Prieto y especialmente D. G. Helder, miembros de la redacción y compañeros generacionales, publicaron un discurso crítico que fue casi un manifiesto tardío en la revista Punto de Vista , 60 (1998): "Boceto Nº 2 para un... de la poesía argentina actual". En el 2001 una antología mayor unificó la variedad: Monstruos. Antología de la joven poesía argentina , con selección y prólogo de Arturo Carrera. Así la poesía de la década del noventa fue un índice proliferante, un tópico, un lugar común, un espacio de polémicas y enfrentamientos, un objeto de estudio. Surgieron nuevos poetas y editoriales, numerosos textos, antologías, recitales, blogs y un cuerpo crítico creciente, incluso en la universidad: entre otros, los ensayos críticos de Ana Porrúa, de Delfina Muschietti, de Silvio Mattoni, de Edgardo Dobry, de Ana Mazzoni, Violeta Kesselman y Damián Selci. Poetas como Bellessi, Tamara Kamenszain -que les dedicó un ensayo en su notable La boca del testimonio -, o Fogwill se interesaron en ellos y hasta existe una tesis doctoral, "La poesía joven de los noventa en la Argentina", escrita por Anahí Mallol.
La poesía es "joven" hasta que se vuelve un arte de museo. La cultura juvenil, en cambio, sí formó parte de la visión del mundo de los años noventa, del modo en que el rock contó con esa idea como un valor constitutivo, siquiera como ilusión. El sujeto imaginario de la poesía de ese período suele ser un joven que se halla en un vacío de memoria y en consecuencia debe restaurar un relato de la historia donde la épica está ausente y donde la tradición de los ancestros carece de sentido o está clausurada. Ya no puede anclarse en lo sentimental porque no existe una conciencia fundante, ni siquiera biográfica. "No es cierto que la emoción perdure", escribió Helder. Carece de futuro, en el sentido utópico de una proyección en la historia, porque el futuro llegó hace rato: se siente un desclasado y a la vez sabe que su segura herencia fue la derrota de la generación que dio los pasos previos. El presente, dijeron, fue su tiempo absoluto y lo inmediato, el sitio de su nostalgia vacante. Era una versión nueva del "solicitante descolocado", imaginado por Leónidas Lamborghini, pero en la era de la convertibilidad. En la Antología... hay fragmentos de libros emblemáticos en que se manifiesta este carácter en 1996: La Zanjita , de Juan Desiderio, o Punctum , de Martín Gambarotta. El primero comienza en la zanja donde alguien se corta la mano para desenterrar un billete. Allí no hay un yo que enuncia, sino espacios donde se escenifica un habla menesterosa en que la oralidad corta el cuerpo de la lengua, corta las eses y los tendones: "Meté la mano/ sacá lo hueso de poyo/ de la zanja/ meté la mano/ te cortaste lo dedo/ por sacar la mitá/ de lo cien peso/ de la tierra/ y sus tendones/ se vieron hermosos/ bajo el sol". El segundo muestra una pieza aislada, donde alguien "no sabe quién es" y percibe los pobres objetos que lo rodean como figuras estáticas de un ruinosa cotidianeidad y donde la luz proviene de un televisor al final de la programación, como única ventana al mundo: "nada/ hace suponer el final de la transmisión nocturna/ que ahora termina y deja/ la pantalla nevada/ trasladando a la penumbra del pasillo/ la oscilación de un aire gris que no provoca/ ninguna emoción salvo en las cosas". Y así los objetos están allí pero sin aura, nuevos para la poesía porque no son poéticos. Integran un paisaje urbano de fábricas cerradas y persianas bajas, donde el progreso ha cesado, recorren las calles anónimas figuras hambreadas, y hay sitios donde sólo se halla el óxido, animales sueltos, detritus, restos, toda la "gama de lo inútil": D. G. Helder lo describió así en El guadal (1994), donde "toda pretensión de certidumbre tiene el destino/ de las gotas que caen desde un alto inútil/ alambique en un tambor de aceite". Un solitario texto de 1993 pudo ser un modelo: 40 watt de Oscar Taborda. Un poema narrativo o nouvelle en verso, que se demoraba en un paisaje de desechos y carencia, objetos cariados en el río que se angosta junto a la basura industrial y que incorporaba los sujetos de la pobreza con un ademán político que otros retomaron: construir una épica menor de la indigencia. Así también se perpetuaron los relatos y los personajes del margen en libros como Música mala (1997) o Metal pesado (1999), de Alejandro Rubio, que ahora se cobraba las contradicciones de la democracia claudicante que ni curó ni educó ni dio de comer, o como La raza (1998) de Santiago Llach, que en "Los Mickey" escenificó la anécdota de unos descendientes conchetos de las guardias blancas que ahora "cazan negros cerca de la villa del Bajo". Washington Cucurto, seudónimo de Santiago Vega, menos trágico o menos cínico, recreó un glosario de la farsa urbana sexualizado, vitalista y a la vez solidario con sus personajes populares: inmigrantes ilegales, prostitutas y pungas, empleadas y bailanteros, sirvientas con cama adentro, el mundo que Cortázar negaba en su relato "Las puertas del cielo", ahora con valor positivo. Su voz es una invención que al fin se apropia de la identidad del poeta con el uso del seudónimo: en La máquina de hacer paraguayitos (2000) Santiago Vega es el albacea de un tal Washington Cucurto, "poeta dominicano nacido en 1942" que inaugura el "realismo atolondrado". De estas corrientes de los poetas de la década del noventa, los de la generación siguiente toman y procesan muchos rasgos, como en dos interesantes libros de 2007: El Maldonado , de Miguel Ángel Petrecca, o Increíble , de Mariano Blatt.
Otros poetas recrearon mínimos atisbos de la infancia en el espacio familiar. Pero no como nostalgia, sino como la manifestación de una micropolítica donde el universo opresivo de la dictadura se desplazaba en las figuras parentales, en la monotonía cotidiana, en una visión como aniñada carente de un fantaseado encanto, pero bastante siniestra. En este aspecto fueron claves los primeros libros de Verónica Viola Fisher -no incluida en la Antología... -: Hacer sapito (1995), donde se lee: "Los hombres no lloran/ y mi hija tampoco/ llora porque/ tiene los ojos/ de su padre", o de Martín Rodríguez, Agua negra (1998), donde se lee: "el sentido de la palabra casa no lo podés/ cambiar/ la casa en su sentido/ de juntarnos, mamá,/ es la palabra que no me podés quitar/ de adentro, el sentido de la casa/ es estar juntos, si/ se destruye/ lo que queda es agua negra". En la Antología... se incluye un poema de otro libro fundamental de Rodríguez: Maternidad Sardá (2005). No sólo la infancia, sino lo infantil como una especie de miniatura objetiva se lee en El collar de fideos (1997), de Roberta Iannamico. Y asimismo una especie de catálogo perceptivo en los poemas de Laura Wittner -casi todos tomados de un libro de 2001: Las últimas mudanzas - donde el mundo nunca termina de asentarse, de clasificarse: la mirada es "como una ventana más", diluye la totalidad, que muta de una cosa a la otra, no en analogías metafóricas, sino en diferencias concretas. Esa forma de aparición del mundo tiene también algo de infantil y a veces de dichoso, aunque alejado de todo saber unitivo sobre lo real: "Como en la infancia -escribe-/ fuimos felices por error".
Dos poetas marcan en la Antología... un giro cualitativo respecto de los inicios de la poesía de los años noventa: Poesía civil (2001) de Sergio Raimondi, y La impresión de un folleto (2003) de Mario Arteca. El primero ejercitaba de un modo novedoso un nuevo vínculo entre la imaginación poética y lo sociopolítico, con uniones tan agudas como inesperadas: "es curioso que la métrica,/ considerada por el poeta como el elemento similar y constante/ que organiza todo un modo de componer,/ actúe tal como el regulador que por ese tiempo/ Watt introdujo en la máquina a vapor". Su trabajo con la forma, que elude todo lirismo y se oculta en lo argumentativo, en una prosa poética instrumental y hasta informativa sobre el ámbito laboral de Bahía Blanca, indaga críticamente la función de la poesía en la lógica del tardío capitalismo periférico. El segundo compone su libro de poemas como una vasta glosa a un catálogo de pintura del Instituto Di Tella publicado en 1963, donde el objeto percibido es suplantado por la imagen pictórica como otro correlato de la percepción y donde todo "lo que se está viendo" pasa al crédito de lo imaginario. Ya no se denuncia siquiera la pérdida del aura, sino el vacío de la percepción toda vez que los objetos en la sociedad globalizada son mercancías o desechos y éstos se reciclan otra vez como mercancía o elemento contaminante: el capitalismo transfigura el mundo de los objetos en campo de pura exclusión subjetiva. Así cae el último bastión de una cierta pureza de la mirada, de modo que los poetas de la segunda promoción de la década del noventa advierten con mayor agudeza que sólo es posible intervenir políticamente en lo real mediante la exploración del habla como pura exterioridad. O bien, como señalaron Selci y Kesselman comentando el precursor La Zanjita , el habla no es sólo un modelo, sino que se vuelve objeto eminente: "el habla es para la poesía la objetividad del presente". Intuyeron que en la poesía argentina, desde la gauchesca, la oralidad como representación poética siempre es social. Y así varios poetas acaban por componer una poesía explícitamente política: Rubio escribe sobre "la mente de Perón" en Novela elegíaca en cuatro tomos y Llach publica Aramburu .
Hay más poetas, no mencionados aquí: aquellas que procesan desde otro lugar la herencia de la poesía femenina cruzada con la estética pop (Fernanda Laguna, Gabriela Bejerman, Marina Mariasch) o con otras posiciones enunciativas (Gabriela Saccone, Patricia Suárez); aquellos más afines, por su dicción poética, a la poesía de la generación que sigue (Damián Ríos, Francisco Garamona, María Medrano, Ana Wajszczuk); y por cierto Martín Prieto y Fabián Casas, reconocidos iniciadores. Y hay también muchos poetas que no están incluidos, cuya obra revela un desarrollo muy considerable y a veces más atractivo que ciertos elegidos. Pueden mencionarse, entre muchos otros importantes, los que Mallol llamó "poetas del sigilo", como Carlos Battilana, Osvaldo Bossi o Silvio Mattoni. Cada uno a su modo no explora el objeto como desecho, sino el sujeto como residuo de lo sentimental o lo autobiográfico, ya ni siquiera en un absoluto presente sino en el tiempo fugaz del instante, casi a punto de desvanecerse, pero que resiste desde lo no intercambiable de la experiencia poética y aun de la experiencia vivida en sí misma. Poetas que no son leídos porque no entran en ese circuito, como Guillermo Saavedra, que trabajó el sarcasmo y la parodia al sentimentalismo con elocuencia ejemplar en El velador (1998). O el patagónico Cristian Aliaga, cuya obra poética, desde Lejía (1988) y No es el aura de Kant (1992), se perfecciona en La sombra de todo (2007), donde expone con minucia una conciencia desgarrada en la "escoria de la duración". O bien poetas para cuya obra no se han creado condiciones de legibilidad, como la de Adrián Navigante, residente en Alemania. Su obra ya es vasta, pero su libro más ambicioso es Unusmundus (2007), texto de cuatrocientas páginas inadvertido, como lo fue el igualmente inclasificable Himalaya o la moral de los pájaros (1970), de Miguel Ángel Bustos. Su tema es el despliegue de la p óiesis (el hacer poético) en la totalidad de una especie de cosmogonía, proyección a la vez personal y suprapersonal, histórica -política- y sagrada, aunque antirreligiosa. Una obra compleja, que trabaja el espacio de la página en dos niveles como figuración especular e invertida, que se resiste a ser cosificada y aspira a existir como acontecimiento.
La Antología... de López es un cierre, una muy parcial pero honesta evaluación de una tendencia consolidada, que cuenta con su propia mitología, con Mortensen como inesperado deus ex machina . Sigue la proyección individual de los poetas, el diálogo especular o divergente que tengan con sus comienzos, donde en algún caso se hallará lo más singular de su trabajo poético. El lector puede descubrir a poetas aún más "jóvenes", nacidos en los años ochenta, en la antología Última poesía reciente (Ediciones en danza, 2008) editada por Javier Cófreces, Eduardo Mileo y Gabriela Franco.
"La poesía no nace", pero siempre comienza, aquí, allá y en todas partes. Todo el resto es literatura o, como parafraseó Daniel Durand en "Segovia": "La poesía todavía no existe/ Nunca va a haber literatura".
Jorge Monteoleone - La Nacion Cultura.

































































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