NILDA MARSILI: Cuando el sonido estalla en mil colores !!

 

Reinventar el sonido” es la muestra de arte – objeto de Nilda Marsili en el M.A.C. Un planteo filosófico que genera debates.

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Nilda Marsili acaba de instalar un planteo estético / funcional / artístico con derivaciones insospechadas: arte objeto realizado con formato de instrumentos musicales. Cordófonos y de percusión.

 

La presencia del fenómeno vibratorio (ya sea en placas o de cuerdas) nos remite por fuerza obligada a Pitágoras, el célebre matemático e inventor griego que estableció las primeras proporciones sobre la longitud de la cuerda y su incidencia con valores sobre los distintos sonidos que serían ya por entonces, la noción de modernidad de la teoría musical que hoy rige en occidente. No estamos hablando de notaciones musicales que se incorporarían después del siglo XVI, sino de los valores númericos y relaciones que existen en una cuerda tensada, discusión enmarcada en el campo de la acústica moderna.

 

Marsili por un lado, demuestra que es capaz de extender la plástica sacándola del plano y el espacio construir en el espacio mismo, pero apropiándose de otros lenguajes: el sonoro. Ahi reside la veracidad de su búsqueda, honesta y honrada. Estamos -a diferencia de otras muestras y producciones, ante una hibridación de conceptos, una fusión de lenguajes: lo visual y lo sonoro. Lo tridimensional y lo espacial. Lo auditivo y lo visual.

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EL DEBATE: ¿SON O NO INSTRUMENTOS?

Ahora: ¿son o no instrumentos? O es más arte – objeto que otra cosa? . Aquí se plantea un problema de temperación (proveniente de temperamento, afinación). La historia cuenta que en 1939 una conferencia internacional recomendó que el la encima del do central se afinara a 440 Hz. El estándar fue aceptado por la Organización Internacional de Estandarización en 1955 (y fue reafirmado por ellos en 1975) como ISO 16. La diferencia entre esta afinación y el “diapasón normal” se debió a la confusión acerca de cuál era la temperatura a la que se debía medir el estándar francés. El estándar inicial era la 439 Hz, pero fue reemplazado por el la 440 Hz después de registrarse quejas acerca de la dificultad de reproducir los 439 Hz en laboratorio debido a que 439 es un número primo.

A pesar de esta confusión, el la 440 Hz ahora se utiliza prácticamente en todo el mundo, por lo menos en teoría. En la práctica, las orquestas afinan con el la que genera el oboísta principal, en vez de hacerlo con algún dispositivo electrónico (lo cual sería más fiable), y el oboísta mismo no utiliza tal dispositivo para afinar su instrumento en primer lugar, así que todavía puede haber una ligera diferencia en la afinación exacta utilizada. Los instrumentos solistas como el piano (con quien afina la orquesta cuando tienen que tocar juntos) a veces tampoco están afinados con el la 440 Hz. De todos modos se cree que desde mediados del siglo XX ha existido una ligerísima tendencia a subir la afinación estándar, aunque ha sido casi imperceptible.

La cuestión es: ¿la longitud de las cuerdas da para obtener una temperación del instrumento? – No lo sabemos. Si es posible encontrar en la extensión de los mismos, a la nota mencionada y sus armónicos, estamos entonces sí, ante un instrumento musical legítimamente construido. Caso contrario, no.

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LIBERANDO EL OBJETO

Pero fuera del fárrago teoricista de la música y la complejidad de la teoría sonora que cuenta con 2500 años en occidente (25 siglos) y que ha tenido que atravesar el campo analógico con sus mutaciones para engrosar el corpus de los códigos digitales desde la aparición de las ondas Martenot en el siglo XIX – XX, los ætérfono de Leon Theremin en 1919 y más adelante la revolución llevada a cabo por los primigenios DX7 de Yamaha, Roland y Korg allá por la década del ochenta, este avizoramiento sonoro o abordaje del sonido desde la plástica, nos deja una lección llena de audacia: ingresar en el campo sagrado de los luthiers desde la plástica misma. No puede creerse que Marsili haya intentado dado una lección de orfebrería e ingeniería. Si puede ser más fáctico el argumento que intentó musicalizar las formas, dotar al objeto de una dinámica que hiciese un sutil engarce entre dos campos opuestos, que involucran sensaciones distintas: visual y sonora.

 

La apuesta en todo sentido sale bien. Las formas triangulares y rectangulares apuntando hacia arriba nos remiten a la catedral gótica, base del sistema musical tomado por los teóricos de la época, cuando se definieron las funciones tonales y de dominantes como sensibles. Sin quererlo quizás y al haber dado a sus objetos la mirada afilada al cielo, son dotados de una concomitancia que hace pie en los sistemas filosóficos y teóricos del renacimiento y que duraron siglos, permitiendo formar el sistema tonal que termina escindiéndose de la teoría griega y funciona como síntesis del sistema musical moderno que nos rige.

 

Casualidad, azar o saber. Eso lo define la autora.

Algo importante: los instrumentos de Marsili -parecería ser- son percutibles. No ejecutables. Son cuestiones completamente distintas.

 

Esto hay que aclararlo. Por más que alguno se esfuerce o intente lo contrario.

 

Y en esto, lo de frecuencias y tensiones se debe discutir con un luthier y un Osciloscopio de por medio, -tampoco con un diapasón – caso contrario es una nadería. No porque algo vibre y excita la auditabilidad permite autogestarse e insertarse en la gama de instrumentos. Y esto no quita. Al contrario, agrega un condimento más a la discusión.

 

1335 DIAS SIN NIDIA

 

Pero lo valioso de esta historia, es que nuevamente Santa fe se deslumbra con la obra de una autora que no se cansa de investigar. Desde el Sábado 4 de Setiembre de 2010 (click aquí para ver) que Nilda Marsili no entregaba semejante producción. En aquella oportunidad fue en el Ex – Centro Experimental del Color en calle Rivadavia.

 

Para no perdérselo!!! Boulevard 1578 – M.A.C. de la U.N.L.

 

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